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Dashiell Hammett

2025-06-16T03:46:27Z

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'''Samuel Dashiell Hammett''' (27 de mayo de 1894 - 10 de enero de 1961) fue un escritor estadounidense de novela negra, cuentos cortos y guiones cinematográficos, además de activista político. Entre los personajes más recordados que creó se encuentran Sam Spade (''El halcón maltés''), la pareja de detectives Nick y Nora Charles (''El hombre delgado'') y el agente de la Continental (''Cosecha roja''). También escribió bajo los seudónimos de Peter Collinson, Daghull Hammett, Samuel Dashiell y Mary Jane Hammett.

== Biografía ==

Hammett nació en una granja del Condado St. Mary]] en el sur del estado de Maryland. Sus padres fueron Richard Thomas Hammett y Annie Bond Dashiell (el apellido Dashiell procede de una americanización del francés ''De Chiel''). Creció en Filadelfia y Baltimore y dejó la escuela a la edad de 13 años para ejercer varias profesiones. antes de convertirse, entre 1915 y 1922, en agente operativo de la Agencia Pinkerton en Baltimore.

En 1918 se alistó para la Primera Guerra Mundial en el American Field Service, un cuerpo de voluntarios que prestaba servicios en Francia y proporcionaba ambulancias y transportes a los aliados. Allí padeció y superó la gripe de 1918, pero la tuberculosis que contrajo un año después provocó, tras su internamiento en un hospital en Tacoma (EE. UU.), que fuera licenciado. Fue en este hospital donde conoció y empezó a tratar a una enfermera, Josephine Dolan, con la que finalmente se casó. Hammett sufrió desde entonces una crónica mala salud a causa de los esporádicos rebrotes de tuberculosis que complicaba su alcoholismo.

En efecto, el trauma de la guerra provocó sus primeros excesos con la botella. Para mantener a su familia, compuesta de una esposa de veinticinco años y de un bebé, al que pronto se añadió otro más, probó como creativo publicitario y finalmente con la literatura, para la que aprovechó su experiencia en la agencia de detectives Pinkerton. Su estilo también adquirió su característica claridad y concisión escribiendo informes legibles para los clientes. Y este trabajo le suministró inspiración para sus primeros relatos, que se publicaron principalmente en la revista ''Black Mask'' ("Máscara Negra") con Joseph Shaw como su editor.

Aunque se resienten al principio del exceso de violencia del modelo ''hard boiled'' de la literatura pulp, la calidad y realismo de sus cuentos destacaron desde el principio y poco a poco fue refinando su estilo hasta dejar los 65 que han llegado hasta nosotros. El primero publicado en ''Black Mask'' fue "The Road Home" ("El Camino a Casa") bajo el pseudónimo de Peter Collinson (diciembre de 1922). El personaje del Agente de la Continental apareció por primera vez en el número de octubre de 1923 en el cuento titulado ''Arson Plus''. El Agente de la Continental llegaría a aparecer en 28 cuentos y dos novelas.

El detective Sam Spade apareció algo después, pero en todas estas narraciones surgen situaciones y personajes que luego pasarían a ser tópicos del género repetidos por todos los escritores que lo frecuentaron. Por ejemplo: la ''femme fatale'' o mujer fatal es la Elvira de "La chica de los ojos de plata"; la pelirroja de "La Casa de la calle Turk"; la ladrona rusa de "El saqueo de Couffignal" o la rubia de "El ángel ladrón"; el personaje quedaría por fin conformado en la Brigid O'Shaughnessy de una novela larga, ''El halcón maltés'' (1930). En 1934, también escribió el guion de una historieta (''Agente Secreto X–9'') para King Features Syndicate, ilustrada por Alex Raymond.

Hammett consiguió el prestigio literario gracias a sus novelas publicadas entre 1929 y 1931, en plena crisis económica; las dos primeras, ''Cosecha roja'' (''Red Harvest'', 1929) y ''La maldición de los Dain'' (''The Dain curse'', 1929) le llevaron rápidamente a la fama, aunque su novela más famosa (aunque no unánimemente considerada la mejor) fue ''El halcón maltés'' (''The Maltese Falcon'', 1930).

Muchos de sus libros fueron adaptados al cine; destaca ''El halcón maltés'' (película de 1941 dirigida por John Huston), cuyo diálogo fue a veces transcrito del libro palabra por palabra. También fue contratado como guionista en Hollywood.

Debido a su tuberculosis los servicios de salud informaron a Hammett de que era conveniente que su mujer y los niños no vivieran con él a tiempo completo. Así pues, Dolan alquiló una casa en San Francisco, donde Hammett visitaba a su familia los fines de semana; este régimen de vida y el alcoholismo del escritor abocaron a que su matrimonio se viniera pronto abajo, aunque él siguió apoyando económicamente a su esposa e hijas con los ingresos que hizo de su escritura. De 1929 a 1930 Hammett mantuvo una relación amorosa con la escritora [[Nell Martin]], a la que dedicó su novela ''La llave de cristal'', y en 1931 Hammett se embarcó en otra que duraría treinta y tres años con diversas separaciones y reencuentros con la dramaturga [[Lillian Hellman]]. Aunque continuó trabajando esporádicamente en el material, escribió su última novela en 1934, más de 25 años antes de su muerte. ''The Thin Man'' está dedicado a Hellman. No se sabe con certeza por qué se alejó de la ficción; Hellman especuló en una colección póstuma de novelas de Hammett: "Creo, pero sólo creo, que conozco algunas de las razones: quería hacer un nuevo tipo de trabajo; estuvo enfermo durante muchos de esos años y cada vez se enfermaba más". En la década de 1940, Hellman y él vivían en su casa, Hardscrabble Farm, en Pleasantville, Nueva York. Hammet escribió su última novela en 1934 y desde ese año ya no volvió a publicar, sino que se consagró casi todo el resto de su vida al activismo en la izquierda política. Fue un activo antifascista en la década de 1930 y, en 1937, se afilió al Partido Comunista de los Estados Unidos de América.

Declarada la Segunda Guerra Mundial y a pesar de que era un veterano físicamente disminuido y víctima de la tuberculosis, luchó por ser admitido en las fuerzas armadas hasta lograr su ingreso en 1942; pasó la mayor parte de la guerra como sargento en las Islas Aleutianas editando un periódico del ejército.

Tras la guerra Hammett se asoció con el New York Civil Rights Congress (Congreso de Derechos Civiles de Nueva York), una organización izquierdista que algunos llamaban comunista. Cuando cuatro comunistas relacionados con la organización fueron detenidos y encarcelados, Hammett recaudó dinero para lograr pagar su fianza. Cuando estos huyeron, fue interrogado sobre su paradero y en 1951 pasó seis meses en la cárcel por haber rehusado proporcionar información al tribunal del Comité de Actividades Antiamericanas del famoso senador republicano Joseph McCarthy, luego desacreditado y acusado de corrupción.

Durante la década de 1950 el Congreso Estadounidense lo investigó y, aunque declaró sobre sus propias actividades, fue incluido en listas negras y rehusó proporcionar información sobre las identidades de otros miembros del partido comunista.

Hammett cumplió condena en una penitenciaría federal de Virginia Occidental, donde, según Lillian Hellman, fue asignado a limpiar baños.

En 1952, la popularidad de Hammett había disminuido como resultado de las audiencias. Se encontró empobrecido debido a una combinación de la cancelación de los programas de radio ''Las aventuras de Sam Spade'' y ''Las aventuras del hombre delgado'', y un embargo sobre sus ingresos por parte del Servicio de Impuestos Internos por impuestos atrasados adeudados desde 1943. Además, sus libros ya no se imprimían.

Hammett falleció en el Hospital Lennox Hill en Nueva York por un cáncer de pulmón que le había sido diagnosticado dos meses antes. Como veterano de las dos guerras mundiales, fue enterrado con honores en el Cementerio Nacional de Arlington, en Washington.

La Asociación Internacional de Escritores Policíacos otorga anualmente el Premio Internacional de Novela ''Dashiell Hammett'' durante la Semana Negra de Gijón a la mejor novela policíaca escrita en español.

== Obra ==

Las obras de Hammett fundaron un nuevo subgénero literario, la novela negra, sublimando el popular ''hard boiled''. Su ejemplo trascendió e importantes escritores reconocieron su influjo, como [[Ernest Hemingway]], [[Raymond Chandler]] o el francófono [[Georges Simenon]]. Aparte de crear la mayoría de las iconografías, personajes y esquemas argumentales del género, utiliza un estilo lacónico e [[Impresionismo|impresionista]] que selecciona pocos pero significativos detalles para que el lector vaya construyendo su propia imagen de personajes y ambientes. Otra señal distintiva es su realismo: conoce profundamente la materia de la que escribe, y la corrupción que late en el interior de la sociedad norteamericana en un ambiente noqueado por el crack del 29 y la Gran Depresión en que publicó sus principales obras, lo que inspira el profundo pesimismo que invade en general a sus figuras, y, aunque hoy puedan parecer tópicas algunas de las situaciones que expone, en su tiempo eran novedad y es la repetición machacona de sus discípulos la que ha hecho posible tal confusión. Por otra parte, al contrario que otros novelistas policíacos, especialmente los de escuela inglesa, no le interesan las argucias del crimen, sino lo ético, lo humano y lo social que se ven comprometidos por este fenómeno.

== Obra literaria ==
=== Novela ===
* '''''Cosecha roja''''' (''Red Harvest'', publicada el 1 de febrero de 1929)
* '''''La maldición de los Dain''''' (''The Dain Curse'', 19 de julio de 1929)
* '''''El halcón maltés''''' (''The Maltese Falcon'', 14 de febrero de 1930)
* '''''La llave de cristal''''' (''The Glass Key'', 24 de abril de 1931)
* '''''El hombre delgado''''' (''The Thin Man'', 8 de enero de 1934)

=== Colección de relatos ===
* '''''Dinero sangriento''''' (''$106,000 Blood Money'', 1943), colección de historias cortas.
* '''''El agente de la Continental''''' (''The Continental Op'', 1945), colección de relatos cortos protagonizados por el detective de ''Cosecha Roja''.
* '''''El gran golpe''''' (''The Big Knockover'', 1966), colección casi completa de todos sus relatos.
* '''''Disparos en la noche. Cuentos completos''''', colección completa de todos sus relatos; los 65 que escribió, incluyendo 6 inéditos.

=== Historieta ===
* '''''Agente Secreto X–9''''' (''Secret Agent X-9'', del 22 de enero de 1934 al 20 de abril de 1935.), con el guion completo de la primera historia, ''The Top'', y el argumento (con conflicto entre los distintos historiadores de su autoría) de las tres siguientes, ''El misterio de las pistolas silenciosas'', ''El caso Martyn'' y ''El caso del coche en llamas''.

== Premios y distinciones ==
;Premios Óscar
{| class="wikitable"
! style="background:#F0E68C" |Año
! style="background:#F0E68C" |Categoría
! style="background:#F0E68C" |Película
! style="background:#F0E68C" |Resultado
|-
| 1944
|Mejor guion
|''Watch on the Rhine''
|Nominado
|}

== Archivos ==

Muchos de los artículos de Hammett se encuentran en el Centro Harry Ransom de la Universidad de Texas en Austin. Este archivo incluye manuscritos y correspondencia personal, junto con un pequeño grupo de notas diversas.

El Departamento de Libros Raros y Colecciones Especiales de Irvin de la Universidad de Carolina del Sur posee los documentos de la familia Dashiell Hammett.

== Legado ==

La relación de Hammett con Lillian Hellman fue retratada en la película Julia de 1977. Jason Robards ganó un Oscar por su interpretación de Hammett y [[Jane Fonda]] fue nominada por su interpretación de Lillian Hellman.

Hammett fue el tema de una biografía de PBS en horario de máxima audiencia en 1982, ''The Case of Dashiell Hammett'', que ganó un premio Peabody y un premio especial Edgar Allan Poe de Mystery Writers of America.

Frederic Forrest interpretó a Hammett de forma semificticia como el protagonista de la película Hammett de 1982, basada en la novela del mismo nombre de Joe Gores.

[[Sam Shepard]] interpretó a Hammett en la película biográfica para televisión ''Dash and Lilly'', nominada al Emmy de 1999, junto con Judy Davis como Hellman.

La influencia de Hammett en la cultura popular continuó mucho después de su muerte. Por ejemplo, en 1975, la película ''The Black Bird'' fue protagonizada por George Segal en el papel de Sam Spade, Jr.; la película fue una secuela y parodia del Halcón Maltés. La película cómica de 1976 ''Murder by Death'' parodió a varios detectives literarios famosos, incluidos varios de Hammett. Los personajes de la película incluían a Sam Diamond, Dick y Dora Charleston, que eran parodias de Sam Spade y Nick y Nora Charles de Hammett. En 2006, Rachel Cohn publicó la novela juvenil ''Nick & Norah's Infinite Playlist'', cuyos personajes principales recibieron el nombre de los detectives de la serie ''Thin Man'' de Hammett. El libro se convirtió en una película del mismo nombre y se estrenó en 2008. Más tarde, Rachel Cohn y David Levithan escribieron varios libros cuyos personajes principales llevan el nombre de Hammett y su socio. En 2011, publicaron el romance de suspense juvenil, Dash & Lily's Book of Dares. A esto le siguieron las secuelas ''The Twelve Days of Dash and Lily'' en 2016 y ''Mind the Gap, Dash & Lily'' en 2020. La serie de libros se convirtió en una serie de televisión de Netflix.

== Adaptaciones cinematográficas ==
* ''Roadhouse Nights'', 1930, adaptada de ''Cosecha roja'' (''Red Harvest'', 1929)
* ''El halcón / Mujer peligrosa'', (''The Maltese Falcon'', 1931) adaptada de ''El halcón maltés'', 1930)
* ''Las calles de la ciudad'' (''City Streets'', 1931)
* ''Woman in the Dark'', 1934
* ''La cena de los acusados'', (''The Thin Man'', 1934) adaptada de ''El hombre delgado'' (''The Thin Man'', 1930)
* ''La llave de cristal'', (''The Glass Key'', 1935) adaptada de la novela homónima de 1931
* ''Satan Met a Lady'', 1936, basada libremente en ''El halcón maltés'', 1930
* ''Ella, él y Asta'' (''After the Thin Man'', 1936)
* ''Otra reunión de los acusados'' (''Another Thin Man'', 1939)
* ''El halcón maltés'', (''The Maltese Falcon'', 1941)
* ''La llave de cristal'', (''The Glass Key'', 1942)
* ''Sin motivo aparente'', (''No Good Deed'', 2002), adaptada del relato corto ''The House in Turk Street'', 1929

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[[Categoría:Nacidos en Estados Unidos|Dashiell Hammett]]
[[Categoría:Fallecidos en 1961|Dashiell Hammett]]
[[categoría:Fallecidos en Estados Unidos|Dashiell Hammett]]
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Octavio Escobar Giraldo

2025-06-16T02:33:03Z

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'''Octavio Escobar Giraldo''' nació en Manizales, Colombia, en 1962. Es médico y escritor. Es considerado uno de los narradores más versátiles, interesantes e innovadores de la literatura colombiana contemporánea. Premio Internacional de novela corta “Ciudad de Barbastro” (2014) y Premio Nacional de Novela del Ministerio de Cultura (2016) por ''Después y antes de Dios.'' También Premio de poesía ciudad de Las Palmas de Gran Canaria (2019) por ''Manual de hipocondría. En'' su estilo narrativo influyen de forma sustancial la televisión, la música, el cine -ya que como él mismo afirma "fue más a cine que a clase"- y escritores como [[Edgar Allan Poe|Edgar A. Poe]], [[H. P. Lovecraft]], [[Raymond Carver]], [[Juan Carlos Onetti]], [[F. Scott Fitzgerald|F. Scott Fizgerald]], [[Raymond Thornton Chandler|Raymond Chandler]], [[Dashiell Hammett]], [[Joseph Conrad]], [[Antón Chéjov]], [[Juan García Ponce]], [[Alfredo Bryce Echenique]], entre otros.

Ha publicado las novelas Manu (2024), ''Cassiani'' (2023), ''Cada oscura tumba'' (2022, Planeta. Finalista del Premio Rodolfo Walsh de la XXXVI Semana Negra de Gijón, 2023), ''Mar de leva'' (2018, Random House), A''près et avant Dieu'' (2017), ''El mapa de Sara'' (2016), ''Después y antes de Dios'' (2014, Pre-Textos, XLV Premio Internacional de Novela Corta "Ciudad de Barbastro" y Premio Nacional del Ministerio de Cultura), ''Cielo parcialmente nublado'' (2013), ''Destinos intermedios'' (2010, Periférica), ''1851. Folletín de cabo roto'' (2007), ''El álbum de Mónica Pont'' (2003, ganadora de la VIII Bienal Nacional de Novela “[[José Eustasio Rivera]]”), ''Saide'' (1995, Premio Nacional de Crónica Negra Colombiana, traducida al alemán y el italiano) y ''El último diario de Tony Flowers'' (1995). Los libros de cuentos ''Hotel en Shangri-Lá'' (2002, Premio Nacional de Cuento de la Universidad de Antioquia), ''De música ligera'' (1998, Premio Nacional de Literatura del Ministerio de Cultura de Colombia), ''La posada del Almirante Benbow'' (1997), ''Las láminas más difíciles del álbum'' (1995, Premio Confamiliar del Atlántico de Literatura Infantil y Juvenil) y ''El color del agua'' (1993). Algunos de sus cuentos han sido incluidos en antologías traducidas al inglés, italiano, búlgaro y alemán. También ha publicado el libro-álbum para niños ''El viaje del príncipe'' (2018, Panamericana) y los libros de poesía ''Historias clínicas'' (2016, Premio Nacional de la Tertulia Literaria) y ''Manual de hipocondría'' (2019, XXIV Premio de poesía ciudad de Las Palmas de Gran Canaria).

Es profesor de la Facultad de Artes y Humanidades de la Universidad de Caldas y director de la Feria del Libro de su ciudad natal, Manizales.

== Comentarios acerca de su obra ==
Jaime Alejandro Rodríguez, escritor y profesor del Departamento de Literatura de la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad Javeriana, escribe acerca de Escobar Giraldo en su ''Manual de novela colombiana'': "posee una gran habilidad narrativa que le permite andaduras muy diversas: desde el tratamiento de la fábula convencional hasta la elaboración de verdaderas parodias metaficcionales, desde el eficaz aprovechamiento de la cultura popular, hasta la pulcritud del cuento histórico y culto, desde la ironía más sutil hasta la inteligencia contundente de la ficción breve. Y todo esto con un uso a la vez preciso, creativo y fluido del lenguaje".

Hace referencia de igual modo, a dos de las obras más comentadas del escritor manizaleño: el libro de cuentos ''De música ligera'' (Premio Nacional de literatura del Ministerio de Cultura de Colombia, Cuento 1998) y la novela ''El último diario de Tony Flowers'' (ganadora en los II Nuevos Juegos Florales de Manizales) y destaca los elementos de metaficción e intertextualidad presentes en ellas, las cuales han sido trabajadas ampliamente por Jaime Alejandro Rodríguez en sus diferentes producciones escritas.

Por su parte, Antonio María Flórez señala en una ficha crítica acerca de ''Folletín de cabo roto'' (novela publicada por Intermedio Editores en el año 2007) ciertas consideraciones temáticas y estéticas de la novela, como una obra atípica, lejana a las preocupaciones temáticas habituales de Octavio Escobar Giraldo. Aquí, la urbe, la adolescencia, la música, la contemporaneidad, la metaficción y la complejidad estructural, ceden el paso a una obra rural, de época, que trata asuntos adultos con un cierto toque social. Señala su encuentro con una novela de trazado más lineal y de más largo aliento, escrita a la manera de los folletines decimonónicos nacidos en Francia en 1842. ''Folletín de cabo roto'' -agrega Flórez- "nos cuenta una particular versión de la colonización antioqueña, desplegando a lo largo de sus páginas un profundo conocimiento de este proceso; del mismo modo, rinde especial homenaje a través de un estilo irónico cargado de humor, al Quijote y las novelas de caballería".

== Obra publicada ==
;Cuento
* ''El color del agua: cuentos'' (1993)
* ''Las laminas más difíciles del álbum'' (1995, Premio Confamiliar del Atlántico de literatura juvenil)
* ''La posada del Almirante Benbow'' (1997)
* ''De música ligera'' (1998) (Premio Nacional de Literatura Ministerio de Cultura, 1997, género: cuento)
* ''Hotel en Shangri-Lá'' (2002, Premio Nacional de Cuento Universidad de Antioquia)

;Novela
* ''El último diario de Tony Flowers'' (1995)
* ''Saide'' (1995)
* ''El álbum de Mónica Pont'' (2003) (Ganadora de la VIII Bienal nacional de novela “José Eustasio Rivera”, 2002)
* ''1851. Folletín de Cabo roto'' (2007, Intermedio Editores) (Beca de creación del Ministerio de Cultura)
* ''Destinos intermedios'' (2010, Periférica)
* ''Cielo parcialmente nublado'' (2013, Intermedio Editores)
* ''Después y antes de Dios'' (2014) (Premio Internacional de Novela Corta Ciudad de Barbastro / Premio Nacional de Novela de Colombia de 2016)
* El mapa de Sara (2016, Panamericana)
* ''Après et avant Dieu'' (2017) (Traducción al francés de la novela Después y antes de Dios)
*''Mar de leva'' (2018, Random House)
*''Cada oscura tumba'' (2022, Planeta. Finalista del Premio Rodolfo Walsh de la XXXVI Semana Negra de Gijón, 2023)
*Cassiani (2023, Planeta)
*Manu (2024, Editorial Destino)

;Poesía
* ''La manzana oxidada: (tres poetas del viejo Caldas)'' (1997) (Escrito con: Flobert Zapata y Alberto Verón, seudónimo de Alberto Antonio Berón Ospina)
* ''Historias clínicas'' (2016, Premio Nacional de la Tertulia Literaria)
* ''Manual de hipocondría'' (2019, XXIV Premio de poesía ciudad de Las Palmas de Gran Canaria)

'''Libro-álbum para niños'''
* ''El viaje del príncipe'' (2018, Panamericana)

;Antologías, selecciones, recopilaciones
* ''Cuentos'' (2015)
* ''Cuentos de Asia, Europa & América: Luvina 100'' (Fondo Universidad de Guadalajara) (2021)

;Como editor
* ''Cuento caldense actual'' (1993)
* ''Todos los cuentos el cuento'' (2007)

== Premios y reconocimientos ==
* Premio Crónica Negra Colombiana
* Premio Comfamiliar del Atlántico de Literatura Infantil y Juvenil.1994
* Premio Nacional de Literatura Ministerio de Cultura. 1997. Género: cuento
* Premio Nacional de Cuento. Universidad de Antioquia. 2002
* VIII Bienal Nacional de Novela [[José Eustasio Rivera]]. 2002
* Beca de creación del Ministerio de Cultura.
* Premio internacional de novela corta Ciudad de Barbastro. 2014
* Premio Nacional de Novela del Ministerio de Cultura. 2016
* Premio Nacional de Poesía de la Tertulia de Gloria Luz Gutiérrez. 2016
* XXIV Premio de poesía ciudad de Las Palmas de Gran Canaria. 2019
* Finalista del Premio Rodolfo Walsh de la XXXVI Semana Negra de Gijón, 2023

[[Categoría:Escritores del siglo XX|Escobar Giraldo, Octavio]]
[[Categoría:Escritores del siglo XXI|Escobar Giraldo, Octavio]]
[[Categoría:Nacidos en 1962|Escobar Giraldo, Octavio]]
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Salvador Valverde

2024-10-22T17:17:06Z

Csuarezllosa:

[[Imagen:Salvador Valverde.jpg|200px|right|thumbnail]]
'''Salvador Valverde''', (Buenos Aires, Argentina, [[10 de enero]] de [[1895]] - Buenos Aires, [[5 de septiembre]] de [[1975]]). Poeta, autor de novelas, cuentos, comedias, zarzuelas, operetas, guiones de películas, programas para radio y televisión, comediógrafo y periodista pero su mayor éxito fue como autor de canciones andaluzas, como "Ojos verdes", "María de la O", "María Magdalena", "Triniá", "Ay, Maricruz", "La Cruz de Mayo" o "Castillito de arena", entre otras.

==Primeros años de vida==
Salvador Valverde nace en Buenos Aires, Argentina, pero la salud del padre aconseja que la familia vuelva a su Andalucía de donde son originarios. La familia se embarca entonces, de regreso a España, en febrero de 1899. El sueño de "hacer la América" duró sólo 4 años, los mismos que tiene el pequeño Salvador, cuando llega a Málaga, a la Andalucía que será su patria adoptiva y su inspiración. Pocos meses después, el 4 de junio de 1899, fallece su padre. Y sin poder superar esa pérdida, en 1902, muere Isabel, su madre, a los 36 años.

Su tío José Valverde, se hace cargo de los niños, Salvador e Isabel, y viven en un piso de la Calle Feria en Sevilla. Salvador, el futuro poeta, hace sus estudios primarios en Sevilla y sus juegos transcurren a orillas del Guadalquivir, en el Parque de María Luisa, recorriendo los rincones tradicionales de la ciudad, el barrio de Santa Cruz, el barrio de Triana, la Catedral de Sevilla y su Giralda, el Alcázar, la Torre del Oro, el barrio del Arenal, el Museo de Bellas Artes, la Alameda de Hércules, la calle de Sierpes... Asiste a los patios en que se celebran las Cruces de Mayo (algo que inspirará luego una de sus más famosas canciones, "La Cruz de Mayo"), vive la Feria de Abril y la Semana Santa de Sevilla.

Años después termina su carrera de magisterio, que nunca ejercerá y sigue empapándose en el ambiente sevillano, en la esencia y espíritu de la ciudad, que le acompañará toda su vida. Sevilla, y en algún modo la influencia de [[Rubén Darío]] y el [[modernismo]], inspiran su versos.

==Vida artística==
En 1912, con 17 años, ha escrito ya ocho cuadernillos, con versos y cuentos breves. Entre ellos encontramos un poema en homenaje a su admirado Rubén Darío. En 1913, ya le publican algunos poemas en modestas revistas literarias. Y en 1914, cuando estalla la [[Primera Guerra Mundial]], Salvador se inclina apasionadamente por los aliados y ya muestra su definitiva inclinación social en defensa del pueblo.

Así llega 1916, un año fundamental para ir concretando su vocación literaria y su carrera. Una editorial de Barcelona le publica, en su colección Los noveles, su primera novela, titulada "Sol de la tarde". Casi al mismo tiempo se celebran en Huelva unos Juegos Florales conmemorando la salida de las Carabelas de Colón, del puerto de Palos. Valverde envía al concurso un poema titulado "La Canción de la Carabela", y el 1º de agosto de 1916 le conceden el Premio de Honor y Flor Natural, el máximo galardón. Enseguida el poema es publicado en La Esfera, de Madrid, y el Picktorial Review, de Nueva York.

Con 21 años se siente tentado por probar fortuna en Madrid, pero le resulta muy difícil dejar Sevilla, ciudad de la cual se siente hijo. De la calle Feria se ha mudado con su tío y hermana a la Plaza de los Terceros, y ha conseguido un puesto como periodista en "La Unión", un popular periódico sevillano. Su imaginación y estilo le han valido que le nombren enseguida secretario de redacción. Seguramente también le ancla en la ciudad alguna sevillana, como esas Maricruz, Triniá o María de la O, que años después darán nombre a sus canciones.

Carátulas de las ediciones de las comedias “María de la O” y “María Magdalena”, que Salvador Valverde y [[Rafael de León]] escribieron inspirándose en sus canciones homónimas, y con ilustraciones musicales del maestro [[Manuel López-Quiroga|Manuel Quiroga]]. “María de la O” también fue llevada al cine, en [[1936]], con [[Carmen Amaya]] y [[Pastora Imperio]].

En 1918 y en el Teatro Reina Victoria de Sevilla le aceptan un sainete andaluz, "La varita de nardo". Es su primera obra estrenada en un teatro profesional. Al mismo tiempo, en Madrid, le publican ya poemas, en las más importantes revistas y diarios: "Blanco y Negro", "ABC", "Nuevo Mundo"... Todo ello le anima a probar fortuna en la capital de España. En 1919, ya en Madrid, se da cuenta de que la bohemia dorada es cosa de la literatura más que de la realidad y para sobrevivir logra dos empleos, de redactor en un periódico y desempeñándose como secretario en la productora cinematográfica Patria Films. Comienza entonces a conocer gente del ambiente cinematográfico y literario y frecuenta diversas tertulias en hoy legendarios cafés de Madrid.

Ya en 1920 el periódico le manda a hacer un reportaje que cambiará su vida. Debe ir al "Trianon Palace", donde esa noche debuta una cancionista italiana llamada Olimpia D’Avigny. Valverde escribe una crítica entusiasta sobre el arte de la cancionista y ésta, agradecida, le invita a cenar en su casa. Pronto nacerá una tierna y apasionada amistad entre el joven poeta y periodista y la opulenta y madura italiana. Una noche en que Valverde visita a Olimpia, encuentra a ésta escuchando una melodía que toca en el piano el músico, también italiano, Francisco Sanna. El tema fascina a la diva, pero no tiene letra. Le propone entonces a Salvador que escriba un poema sobre la música, para algo es poeta. Aunque él se resiste, la insistencia de Olimpia puede más y... así nace "Olvídame". Este tema, escrito en 1920, es la primera canción de Salvador Valverde y al mismo tiempo, un éxito fulminante que al poco tiempo cantan todas las cupletistas de España.

Poco tiempo después de escribir la letra, Valverde viaja a Sevilla, ciudad de la cual no puede estar alejado mucho tiempo y allí vuelve a vivir la Feria de Abril y la Semana Santa. Y cuando regresa a Madrid, y a su tertulia literaria, se encuentra con que todos lo acusan despectivamente de "cupletero". Se ha descubierto que ha escrito un cuplé para Olimpia D’Avigny, quien lo estrenó en el Trianon. El se disculpa como puede, porque aquello de escribir canciones, por entonces, era vergonzoso para un escritor, pero pronto va a reincidir. Por vergüenza elige un seudónimo, Pandolfo, y escribe temas para los músicos Bódalo, Orejón y Yusto, pero sus mejores éxitos del principio de su carrera los va a lograr junto a un sevillano.

En otra escapada a Andalucía, Valverde conoce a Manuel Font de Anta, un excepcional músico sevillano, que ya ha logrado varios éxitos con canciones en las que se refleja toda la gracia y el espíritu de su tierra. Este le propone que colaboren y en 1921 nacen tres grandes éxitos: "Vaya usted con Dios", "Sol de España", y especialmente "La Cruz de Mayo". Este tema, tan sevillano, lo cantaron todas las estrellas de la época: La Goya, [[Amalia Molina]], [[Pastora Imperio]], Paquita Escribano, Salud Ruiz, [[Carmen Flores]], [[Mercedes Serós]], [[Dora la Cordobesita]] y Teresita España.

A estas canciones le seguirán, siempre con Font de Anta, "La rifa del beso" y "Prisionera". Ese año 1921 también lo pasará entre Madrid y Sevilla, para estrenar en esta ciudad, en el Teatro del Duque, su primera zarzuela: "La Virgen del Rocío", con música de María Rodrigo. Y en 1922 estrena en el Teatro San Fernando sevillano, otra zarzuela en dos actos, "El manto de la Virgen", con partitura de López del Toro. Su carrera se afirma, y lanza con Font de Anta otro éxito: "Varita de nardo", creación de La Goya, gran estrella de la época.

En 1923, la vida de Salvador va a cambiar fundamentalmente. Conoce a una madrileña, Antonia Calvo, y se casa con ella. Eso no significa que deje de escribir canciones. Otro éxito es "Mañana de niebla", con música de Francisco Sanna, el italiano con el que escribió su primer tema, "Olvídame". Pero lo que ahora más le atrae es el teatro y, aceptando el ofrecimiento del empresario del Teatro Nuevo de Barcelona, se traslada a la Ciudad Condal y allí escribe un libro para los músicos LLoret y Muñoa. Es una zarzuela titulada "El niño mudo" y enseguida, también para el Teatro Nuevo, sobre música de [[José María Tena]], crea otra historia de ambiente andaluz, "El alma de la copla". En mayo de ese año, la esposa de Valverde, da a luz en Barcelona, un varón, al que siguiendo la tradición de varias generaciones le ponen por nombre Salvador. Y un par de meses más tarde la familia regresa a Madrid, donde Valverde es reclamado para estrenar su tercera zarzuela en el mismo año: "Gitanas del Sacromonte", con música de Vicente Quirós, que se da a conocer en el Teatro Romea.

En los últimos años de la década del 20, el poeta, autor de canciones, comediógrafo y periodista, no detiene su producción. En Teatro estrena "La Corte del Rey Poeta" (Romea de Madrid, 1925, música de Lloret y Muñoa, 300 representaciones), "La novela de la playa" (1926, Romea, música de Lloret y Muñoa) y "Feria de Abril en Sevilla" (1927, Romea, música: E.de la Torre y Miranda). Sigue escribiendo canciones con [[Manuel Font de Anta|Font de Anta]] y con Bódalo ("¡Oh, el campo!" y "Espérame en Sakuska", para Luisita Esteso) y continúa su labor periodística en "El Liberal".

Y así llegamos a 1930, cuando la muerte de un famoso pintor, [[Julio Romero de Torres]], va a cambiar el panorama profesional de Valverde y, en cierto modo, parte de la historia de la canción andaluza o lo que en el postfranquismo, no sabemos por qué, se dio en llamar "la Copla".

==Nace el trío Valverde, León y Quiroga==
En 1930, poco después de morir el gran pintor cordobés Julio Romero de Torres, una cancionista llamada Rosarillo de Triana, fue a buscar a Valverde y le pidió que le escribiera la letra para una canción-elegía dedicada al pintor. Al poeta no le entusiasmaba la idea, pero el empeño de Rosarillo le conquista. ¿Quién puede ponerle música? Valverde recuerda entonces que poco tiempo atrás, (a fines de 1929) llegó a Madrid un joven músico sevillano, que ya había instalado una academia, y le pidió que le llevara alguna letra para convertirla en canción. Decide entonces ofrecerle "Adiós a Romero de Torres", el título que ha puesto al poema, [[Manuel López-Quiroga]] es el músico.
Quiroga y Valverde tienen muchas afinidades, especialmente su amor por Sevilla y por Andalucía toda. Se ponen fácilmente de acuerdo y así nace su primera canción: "Adiós a Romero de Torres". Rosarillo de Triana va a escucharla, se queda entusiasmada con el tema y les dice que la estrenará en cuanto debute. Al día siguiente, caminando por la Gran Vía, Valverde se encuentra con [[Conchita Piquer]], figura que surge como gran estrella de la canción española. Ella le pregunta si ha escrito algún nuevo tema y el poeta le responde que sí, pero que está comprometido su estreno con otra intérprete. La Piquer igualmente se empeña en escucharla y esa misma tarde, a principios de 1930, él la acompaña a la academia de Quiroga y los presenta. No podía imaginar el músico sevillano que aquella hermosa mujer y gran artista, iba a interpretar sus canciones durante más de treinta años.

Quiroga, ante el pedido de Conchita, trató de tocar otros temas, pero ella se empeñó en escuchar el dedicado a Romero de Torres. Quiroga cedió, la Piquer se entusiasmó y prácticamente le arrancó la partitura. Y días después la estrenó en el Teatro Romea, en un homenaje a la cancionista Ofelia de Aragón. Lo peor fue que el terrible padre de Rosarillo de Triana, al descubrir lo sucedido, agitando un garrote que siempre llevaba, lanzó amenazas contra Valverde y Quiroga, que por fortuna no cumplió.

Poco después el maestro Quiroga pone música a su segunda canción con Valverde: "Lucerito de Sevilla". La tercera será "Pena Gitana", a pedido de [[Imperio Argentina]] que enseguida la incluye en una película. La pareja sigue componiendo canciones, pero no tienen ningún compromiso de exclusividad. Por eso, cuando llega a Madrid un joven poeta sevillano, [[Rafael de León]], y le lleva a Quiroga unas letras de canciones, éste les pone música. Los temas son "Manolo Reyes" y "Rocío", pasodoble que se convierte en un fantástico suceso.

A finales de 1930, un día se encuentran en la academia, Valverde, Rafael de León y Quiroga, el músico, encantado con sus dos letristas, les propone que formen un trío, con un compromiso de exclusividad. Ninguno hará canciones con otro colaborador. Y los tres aceptan. En ese momento Valverde es el mayor, tiene 35 años, Quiroga ha cumplido 31 y Rafael sólo tiene 21. Por eso Salvador, con su experiencia en el medio, lo tiene como a un hermano menor. Se juntan así dos sevillanos nativos y un adoptivo que van a producir, sin duda, uno de los más importantes capítulos en la historia de la canción andaluza. En esa década del 30, el trío, se convierte en una "fábrica" de producir éxitos. Las grandes estrellas se pelean por estrenar sus canciones y que su foto aparezca en la tapa de las ediciones musicales.

[[Estrellita Castro]] estrena "María de la O" y esta zambra la canta toda España. Luego llegarán "María Magdalena", "Triniá", "Ay, Maricruz", "Soleá", "Candelaria mía", "Carcelera", "Doña Sol", "Salomé", "Rosa de Pasión", "Samaritana", "Te quiero", "Bajo los puentes del Sena", "Ya no te quiero, gitano", "Ojos verdes" (después de 1940, la censura franquista prohibiría la expresión "de la mancebía", supliéndolo por "de mi puerta un día).

El éxito de algunas de estas canciones es tal que van a convertirse en comedias y luego en películas. Los dueños del Politeama de Barcelona, les piden a Valverde y León que escriban una comedia basada en "María de la O". Los autores la escriben, con ilustraciones musicales de Quiroga, y se estrena el 19 de diciembre de 1935, con la compañía de [[María Fernanda Ladrón de Guevara]]. Es tal el éxito, que una docena de compañías la representan al mismo tiempo en distintas ciudades y poblaciones de España. Y luego la Ladrón de Guevara la reestrena el 17 de marzo de 1936 -cuatro meses antes de la [[Guerra Civil Española|Guerra Civil]]- cumpliendo 300 representaciones.

La Productora Ulargui Films, les pide también en 1935, a Valverde y León que le escriban un guion cinematográfico para un filme que se llamará "María de la O". Y elige un reparto con [[Carmen Amaya]] –en el papel protagónico-, [[Julio Peña]], como galán, [[Antonio Moreno]], actor que acompañó varias veces a [[Greta Garbo]] y [[Pastora Imperio]]. Valverde convence a Quiroga, de que deben crear su propia Editorial musical, para cuidar personalmente sus obras, y aunque el músico teme que anteriores editoriales que publicaron sus canciones puedan tomar alguna represalia, la insistencia de Salvador hace que se funde "Ediciones Quiroga". Durante años se dedicará con entusiasmo a esta empresa y a conectarse con editores de toda Europa y América, para difundir las canciones del trío.

Valverde y León están escribiendo una nueva comedia, "María Magdalena", de la cual ya han terminado el primer acto. Ahora esperan finalizarla en Barcelona. Existe gran expectativa sobre esta obra y ya se la han solicitado varios empresarios. Mientras, en unos estudios de Montjuich, en Barcelona, se termina de filmar "María de la O". El 18 de julio, Rafael, Valverde y su familia, están almorzando en un restaurante de la Barceloneta cuando un tiroteo callejero les confirma los rumores que venían circulando con creciente insistencia: se ha producido un alzamiento militar -el cual, cierto es, había tenido su precedente en el dramático levantamiento de izquierdas (descubriento de importantes alijos de armas en Madrid, destinados a los revolucionarios, intento de revolución social en Asturias, con la UGT al frente, y la rebelión del presidente de la Generalidad de Cataluña, Companys, de octubre de 1934, contra las instituciones de la [[Segunda República Española|República Española]].

Al día siguiente sabrán que Franco ha tomado el mando del Ejército de Marruecos y que, en Sevilla, Queipo de Llano domina la situación. [[Rafael de León]], sufre el inmenso dolor que le provoca la noticia del fusilamiento en Granada de su gran amigo [[Federico García Lorca]]. Si bien la mayoría de sus amigos, empezando por Valverde, apoyan entusiásticamente la República, Rafael muestra indefinición, la cual, unida a su origen aristócrata, hace que alguien lo denuncie en Barcelona y vaya a parar a la cárcel. Valverde entonces, inmediatamente se mueve para demostrar que ha sido injustamente encarcelado y logra su libertad. Luego, Rafael, se afiliará a la CNT, la [[Confederación Nacional del Trabajo]], y forma parte de un comité de lectura que selecciona obras para representar en los teatros de Barcelona.

Mientras tanto, Manuel Quiroga permanece en Madrid, en su academia y Valverde y León le envían nuevas letras para que les ponga música. La Guerra se prolonga, llega a su tercer año, y dentro de la tragedia que significan la muerte, el hambre y la destrucción, algunas actividades, por raro que parezca, no se detienen. Por ejemplo "María Magdalena", la comedia en tres actos que terminaron en Barcelona, se estrena en plena Guerra, en 1937, en el Teatro Infanta Isabel de Madrid. Y algo que muy pocos recuerdan, es que en el segundo acto, el recitador y cancionista Rafael Nieto, interpretaba una nueva canción del trío: "Ojos verdes". Quiere decirse que quienes atribuyen su estreno a [[Concha Piquer]] o a [[Miguel de Molina]] (que hicieron dos grandes creaciones de ella), no están en lo cierto.

==Vida fuera de España==
Valverde y Rafael de León, pasan juntos toda la Guerra Civil en Barcelona, hasta los últimos momentos. Pero cuando las tropas de Franco se aproximan ya a la Ciudad, rotos los frentes, Valverde decide partir a Francia y organiza la evacuación de la gente del espectáculo, afiliada a la CGT, en un tren especial que saldrá rumbo a la frontera. El tren es bombardeado en Figueras y en él mueren varios de sus compañeros. Rafael de León prefiere quedarse en Barcelona y sus antecedentes como hijo de aristócratas, que le complicaron la vida en la zona republicana, le sirven ahora de salvoconducto. Valverde y Rafael se despiden con un abrazo. No sospechan que no volverán a verse.

A Valverde, el haber nacido en la República Argentina, lo salva del campo de concentración. Se encuentra con un cónsul de ese país en la frontera y éste le otorga un pasaporte argentino. Ello le permite trasladarse a Paris y allí gestionar el cobro de algunos derechos de autor que estaban retenidos en la SACEM, la Sociedad de Autores francesa. Con lo que le pagan puede comprar una maleta y alguna ropa, porque salió de Barcelona estrictamente con lo puesto y las manos en los bolsillos. Lo mismo sucedió con su mujer e hijo, que después de sufrir más de cien bombardeos en Barcelona, primero se refugiaron en una masía de Ripoll, en el Pirineo y al aproximarse las tropas franquistas, pasaron a pie la frontera por Perpiñan, con la ropa puesta, sin una sola maleta.

La familia se reúne en Orleáns. Se traslada luego a París y allí, en un modesto piso de la Rue de Martyrs, aguardan los acontecimientos. Cuentan con lo justo para comer y pagar el alquiler. Viven con la angustia de haber tenido que dejar su tierra, su familia, y el dolor de ver cómo sufren en los campos de concentración de Francia millares de españoles.

Por eso son muchos los que tratan de escapar a América, de la nueva justicia y algunos de su propia conciencia. Valverde, por su parte, se traslada a Burdeos con su familia, y allí, juntando sus últimos francos, consigue tres pasajes en tercera clase para el "Massilia", un trasatlántico francés, que partirá rumbo a Buenos Aires. El barco sale de la Rochelle-Palisse, el 19 de octubre de 1939. Un afiche reúne los últimos éxitos de Valverde, León y Quiroga, reproduciendo las tapas de las ediciones, y en ellas la imagen de las más populares artistas de la época que fueron sus creadoras. El "Massilia", después de escapar a la persecución de submarinos alemanes en el Atlántico Sur, llega a Buenos Aires, el 5 de noviembre de 1939.

Valverde y su familia, con sus pasaportes argentinos, no tienen problemas, pero la mayoría de sus compañeros de viaje, los españoles exiliados, encuentran dificultades para quedarse en la Argentina y parecen destinados a seguir viaje a Chile. Pero gracias al tesón de Natalio Botana, el propietario del periódico "Crítica", que desde el comienzo de la Guerra Civil tomó apasionado partido por el Gobierno de la República, se logra que la mayoría sean admitidos. Y en Argentina encontrarán los brazos abiertos de la gente e instituciones privadas, para que puedan iniciar una nueva vida. En el caso de México, ha sido el gobierno de Cárdenas quien abrió sus fronteras a todo exiliado español que deseara radicarse allí. En Argentina es la gente, más que el gobierno, quien abre sus brazos. Valverde logra inmediatamente ser admitido en Argentores, la Sociedad de Autores de Argentina, entidad a la que pertenecerá durante 35 años y que administrará sus derechos de autor dramático. También ingresará en SADAIC, la Sociedad de Autores y Compositores, que le va a recaudar y administrar lo correspondiente a sus canciones.

Mientras tanto en España, se le declara una especie de "muerte civil". Cuando se transmite por radio alguna de sus canciones, tan populares como "Ojos verdes", se dice que es de León y Quiroga. Valverde ha desaparecido del famoso trío. Se lo borra de cualquier publicación. Los escritores que editan historias de la canción, del cuplé, desconocen que haya existido. Esto dura 40 años y hace que, incluso cuando llega la democracia, por desconocimiento o costumbre, su recuerdo se haya extinguido. Por otra parte Rafael de León y Quiroga, han instaurado otro nuevo trío, incorporando a [[Antonio Quintero Ramírez|Antonio Quintero]]. Juntos, a partir de los [[años 40]], crean numerosas y excelentes canciones, y el público -ayudado por la "muerte civil" de Valverde- se han acostumbrado a que todo parece ser de Quintero, León y Quiroga. Por lo menos muchos periodistas y escritores desinformados, les atribuyen casi toda la producción de los [[años 30]].

Valverde, en Argentina, con 45 años, a fines de 1939, comienza una nueva vida y no deja de escribir en diarios, siempre luchando por sus ideales, publicando novelas cortas, cuentos, estrenando comedias, espectáculos musicales, operetas, revistas y escribiendo guiones para cine, programas de radio y luego de televisión. Todas las figuras de la canción española que llegan a Buenos Aires, sin importarles lo que puedan opinar en España, se muestran encantadas con que Valverde escriba las glosas y continuidades de sus programas de radio y TV. Así sucede con [[Imperio Argentina]], [[Miguel de Molina]], [[Carmen Amaya]], [[Lola Flores]], [[Carmen Sevilla]] o [[Sara Montiel]], entre muchas otras.

En Argentina, Valverde ha encontrado tres excelentes músicos con los cuales crear nuevas canciones. Uno es el malagueño José María Palomo; otro es vasco, Ramón Bastida, y el tercero, valenciano: Ramón Zarzoso. Con éste compone "Castillito de arena", una creación de Carmen Sevilla, y "Si vas a Calatayud", pasacalle-jota que, editado en Francia, curiosamente se convierte en un clásico con más de cien grabaciones distintas, y decenas de conjuntos populares que no cesan de interpretarlo, después de 50 años de su estreno.

Salvador Valverde fallece en Buenos Aires, a los 80 años. Dos meses después muere el general Franco.

[[Categoría:Poetas del siglo XX|Salvador Valverde]]
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Federico Roca de Torres

2024-08-16T17:32:50Z

Csuarezllosa:

[[Imagen:F09-24.jpg|300px|right|thumbnail|El presidente del Ateneo de Córdoba entrega la Fiambrera de Plata a Federico Roca.]]

'''Federico Roca de Torres''', nace en [[Córdoba]] en [[1951]]. Casado y con tres hijos. Abogado, es presidente del [[Real Círculo de la Amistad de Córdoba|Círculo de la Amistad]] desde marzo del [[2009]].

Entre su experiencia profesional se encuentra el ser Letrado asesor de la Cámara Oficial de la Propiedad Urbana de Córdoba, asesor Jurídico de la Delegación en Córdoba de la Consejería de Obras Públicas y Transportes de la Junta de Andalucía, profesor de la Escuela de Turismo de Córdoba o abogado del Córdoba Club de Fútbol.

Asimismo ha sido Hermano Mayor de la Hermandad de la Sangre o secretario de la Junta Directiva del [[Real Círculo de la Amistad de Córdoba|Círculo de la Amistad]] y es miembro de la Junta Directiva del [[Ateneo de Córdoba]]. El [[23 de marzo]] de [[2009]] gana las elecciones a la presidencia del Círculo de la Amistad con 396 votos frente a los 245 de [[Alfonso Gómez López]].

Por los numerosos méritos acumulados en favor del Ateneo y según acuerdo de su Junta Directiva reunida en sesión extraordinaria el 31 de enero de 2014, el Ateneo de Córdoba le nombra [[Listado de Socios Honoríficos|Socio de honor]], galardón que se le hizo entrega el 6 de junio del mismo año en el Patio de las Columnas del Círculo de la Amistad.

[[Categoría:Abogados del siglo XX|Roca de Torres, Federico]]
[[Categoría:Abogados del siglo XXI|Roca de Torres, Federico]]
[[Categoría:Nacidos en 1951|Roca de Torres, Federico]]
[[Categoría:Nacidos en Córdoba|Roca de Torres, Federico]]
{{SocioH|Roca de Torres, Federico}}
{{Cordobapedia2}}

{{SocioArtículo|056}}
{{GalarFiambreras|Roca de Torres, Federico|Convocatoria Extraordinaria de 2009|2009}}

The Beach Boys

2024-08-05T16:34:41Z

Csuarezllosa:

[[Imagen:The Beach Boys.jpg|300px|right]]

'''The Beach Boys''' es un grupo musical estadounidense formado en [[1961]], representante del estilo californiano de vida de los [[Años 1960|años 60]]. Formado por tres hermanos [[Brian Wilson|Brian]] (compositor, vocales, bajo, piano), [[Carl Wilson|Carl]] (guitarra, vocales) y [[Dennis Wilson]] (batería, vocales), junto con un primo de la familia, [[Mike Love]] (vocal) y un compañero de estudio de Brian, Al Jardine (guitarra, vocales).

Los Beach Boys demostraron ser uno de los grupos mejor producidos durante los [[Años 1960|60]] llegando a su mejor momento en [[1966]] al lanzar unos de los álbumes más aclamados por la crítica "Pet Sounds" y el sencillo número uno "Good Vibrations". [[Paul McCartney]] dijo que "Pet Sounds" es el mejor álbum vocal jamás grabado y el álbum que les inspiro a él y a [[John Lennon]] a escribir Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, que es considerado por la Revista Rolling Stone como el mejor álbum del siglo seguido en el número dos "Pet Sounds".[1] [[Paul McCartney]] ha dicho públicamente que su canción preferida es "God Only Knows".[2]

El grupo al principio estaba formado por Brian "el gran compositor y cantante", sus hermanos, Carl y Dennis, su primo [[Mike Love]], y su amigo Al Jardine. Este quinteto principal, con David Marks y más tarde Bruce Johnston, fue puesto en el Rock and Roll Hall of Fame Class en [[1988]]. A menudo llamaban a los Beach Boys como "la banda de Estados Unidos".[3] [4] [5] Allmusic.com ha declarado que "la capacidad infalible de la banda... hizo del primer y el mejor conjunto de rock de los Estados Unidos". El grupo ha tenido treinta y seis entradas en el 40 Top hits (la cantidad más grande que cualquier conjunto de rock estadounidense) y cincuenta y seis entradas en el 100 Top hits, incluyendo a cuatro sencillos número uno.

Según Billboard Magazine, los Beach Boys es la banda con más sencillos y álbumes vendidos en los Estados Unidos, The Beach Boys están en el puesto No. 1.[6]

El álbum Pet Sounds está en el puesto 2, en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos según la revista Rolling Stone, The Beach Boys Today! entró en el puesto 270, Sunflower en el 380.[7] También figuran con tres canciones entre las cien primeras de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos con "Good Vibrations" en el puesto 6, "God only Knows" en el puesto 25, "California Girls" en el puesto 71, y otras cuatro canciones más en el resto de la lista.[8]

==Historia==
===Los Beach Boys al inicio de su carrera musical===
El grupo surgió en [[1961]] con el éxito apenas regional "Surfin'", los integrantes eran los 3 hermanos Wilson, [[Brian Wilson|Brian]], [[Dennis Wilson|Dennis]] y [[Carl Wilson|Carl]], su primo de primer grado [[Mike Love]] y Alan Jardine, un compañero de estudios de Brian de la preparatoria, y juntos elaboraron las armonías más difíciles y maravillosas que se habían escuchado hasta el momento en un grupo musical, con el talento de Brian y su estupenda habilidad dentro del estudio que crecía a pasos agigantados.

Los Beach Boys supieron andar en el éxito comercial y el desarrollo artístico manteniéndose siempre como el mejor grupo de los Estados Unidos.
===Brian, Carl y Dennis Wilson de niños===
Los orígenes del grupo están en los suburbios de Los Ángeles, en Hawthorne, California al sur de los Ángeles muy cerca del océano pacífico. Brian, Dennis y Carl eran hijos de Murry Wilson, un compositor de medio tiempo frustrado y en ocasiones un padre abusivo. Los tres hermanos crecieron a muy pocos kilómetros del mar. Sólo Dennis surfeaba, pero todos ya armonizaban siendo muy jóvenes, incitados por la fascinación de Brian y por los vocales de los [[Años 1950|50's]], como los Four Freshmen y los Hi-Los. Muy a menudo se unía a ellos su primo Mike Love, y el grupo se completó al llegar un amigo de la secundaria y compañero del equipo de Football americano, Al Jardine. La idea de escribir músicas que hablaran del mar y la playa provino de Dennis, ya que una vez llegó diciendo al grupo que deberían componer una música acerca del surf. Brian sin embargo ha declarado en entrevistas que le teme al agua.
===El grupo con David Marks===
Los Wilson, con la ayuda de Murry Wilson, el padre de los 3 hermanos, alquilaron los instrumentos musicales (con Brian en el bajo, Carl en la guitarra, y Dennis en la batería) y alquilaron también el tiempo en el estudio para grabar "Surfin'" el nuevo número escrito por Brian y Mike; este sencillo fue lanzado en [[1961]] por la disquera Candiz con el nombre de "The Pendletones" (la marca de camisa que estaba de moda en la época). Estuvo a cargo de la negociación con la discográfica Murray, el padre, quien se convirtió en el manager del grupo. Antes de que el material fuera lanzado para Capitol Records, Alan Jardine dejó la banda para ir a estudiar odontología en una universidad de Midwest. En ese tiempo que estuvo fuera de los Beach Boys fue reemplazado por un amigo de Carl, David Marks, quien es el que aparece en las portadas de los primeros discos "Surfin' Safari" y "Surfer Girl".

[[Dennis Wilson]] comentó que la primera vez que fueron escuchados en la radio estaban en el Ford '57 de Brian, en Hawthorne Blvd cuando el locutor anunció "A continuación un grupo del sur de California, interpretando su canción "Surfin'"; "fue lo máximo", dijo Dennis, y añadió que nunca más vería la misma expresión en la cara de Brian así. En año nuevo de 1961, fueron contratados para tocar 3 canciones en el "Long Beach Municipal Auditorium"; Mike dijo "nos habían pagado 300 dólares no por trabajar sino...por tocar música!!!"

Finalmente, a mediados de [[1962]] los Beach Boys debutaron con Capitol Records, con Surfin' Safari, esta música, más elaborada que su predecesora "Surfin'" entró en la lista de las "Top 20" y ayudó a dar a conocer la locura del nuevo ritmo surf rock, que comenzaba a florecer en el sur de California, gracias a artistas como Dick Dale, Jan & Dean, The Chantalls, y muchos más), después surgió Surfin' USA, que entró dentro de las "Top 10" en [[1963]] antes que Alan Jardine regresara de la Universidad y retomara su lugar en el grupo. Para ese momento, los Beach Boys ya habían grabado sus dos primeros álbumes, cada uno con 12 canciones de las cuales varias se convirtieron en éxitos. No obstante que la política de Capitol era que el grupo trabajara con un productor de estudio, Brian pronto se hizo cargo de las sesiones y comenzó a expandir el estilo del grupo más allá del simple surf rock.

A finales de 1963, los Beach Boys habían grabado 3 LPs, y habían tenido muchos éxitos individuales que entraron en las "Top 10", y el grupo había comenzado a hacer giras incesantemente. Por otra parte, [[Brian Wilson|Brian]] comenzó a crecer como compositor y productor, lo que se percibió en el tercer álbum del grupo "Surfer Girl", donde aparece, por primera vez, el nombre de Brian como productor del disco.

Aunque predominan en el álbum las canciones de corte surf, dos canciones se distinguían del resto "Catch a Wave" y "In my Room", mostrando el crecimiento a pasos agigantados de Brian como compositor y productor y en las armonías musicales, un hecho sorprendente tomando en consideración que el grupo llevaba apenas 2 años. La intensa atención de Brian a los sonidos de Phil Spector pagó sus dividendos y mostró su profundo conocimiento de las profundidades musicales.

En [[1964]], "I Get Around", fue el primer sencillo en alcanzar el número uno en la carrera de los Beach Boys, llevándolos a la cima de la popularidad. El LP "Beach Boys Concert" se mantuvo 4 semanas en la lista de "álbum charts". El grupo también hizo giras promocionales en Europa (en donde sería Gran Bretaña más tarde un país en que los aclamarían más que en su propio país), pero las presiones y prisas fueron demasiado significativas para Brian: al final de ese mismo año, decidió renunciar a las giras para concentrarse en la producción en el estudio. Glen Campbell se unió brevemente al grupo, y luego fue Bruce Johnston quien tomó el lugar de Brian permanentemente. Con los Beach Boys como mensajeros musicales ([[Dennis Wilson|Dennis]] decía que Brian era los Beach Boys y el grupo sus mensajeros), Brian comenzó a trabajar a tiempo completo en el estudio, escribiendo canciones y rodeándose de la crema de músicos de los Ángeles, que grababan pistas de fondo con Carl, Dennis, Mike y Alan Jardine, quien para ese momento había ya regresado a hacer coros con el grupo, reemplazando a David Marks.
===Brian===
Éste sería un aviso de lo que estaba por venir, mostró a todos que Brian estaba camino de nuevas dimensiones musicales, así "The Beach Boys Today!" se convierte en un ensayo a lo que seguiría después Pet Sounds; pero antes, dos nuevos LPs siguieron a "The Beach Boys Today!" en [[1965]], "Summer Days (and Summer Nights!!)" en el que el sencillo "Help me Rhonda" se convirtió en el segundo en entrar como número uno en las listas en 1965 y "Beach Boys' Party!"; "Summer Days" muestra "California Girls", reconocida como una de las mejores fusiones en la producción de Brian, con una melodía contagiosa y estupendas armonías (California Girls tiene el intro preferido de Brian con el grupo). Sin embargo después de esos brillantes momentos, le siguen canciones mediocres como "Amusement Park USA", "Salt Lake City", y "I'm Bugged at my Old Man", pareciendo un retroceso a lo conseguido en "The Beach Boys Today!". Cuando Capitol Records les pidió un disco para ser lanzado para finales de ese año, "Beach Boys' Party!" resultó ser un éxito, consiguiendo ventas altas y convirtiéndose el sencillo "Barbara Ann" en una agradable sorpresa. Este álbum es una serie de canciones grabadas en el ambiente de una fiesta en casa de Brian. Viéndolo en retrospectiva esos dos álbumes fueron una preparación para el que sería el mejor álbum hasta hoy.
===La transformación de grupo surf a grupo pop===
La mayor transformación del grupo hacía la música popular se da por 1965 con álbumes como "Today!" y "Beach Boys Party".
=====The Beach Boys Today!=====
Mientras la mayor parte de "Today!" estaba siendo grabado en enero de 1965, él informó que para el resto de la banda que él quería quedarse en el estudio y crear su música mientras los Muchachos tocaran en público. La banda de mala gana estuvo de acuerdo, y después de una breve alianza con Glen Campbell en el lugar de Wilson, Bruce Johnston, un músico (y el ex-compañero, con Terry Melcher en el Ripchords) y el admirador principal del grupo, se hizo de los Beach Boys el bajista en abril de 1965 como "Today!" era creciente en traza. Muchos consideran que "Today!" marcaba el principio de la maduración artística de [[Brian Wilson]].

Muchos consideran "The Beach Boys Today!" más resuelto "y maduro" que otros álbumes en el tiempo que hacía de 1965 un camino hacia Pet Sounds. Sin embargo, el movimiento en el estilo tenía poco efecto perjudicial, concerniendo ventas; "Today" era una #4 venta de oro en EE.UU, y el año siguiente alcanzaría #6 en el Reino Unido.
=====Summer Days (and Summer Nights!!)=====
Fue la continuación del álbum "The Beach Boys Today!": seguramente tenía sus momentos progresivos, pero también fue sobrecargado por su adhesión a la "fórmula" típica de la banda: sol, verano y diversión. Es un álbum del primer cambio de género para los Beach Boys.

Mientras en la superficie Summer Days (and Summer Nights!!) pareció ser un retroceso a los ideales despreocupados de All Summer Long, Brian Wilson con cuidado había tejido pistas de música intrincadas bajo las palabras alegres de "Amusement Parks U.S.A." y "Salt Lake City". Él también inventó un instrumental acertado con cuerdas ("Summer Means New Love") y aún tranquilo el intro sinfónico a su nuevo -y sensacional- "California Girls" (el intro es el favorito personalmente de Brian de su carrera entera).
===Pet Sounds===
La música de los Beach Boys, desde que se formaron a principios de la década de [[Años 1960|1960]], era muy melódica y destacaba por sus armonías vocales, sello del grupo. Sin embargo, conmovido por la gran riqueza de las composicíones de [[John Lennon]] y [[Paul McCartney]] (de los [[The Beatles|Beatles]]) Brian Wilson quiso dar un paso adelante y hacer un disco personal y arriesgado, en el que volcar sus experiencias personales. Fue así como, junto al músico y publicista Tony Asher, comenzó a componer temas para un álbum que rompería con todo lo que había hecho antes el grupo. Incluso consideró la posibilidad de editar el disco como un trabajo en solitario.

Más tarde el resultado, lanzado en mayo de 1966 fue "Pet Sounds", y justificó el esfuerzo del grupo. "Pet Sounds" es aún el álbum mejor producido y que más ha influenciado los LP's de pop de todos los tiempos, "Pet Sounds" es la culminación de tantos años de composiciones y producciones perfectas. La crítica aclamó "Pet Sounds", llamándolo "Lista De Los 500 Mejores Álbumes De Todos Los Tiempos" según MOJO, contando con canciones tan importantes como "God only Knows", "Wouldn't it be nice", que cuentan con vocales impecables de [[Carl Wilson]] y la dulce "You still believe in Me" por mencionar algunas, pero la nueva dirección tomada por los Beach Boys no impresionó demasiado a los fanáticos norteamericanos, y, a pesar de haber entrado en los "Top 10", "Pet Sounds" increíblemente no obtuvo el disco de oro en USA (el primero en no conseguirlo desde el primer álbum). En contraste, la reacción mundial fue más que positiva. En Inglaterra, el álbum alcanzó el segundo puesto e hizo merecedores a los Beach Boys de honores como mejor grupo en las encuestas realizadas a final de año por la NME, estuvieron por encima incluso de los Beatles. Según palabras de [[Paul McCartney]], no se puede tener una formación musical si no se ha escuchado "Pet Sounds", y él inculcó a sus hijos educación musical haciéndoles escuchar Pet Sounds, junto con otras obras que él considera clásicas e imprescindibles.

Pet Sounds incorpora músicos profesionales ya que los Beach Boys restantes contribuirían poco en la instrumentación, para concentrarse en el trabajo vocal. Por primera vez, Wilson se sentía satisfecho con un trabajo. No obtuvo el éxito al que el grupo estaba acostumbrado (fue su primer gran fracaso comercial), pero sí una obra artística que, según el propio Paul McCartney, "es el mejor disco vocal jamás grabado" y sirvió de inspiración para el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band ([[1967]]), obra cumbre de los [[The Beatles|Beatles]].

Un detalle que se destaca de este álbum es que en una de las canciones "God Only Knows" es la primera vez que se menciona la palabra Dios en una canción.
===Smiley Smile===
Lanzado en lugar de "SMiLE", Smiley Smile es extensamente bajo en producción, y fue recibido con la indiferencia y la confusión en su revelación. Sin embargo, Smiley Smile ha logrado crecer en estatura durante los años para hacerse un favorito de culto de los Beach Boys del catálogo grabado.
Cuando "Smiley Smile" finalmente fue lanzado en septiembre, después de los meses de promoción, su recepción crítica era in-entusiástica, alcanzando su puesto máximo en sólo #41 en Estados Unidos. Su recepción comercial de unos meses más tarde en el Reino Unido era aún mejor; esto alcanzó #9 en Gran Bretaña. [[Carl Wilson]], lo ha llamado "un bunt en vez de un éxito magnífico"; la comparación "Smiley Smile" al álbum muy fabuloso que no se habría lanzado y que este mismo lo sustituyó "SMILE". "Smiley Smile" es el álbum menor en venta de los Beach Boys, y es sin duda el álbum más polémico.
===Good Vibrations===
El siguiente sencillo del grupo "Good Vibrations" fue escrito originalmente para Pet Sounds, pero Brian lo eliminó de la lista porque quería tener más tiempo para la producción de Pet Sounds y sólo lo retomó una vez finalizado el álbum. A "Good Vibrations" le dedicó 6 meses (y 12 diferentes estudios). Brian se refería a esta canción como "una sinfonía de bolsillo" y fue lanzada en octubre de 1966, cerrando el año como el tercer sencillo en alcanzar el número 1 y en ser considerado hasta la fecha uno de los mejores sencillos de todos los tiempos. Durante 1966 y 1967 Brian trabajó sin descanso en el que sería el siguiente álbum del grupo, un proyecto titulado "Dumb Angel", que más tarde decidió nombrarlo "Smile": después del éxito de "Pet Sounds" Brian quería superarse a sí mismo y lograr algo magistral, para ello contrató al letrista Van Dike Parks como socio en la composición; grabaron horas y horas de tracks fragmentados que se volvieron más y más especulativos cuando los meses transcurrían. El grupo comenzó a preocuparse por la dependencia cada día más fuerte de Brian a las drogas y comenzaron las hostilidades entre ellos al ser llamados para hacer los vocales a las letras que había escrito, y que ellos consideraban absurdas e incoherentes. Pronto se formó una grieta entre el grupo y Brian, pues ellos sentían que el consumo de mariguana y LSD había nublado el juicio de Brian y a su vez Brian sentía que lo querían contener. Conforme transcurría el tiempo Brian comenzó a trabajar menos horas. Por primera vez en la carrera musical del grupo, él se sentía inseguro del rumbo que estaba tomando. Smile aún era editable pero todo se hizo polvo en mayo cuando Brian canceló oficialmente el proyecto, sólo unas semanas antes del lanzamiento de "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de los Beatles. Más tarde en agosto, el grupo finalmente lanzó el sencillo "Heroes and Villains". Muy parecido con el fragmentado estilo de "Good Vibrations", aunque notablemente inferior, este sencillo no entró en las "top 10". Ese mismo otoño, el grupo se reunió en la mansión de Bel Air de Brian convertida en Estudio y grabaron nuevas versiones de varias canciones del álbum Smile y otras pocas grabaciones y este álbum tomó el nombre de "Smiley Smile". Carl se refirió al álbum como "un golpecito en lugar de un trancazo musical" y la falta de cohesión del álbum destruyó la naciente reputación de los Beach Boys como grupo Pop.Mientras los [[The Beatles|Beatles]] entraban de lleno en la época psicodélica, los Beach Boys se mantuvieron con las multitudes de adolescentes, que muy pronto comenzaron a ver al grupo como conservador y recatado. En el verano de 1967 se les presentó en el Monterey Pop Festival la oportunidad perfecta para salir de ese estereotipo de grupo conservador, sin embargo la desperdiciaron al lanzar justo antes del festival el Album bastante básico "Wild Honey", la critica, el público y las radiodifusoras se sintieron muy desilusionados y lo mismo sucedió en 1968 con "Friends"; sin embargo con el paso del tiempo estos discos se consideraron obras maestras, una vez aceptado como un grupo diferente al conocido en 1966 durante su época surf rock entrando "Do it Again" en el "Top 20", pesar de ser considerada como oldie.

Resulta irónico que álbumes excepcionales como "Wild Honey" o "Friends" hayan sido reconocidos sólo tiempo después; el mundo estaba cambiando y los Beach Boys lo entendieron antes que las multitudes, a quienes les tomó más tiempo familiarizarse con esta nueva tendencia.
===Finales de los 1960===
A finales de [[1969]], el ultimo álbum de los Beach Boys sería 20/20, fue recibido mucho mejor que sus predecesores Wild Honey y Friends, sin embargo Capitol Records no les renovó el contrato. Un año después los Beach Boys firmaron con Reprise.

Con el aumento de problemas emocionales y el florecer la cocaína, la afición de [[Brian Wilson]], comenzó a retirarse de las sesiones de grabación de la banda. Unos han especulado que él abandonó la banda completamente en este tiempo, y que volvió en "Break Away" y Sunflower para las sesiones de grabación, dejando a los demás tomar la responsabilidad aún más creativa.

Tras la ausencia del hermano mayor Wilson, los dos hermanos más jóvenes [[Dennis Wilson]] y [[Carl Wilson]] comenzaron a tomar el timón tanto dentro como fuera de la sala de control del estudio. Carl produjo una versión con Phil Spector "I Can Hear Music", dando a los Beach Boys su último 40 Top estadounidense durante los siguientes siete años. Dennis progresó de sus contribuciones en "Friends" para entregar el dramático y dinámico "Be with Me" y "All I Want to Do", cantado por Mike Love y destacar un interludio rápido no apto para menores de 18 años en el desaparecer. Sin lugar a dudas, el momento más polémico sobre "20/20" es Dennis "Never Learn Not to Love".
===Los [[Años 1970|años 70's]]para los Beach Boys===
Durante los años 70's, los Beach Boys mantuvieron su estatus de grupo musical en primera categoría con Brian más en el estudio, componiendo y produciendo pero menos presente en las giras, donde aparecía apenas esporádicamente. Fue durante los 70's que apareció el álbum "Sunflower" donde cada miembro reveló su propio talento, que durante los 60's había estado en la sombra; fue en esta década que Carl se convirtió en un sólido y distintivo productor y [[Mike Love|Mike]], que tomó el lugar de Brian como el líder de la banda y se mantuvo como el foco visual al ser el representante del grupo en los shows en vivo. Por su parte Dennis desarrolló su propio talento como escritor musical, y en los shows seguía siendo el más carismático del grupo.
====Principios de los 70's====
Los Beach Boys habían evolucionado y dejaban de ser el grupo de música surf rock para convertirse en un grupo de música Pop totalmente nuevo con músicas y letras más acordes con su ganada madurez.

El primer LP para Brother/Reprise fue "Sunflower" en 1970, un sorprendente y poderoso álbum, que anunciaba el regreso de las maravillosas armonías de mediados de los 60s, que los habían hecho famosos, y contaba con muchas canciones escritas por diferentes miembros el grupo, mostrando el talento individual de cada uno de sus miembros y la maravillosa cohesión del grupo.

La canción "Surf's Up", fue reciclada del proyecto Smile para este álbum y vio la luz dando nombre al siguiente álbum lanzado en [[1971]], el amplio material de "Surf's Up", aunque excelente fue poco comercial igual que Pet Sounds y otros, [[Brian Wilson]] lo considera uno de los mejores álbumes de los Beach Boys y Leonard Bernstein inmortalizó "Surf's Up" en un especial para la televisión. Durante las sesiones del álbum, [[Dennis Wilson]] se cortó la mano y no pudo tocar la batería. A inicios de [[1972]] contrataron al batería Ricky Fataar, que substituiría al lastimado Dennis, (quien se lastimó la mano al romper una puerta de vidrio y este hecho lo incapacitó por una buena temporada), y al guitarrista afroamericano Blondie Chaplin, mostrando de esta manera, que no hicieron conscientemente, que no eran un grupo conservador, republicano de sólo chicos sufistas blancos; los nuevos integrantes eran miembros de un grupo de [[Música rock|rock]] sudafricano llamado "The Flame" del cual Carl produjo su LP debut para Brothers Records el año anterior. "Carl and the Passions - "So Tough"" fue el primer álbum que salió con Fataar y Chaplin como miembros del grupo. Por primera vez un álbum del grupo sonba totalmente diferente a su sonido clásico, la estabilidad emocional de Brian declinaba cada vez más, y se encerró en su Mansión de Bel Air sin tener contacto con el mundo exterior. Aún contribuía esporádicamente escribiendo canciones, pero ya no era miembro activo del grupo ni aparecía en portadas de los discos.
====Los problemas de la banda====
Lo que aún no se sabía era que, además de su adicción a las drogas, [[Brian Wilson]] era bipolar, enfermedad que sólo se le diagnosticó años después, pero que le hacía sufrir depresiones que abarcaban desde ataques de pánico, agarofobia y estados de euforia. Aunque no está claro qué fue lo que impulsó al grupo a emprender tal riesgo, la discográfica autorizó un presupuesto enorme para la creación del siguiente álbum (además de un nuevo estudio de grabación) en Ámsterdam, así los Beach Boys volvían a emerger en 1972 con "Holland", el LP con dificultad llegó a las "Top 40", y la canción "Sail on, Sailor" que originalmente iba a ser cantada por Dennis fue finalmente cantada por Chaplin, y fue tocada esporádicamente en las estaciones de radio, "Holland" no contribuyó en nada a mejorar al grupo que estaba decayendo, no obstante que "Sail on, Sailor" es una canción muy buena.

A mediados de los 70's o sea por [[1975]] o [[1976]] los Beach Boys dejaron de grabar, y se concentraron más en sus actuaciones en vivo, y esto se convirtió en una experiencia increíble, éste fue un movimiento inteligente, y sacaron "The Beach Boys in Concert" en 1973. En este período Brian no estaba muy involucrado, lo que dejaba al grupo bajo una tremenda presión, pero el esfuerzo del grupo pagó sus frutos, pues sus conciertos fueron muy exitosos, y sus famosos conciertos del "4 de julio" (día de la independencia de los Estados Unidos) fueron muy populares.

De los Wilson siempre se ha dicho que Brian, con su talento, es el cerebro del grupo, Dennis con su amor al grupo y amor a la playa, el corazón, y Carl, el dulce y conciliador de los Wilson, el alma del grupo.

A mediados de [[1974]] Capitol Records "sacó del baúl" varias canciones y editaron un nuevo disco de éxitos, "Endless Summer" tanto el grupo como Capitol no daban crédito que ese LP alcanzara el número uno, y se mantuvo casi 3 años en las listas, y se convirtió en un álbum de oro. "Endless Summer" capitalizó con la creciente fascinación del público con la música oldie. Inclusive la revista "Rolling Stone" que nunca se había mostrado amigable con los Beach Boys los nombró a finales de ese año "grupo del año". Ese mismo año fue otra colección, esta vez, "Spirit of America" la que llegó a las "top 10". Éste fue el combustible que el grupo estaba necesitando y así empezaron a grabar cosas nuevas.

Anunciando la "casi" cierta verdad "Brian's Back" como campaña publicitaria, en 1976 "15 Big Ones" consiguió el balance perfecto entre un par de oldies de los 50's con la moderna y diferente donde los 3 hermanos Wilson Brian, Dennis y Carl logran fusionar sus voces de una manera muy interesante, esta canción fue basada en los sonidos de [[Jazz|jazz]] dixie, convirtiéndose en una agradabilísima sorpresa.

Y nuevamente el álbum entró en el Top 10 y ganó disco de oro en ventas, muy a pesar de que ni Dennis ni Carl querían que este álbum saliera, pues no lo sentían musicalmente armonioso. Luego, al año siguiente, y a pesar de las criticas recibidas por adelantado, [[Brian Wilson]] se involucró más en el que sería el siguiente álbum del grupo "Love You" (que casi fue llamado de "Brian Loves You" y lanzado como álbum solo). En este álbum, en contraste con la fatalista canción de inicios de los [[Años 1970|70]] "Till I Die"; y otras por el estilo, Brian sonaba alegre en canciones pop como "Let Us Go on This Way".

Después del lanzamiento en [[1979]] del álbum M.I.U. Album el grupo firmó un amplio y jugoso contrato con CBS donde se estipulaba la presencia de Brian Wilson en todos los álbumes. Sin embargo, el breve retorno terminó con dos esfuerzos infructuosos L.A. (Light Album) y "Keepin' the Summer Alive" los Beach Boys entraron a los [[Años 1980|80's]] con más desavenencias entre los miembros, teniendo problemas financieros debido a los malos manejos financieros de Stan y Steve Love, hermanos de [[Mike Love]], los hermanos Wilson comenzaron a resentirse contra Mike y sus hermanos.
===Los años 80===
El último concierto de 4 de julio con todos los integrantes fue en [[1983]], ese mismo año, en el 28 de diciembre, el grupo experimentó una fuerte pérdida al perder al corazón del grupo, a [[Dennis Wilson]].

Comparando idiosincrásicamente lo que los fans de las oldies esperaban de los Beach Boys, "Love you" fue el mejor álbum del grupo en años.

En 1980, tanto [[Dennis Wilson]] como [[Carl Wilson]] habían dejado a los Beach Boys para seguir carreras como solistas. Dennis había ya lanzado su primer álbum, "Pacific Ocean Blue" en 1977 y Carl su casi anónimo debut en 1981. Brian salió del grupo en 1982 luego que su peso llegó a los 150 kilos. La trágica muerte de Dennis Wilson (ahogado en diciembre de 1983) ayudó a juntar de nuevo al grupo, aunque no por mucho tiempo. En 1985, los Beach Boys lanzaron un nuevo álbum titulado "THE BEACH BOYS" el primer álbum sin Dennis Wilson y regresaron a las Top 40 con "Getcha Back". Éste sería sin embargo el último álbum del grupo como tal de los 80's. A pesar de la muerte de Dennis, el grupo intentaba continuar, ellos habían sido Beach Boys durante toda su vida adulta y deseaban seguir siéndolo.

La colaboración de Stevie Wonder en la canción "I Do love you", donde el propio Stevie Wonder tocó casi todos los instrumentos, fue bastante aplaudida, y le imprimió al álbum "THE BEACH BOYS" un toque ochentoso, consiguiendo, de esta manera, entrar en la nueva década por la puerta grande y, demostrando que habían podido adaptarse con nota sobresaliente a todos los retos que les habían impuesto, público, críticos y el tiempo. A mediados de los 80's Brian mostró signos de mejoría tanto mental como física, aunque el resto del grupo se mantenía alerta al respecto de su muy controvertido médico, el Dr. Eugene Landy.

Landy era un psiquiatra de quien se decía conseguía milagros con el impresionable Brian Wilson, al grado de tomar control absoluto sobre la vida de Brian. Landy colaboró con la autobiografía de Brian "Wouldn't it be nice" y escribió la letra de varias de las canciones del primer álbum de Brian como solista en 1988 "Brian Wilson". Tanto la crítica como los fanáticos disfrutaron del regreso de Brian al estudio, sin embargo fue el sencillo "Kokomo" tema de la película Cocktail, el que alcanzó el número 1 en los Estados Unidos ese mismo año, en ese álbum no colaboró Brian en absoluto, y tiene el sello absoluto de [[Mike Love]].

Más tarde ese mismo año apareció una colección llamada "Still Cruisin'" y los Beach Boys demandaron a Brian más con la esperanza de que Brian se retirara de la influencia de Landy que por otra cosa. Más tarde Mike Love demandó a Brian por la regalía de los derechos de autor de varias canciones (Brian ha admitido siempre la colaboración de Mike en casi todas las canciones que éste demandó).
===Los 90===
A pesar de muchos problemas y pleitos los Beach Boys continuaron haciendo tours durante los [[Años 1990|90's]], y [[Mike Love]] y [[Brian Wilson]] volvieron a componer juntos como en los viejos, lanzaron un álbum un poco fuera de época "Summer in Paradise" de [[1992]]. El último álbum de la década y el último que lanzara la banda es Stars and Stripes Vol. 1, es una colección de grandes éxitos de los Beach Boys interpretados por diferentes cantantes country, con las armonías de los Beach Boys como fondo. También apareció por esos tiempos un documental de Brian Wilson titulado "I just wasn't made for these times" que fue transmitido por la cadena Disney, con música de fondo que incluye tracks de los Beach Boys interpretados por el mismo Brian. Justo cuando parecía que estaban los Beach Boys listos para sacar un nuevo álbum del estudio de grabación, [[Carl Wilson|Carl]] murió víctima del cáncer en 1998. Con la pérdida de Carl se hizo patente que los Beach Boys nunca volverían a ser lo que fueron, y nunca más grabar un álbum de estudio, por esto algunos miembros de los Beach Boys se separaron en carreras de solista.
===Los Beach Boys en los años 2000===
Mike continúa hasta hoy en día dando conciertos al lado de Bruce Johnston, (quien a veces también hace conciertos al lado de Brian), y una banda que los acompaña. Al Jardine formó un nuevo grupo llamado The Beach Boys Family and Friends que a veces incluye la presencia de Carney y Wendy, las hijas de Brian y, que a su vez, son miembros del grupo Wilson Phillips, de [[The Mamas and The Papas]].

[[Mike Love]] ha declarado: "Otra vez la gente alrededor de [[Brian Wilson|Brian]], mi primo y colaborador de muchos éxitos, de quienes gusto y he cuidado, lo ha usado para su propio beneficio financiero sin el respeto a sus derechos, o a mis derechos, o aún los derechos de los estados de sus hermanos difuntos, Carl y Dennis, y sus niños... A causa de las cuestiones mentales de Brian él siempre era vulnerable a la manipulación. ¡Simplemente quiero parar a los infractores y parar el engaño![9]
==Discografía==
*Surfin' Safari ([[1962]])
*Surfin' USA ([[1963]])
*Surfer Girl ([[1963]])
*Little Deuce Coupe ([[1963]])
*Shut Down Volume 2 ([[1964]])
*All Summer Long ([[1964]]) #4 US
*The Beach Boys' Christmas Album ([[1964]])
*The Beach Boys Today! ([[1965]])
*Summer Days (and Summer Nights!!) ([[1965]])
*Beach Boys' Party! ([[1965]])
*Pet Sounds ([[1966]])
*Smiley Smile ([[1967]])
*Wild Honey ([[1967]])
*Friends ([[1968]])
*Stack-O-Tracks ([[1968]])
*20/20 ([[1969]])
*Sunflower ([[1970]])
*Surf's Up ([[1971]])
*Carl and the Passions - "So Tough" ([[1972]])
*Holland ([[1973]])
*15 Big Ones ([[1976]])
*Love You ([[1977]])
*M.I.U. Album ([[1978]])
*L.A. (Light Album) ([[1979]])
*Keepin' the Summer Alive ([[1980]])
*THE BEACH BOYS ([[1985]])
*Still Cruisin' ([[1989]])
*Summer in Paradise ([[1992]])
*Stars and Stripes Vol. 1 ([[1996]])

==Participación en bandas sonoras==
The Beach Boys han tenido muchísimas canciones en películas, en las cuales se muestran en la lista.
*"The Boat That Rocked" ([[2009]])
**"Wouldn't It Be Nice"
*"The Departed" ([[2006]])
**"Sail on Sailor"
*La serie "ER"
**TV Episodio No Place to Hide ([[2006]]) "California Girls"
**TV Episodio A Thousand Cranes (2003) "Good Vibrations"
*"The Shaggy Dog" ([[2006]])
**"Surfin' USA"
*"Big Love" (serie de TV) ([[2006]])
**"God Only Knows"
*"Herbie Fully Loaded" ([[2005]])
**"Getcha Back"
*"Life on the Longboard" ([[2005]])
**"Don’t Worry Baby", "All Summer Long", "Catch A Wave", "Do it Again" y "Surfer Girl"
*"The Moguls" ([[2005]])
**"I Get Around"
*"Alfie" ([[2004]])
**"Little Saint Nick"
*"It's All Gone Pete Tong" ([[2004]])
**"Good Vibrations"
*"Without a Paddle" ([[2004]])
**"When I Grow Up (To Be a Man)"
*50 First Dates ([[2004]])
**"Wouldn't It Be Nice"
*Love Actually ([[2003]])
**"God Only Knows"
*Calendar Girls ([[2003]])
**"Sloop John B"
*Los Ángeles de Charlie: Al límite ([[2003]])
**"Surfer Girl"
*Mayor of the Sunset Strip ([[2003]])
**"Heroes and Villains" y "Don’t Worry Baby"
*"American Dreams" (serie de TV) ([[2002]])
**"Don't Worry Baby"
*I'm with Lucy ([[2002]])
**"Only With You"
*Scooby-Doo ([[2002]])
**"God Only Knows"
*Vanilla Sky ([[2001]])
**"Good Vibrations"
*Bubble Boy ([[2001]])
**"Wouldn't It Be Nice?"
*Rush Hour 2 ([[2001]])
**"California Girls"
*"Ally McBeal"
**Episodio: The Gateway ([[2001]]); "I Get Around"
*Meet the Parents ([[2000]])
**"California Girls"
*Almost Famous ([[2000]])
*"Feel Flows"
*Best ([[2000]])
*"Good Vibrations"
*Three Kings ([[1999]])
**"I Get Around"
*Anywhere But Here ([[1999]])
**"Surfin' Safari"
*Outside Providence ([[1999]])
**"Little Saint Nick"
*Never Been Kissed ([[1999]])
**"Don’t Worry Baby"
*"Sports Night"
**Episodio: The Sword of Orion ([[1999]]); "Sloop John B"
*The '60s ([[1999]])
**"Don’t Worry Baby"
*Alice et Martin ([[1998]])
**"You're So Good to Me"
*Rush Hour ([[1998]])
**"Surfin' USA"
*Boogie Nights ([[1997]])
**"God Only Knows"
*Bean(1997)
**"I Get Around"
*Vegas Vacation ([[1997]])
**"Good Vibrations"
*Sleepers ([[1996]])
**"Catch a Wave", "Good Vibrations", "The Warmth of the Sun"
*Mother (1996/II)
**"In My Room"
*Bye Bye Love ([[1995]])
**"Don’t Worry Baby"
*There Goes My Baby ([[1994]])
**"Be True to Your School"
*Forrest Gump ([[1994]])
**"Sloop John B"
*Roseaux sauvages, Les ([[1994]])
**"Barbara Ann"
*My Girl 2 ([[1994]])
**"Don’t Worry Baby"
*Theremin: An Electronic Odyssey ([[1994]])
**"Good Vibrations"
*Surf Ninjas ([[1993]])
**"Barbara Ann"
*Green Card ([[1990]])
**"Surfin' Safari"
*Graveyard Shift ([[1990]])
**"Surfin' Safari"
*My Blue Heaven (1990/I)
**"Sufin' USA"
*Problem Child ([[1990]])
**"Problem Child"
*Downtown ([[1990]])
**"SHUT DOWN", "I GET AROUND", "CATCH A WAVE", "SURFIN' U.S.A.", "SURFER GIRL"
*Mira quién habla ([[1989]])
**"I Get Around", "When I Grow Up (To Be a Man)"
*"The Super Mario Bros. Super Show!" ([[1989]]) serie de TV.
**Episodio: Mama Mia Mario/The Great BMX Race "Shut Down"
*Roger & Me ([[1989]])
**"Wouldn't it be Nice"
*Lethal Weapon 2 ([[1989]])
**"Still Cruisin'"
*Troop Beverly Hills ([[1989]])
**"Make It Big"
*Alien Nation ([[1988]])
**"Surfin' Safari"
*Cocktail([[1988]])
**"Kokomo"
*Good Morning, Vietnam ([[1987]])
**"Don't Worry Baby", "I Get Around", "The Warmth of the Sun"
*Can't Buy Me Love ([[1987]])
**"Surfin' Safari"
*One Crazy Summer ([[1986]])
**"DO IT AGAIN", "WOULDN'T IT BE NICE", "Fun, Fun, Fun", "In My Room"
*Flight of the Navigator ([[1986]])
**"I Get Around"
*Teen Wolf ([[1985]])
**"Surfin' USA"
*Up the Creek ([[1984]])
**"Chasin' the sky"
*The Big Chill ([[1983]])
**"Wouldn't It Be Nice"
*Luger (película) ([[1982]])
**"God only knows"
*Modern Romance ([[1981]])
**"God Only Knows"
*The Hollywood Knights ([[1980]])
**"Surfin' USA", "Barbara Ann", "Fun, Fun, Fun"
*Deadman's Curve ([[1978]])
**"Surfin'"
*Smile ([[1975]])
**"California Girls"
*Shampoo ([[1975]])
**"Wouldn't It Be Nice"
*Journey Through the Past ([[1974]])
**"Let's Go Away For Awhile"
*The Monkey's Uncle ([[1965]])
**"The Monkey's Uncle"
==Referencias==
# ↑ «The RS 500 Greatest Albums of All Time : Rolling Stone».
# ↑ «Beach Boys, Pet Sounds, letras fotos».
# ↑ «Kevin M. Cherry on The Beach Boys on National Review Online».
# ↑ «toronto.com».
# ↑ «Scotsman.com News - Scottish news direct from Scotland».
# ↑ «Record Setters».
# ↑ «The RS 500 Greatest Albums of All Time : Rolling Stone».
# ↑ «The RS 500 Greatest Songs of All Time : Rolling Stone».
# ↑ «Brian Wilson and Mike Love: More bad vibrations - Features, Music - The Independent».
==Enlaces externos==
Commons
*[http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Beach_Boys Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre The Beach Boys].
*[http://www.thebeachboys.com/ Página oficial del grupo]
*[http://www.los60.es/beach.html The Beach Boys]] (en español)
*[http://www.beachboysfanclub.com/ The Beach Boys Club de fanáticos]

[[Categoría: Grupos y conjuntos musicales]]
{{Wikipedia}}

Fernando Fernández Pantoja "Terremoto"

2024-08-05T16:23:54Z

Csuarezllosa: Actualizando

[[Imagen:Fernando Terremoto hijo.jpg|200px|right]]
[[Imagen:Terremotohijo.jpg|250px|right|thumbnail|Terremoto en el Gran Teatro de Córdoba (1990).]]
El cantaor '''Fernando Fernández Pantoja''', '''Fernando Terremoto''', nace en Jerez de la Frontera (Cádiz) el [[11 de mayo]] de [[1969]]. Hijo de [[Terremoto de Jerez]], hereda de su padre no sólo el nombre artístico sino, ante todo, las facultades para el cante. Falleció en Jerez de la Frontera el [[13 de febrero]] de [[2010]].

Aunque Fernando Terremoto comienza en el flamenco inclinándose hacia la guitarra, pronto vira hacia el cante. Debuta como cantaor flamenco en [[1989]] en la Peña Don [[Antonio Chacón]] de Jerez, acompañado a la guitarra por [[Manuel Moreno Junquera "Moraíto Chico"|Moraíto Chico]]. A partir de entonces, comienza a cantar por peñas y festivales de la geografía andaluza, hasta que da el salto a Madrid, recalando en Zambra.

Poco después, participa en varios espectáculos como solista: ''Arco de Santiago'', creado para la Exposición Universal de Sevilla; ''Chachipen'', montaje de la Compañía [[Manuel de Paula]] estrenado en la Bienal de Flamenco de Sevilla de [[1994]] y con ellos, va de gira. Los premios van llegando. En [[1996]] consigue el primer premio de cante del Concurso de Jóvenes Intérpretes de la IX Bienal de Flamenco, galardón que le sirve de aval. En [[1997]] protagoniza el ciclo ''Conocer el flamenco'', junto a Niño Josele e [[Israel Galván]], por peñas de la provincia de Sevilla.

La consagración llegó en el XV [[Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba]] de [[1998]], se alzó con tres Premios Nacionales de Cante: [[Manuel Torre]] por seguiriya y martinete; [[Pastora Pavón "Niña de los Peines"|Niña de los Peines]] por soleá y bulería; y Antonio Chacón por malagueña y tarantos. A partir de entonces, continúa actuando en los más importantes festivales como el Festival de Barcelona, la Bienal de Flamenco de Sevilla, el Festival de Arte Flamenco de Mont de Marsan, el Festival de Cante Grande [[Antonio Mairena]], el Festival de La Puebla de Cazalla, la Fiesta de la Bulería de Jerez, el Festival Flamenco de Almería... Y a ello se suman actuaciones internacionales en ciudades como París, Toulouse, Marsella, Lyon, Ámsterdam, Rotterdam, Amberes, Ginebra, Hannover... A finales de [[2001]], también fue distinguido con la Copa Jerez, que otorga la Cátedra de Flamencología de Jerez.

Fernando Terremoto ha grabado los discos ''La herencia de la sangre'' ([[1989]]), ''Cantes de la campiña, bahía y sierra'' ([[1990]]) y ''Cosa natural'' ([[1997]]).

En [[2004]], la canción que interpretó para la película ''Carmen'' de Vicente Aranda estuvo nominada a los Premios Goya del cine español.

Falleció el [[12 de febrero]] de [[2010]] en Jerez de la Frontera tras una larga enfermedad.

==Galería==
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Imagen:Fernando Terremoto2.jpg
Imagen:Fernando Fernandez Pantoja Terremoto 1.jpg
Imagen:Fernando Fernandez Pantoja Terremoto 2.JPG
Imagen:Terremoto6.jpg
</gallery>

==Fuente==
{{El Arte de Vivir el Flamenco|1=cantaores301.html}}

== Enlaces externos ==
*[https://www.flamenco-world.com/tienda/autor/fernando-terremoto-(hijo)/703/ Flamenco-World]

[[Categoría:Cantaores del siglo XX|Fernandez Pantoja, Fernando, Terremoto]]
[[Categoría:Cantaores del siglo XXI|Fernandez Pantoja, Fernando, Terremoto]]
[[Categoría:Nacidos en 1969|Fernandez Pantoja, Fernando, Terremoto]]
[[Categoría:Nacidos en Jerez de la Frontera|Fernandez Pantoja, Fernando, Terremoto]]
[[Categoría:Fallecidos en 2010|Fernandez Pantoja, Fernando, Terremoto]]
[[Categoría:Fallecidos en Jerez de la Frontera|Fernandez Pantoja, Fernando, Terremoto]]

Tatum O'Neal

2024-08-05T16:23:09Z

Csuarezllosa:

[[Imagen:O neal tatum.jpg|350px|right|thumbnail|[http://www.biografiasyvidas.com/biografia/o/o_neal_tatum.htm Biografías y Vidas].]]
'''Tatum Beatrice O'Neal''' (Los Ángeles, [[5 de noviembre]] de [[1963]]) Actriz estadounidense. Hija del actor [[Ryan O'Neal]] y de la actriz Joanna Moore, debutó en el cine al lado de su padre en la excelente película Luna de papel ([[1973]]), de [[Peter Bogdanovich]], por la que recibió, con apenas nueve años, el Oscar a la mejor actriz secundaria.

Se convirtió así en la persona más joven de la historia galardonada con un premio de la Academia. La pequeña Tatum realizó la extraordinaria interpretación de una huérfana que forma equipo con un timador de poca monta (interpretado en esta ocasión por su padre). Luna de papel recibió cuatro nominaciones al Oscar, entre ellas la de mejor guión adaptado, escrito por Alvin Sargent a partir de la novela de Joe David Brown. Madeline Kahn fue también nominada como mejor actriz secundaria.

Tres años más tarde, Tatum O'Neal volvió al cine para interpretar a una estrella de la liga infantil de béisbol en Los picarones (1976), en la que compartió protagonismo con [[Walter Matthau]]. Se convirtió en la estrella infantil mejor pagada de la historia del cine, con un contrato de 350.000 dólares y un 9% de los beneficios netos.
[[Imagen:O neal tatum lunadepapel.jpg|250px|left|thumbnail|Tatum O'Neal en Luna de papel]]
En su siguiente película, Nickelodeon (1976), de [[Peter Bogdanovich]], trabajó de nuevo al lado de su padre, aunque sin el éxito obtenido en su debut. Homenaje a los primeros tiempos del cine mudo, Nickelodeon cuenta la historia de la rivalidad entre un director, interpretado por [[Ryan O'Neal]] e inspirado en las experiencias de pioneros como [[Raoul Walsh]] y [[Allan Dwan]], y un actor, interpretado por [[Burt Reynolds]].

La carrera de Tatum O'Neal en el cine a partir de entonces fue corta e irregular. En 1986 se casó con el tenista John McEnroe. La popularidad alcanzada a causa de su matrimonio y su tormentoso divorcio, con una dura batalla legal por la custodia de sus tres hijos, eclipsó su carrera como actriz. En 1992 debutó sobre los escenarios de Nueva York con la obra A terrible beauty. Sus escasos trabajos como adulta no estuvieron a la altura de los infantiles, por lo que decidió abandonar casi por completo la interpretación.

==Fuente==
*Extraído de: [http://www.biografiasyvidas.com/biografia/o/o_neal_tatum.htm Biografías y Vidas]

[[Categoría:Actores del siglo XX|Tatum O'Neal]]
[[Categoría:Actores del siglo XXI|Tatum O'Neal]]
[[Categoría:Nacidos en 1963|Tatum O'Neal]]
[[Categoría:Nacidos en Estados Unidos|Tatum O'Neal]]

Telly Savalas

2024-08-05T16:21:54Z

Csuarezllosa: Actualizando

[[Imagen:Telly Savalas2.jpg|200px|right|thumbnail|[http://listas.20minutos.es/lista/mejores-actores-de-la-historia-287357/ 20 Minutos].]]
[[Imagen:Telly Savalas.png|250px|right|thumbnail]]
'''Aristotelis "Telly" Savalas''' (Nueva York, [[21 de enero]] de [[1924]] - ibidem, [[22 de enero]] de [[1994]]), actor de cine y televisión estadounidense de origen griego, recordado principalmente por su personaje Theo Kojak de la serie Kojak. Se hizo instantáneamente reconocible por la calvicie intencionada y las típicas piruletas de su personaje Kojak, un duro y galante teniente de policía de Nueva York.

==Carrera==
Fue el segundo de cinco niños nacidos del matrimonio compuesto de la griego-americana Christina Savalas, artista de Nueva York, y Nick Savalas, dueño de un restaurante griego. Fue bautizado con el nombre de Aristotelis Savalas en Ciudad Jardín, Nueva York. Telly fue el diminutivo de su nombre y se le conocería de este modo como Telly Savalas.

===Primeros años===
Cuando entró en la Escuela Secundaria Sewanhaka en Nueva York, inicialmente sólo hablaba griego, pero aprendió inglés y se graduó en 1940. Después de la graduación de la escuela secundaria, trabajó como un salvavidas, pero en una ocasión, fracasó rescatando a un hombre de ahogarse, falleciendo a pesar de sus esfuerzos; esto afectó a Savalas para el resto de su vida.

Cuando entró en la Universidad de Columbia, Savalas asistió a diversos cursos, como inglés, radio y psicología. Más tarde estudió actuación en Manchester University en Inglaterra. En aquel entonces, se enamoró de la radio y la televisión, lo cual condujo su interés en actuar. Se graduó en 1946.

===Inicios como locutor===
Savalas estuvo entre los años 1943-1946 en el Ejército, durante la [[Segunda Guerra Mundial]], trabajando para el Departamento de Estado de Estados Unidos, patrocinando su Voice de América, una serie locutiva, y luego en ABC News.

A la edad de 30 años, el siguiente trabajo de Savalas fue en una popular radio, como fijo en un programa informal de entrevistas en el que hacía de anfitrión en una cafetería típica en la ciudad de Nueva York. En una de sus funciones, trató con la actriz [[Ava Gardner]] que estuvo como estrella invitada en directo.

Luego Telly fue ejecutivo director de informativos en la cadena ABC, donde su característico timbre de voz se haría reconocible. Savalas después se convirtió en un productor ejecutivo para el Gillette Cavalcade de Deportes.

===Salto al cine===
Más tarde, Savalas actuó en el programa de televisión Teatro Armstrong Circle (1959) y luego en la serie El Testigo como Lucky Luciano, donde el consagrado actor [[Burt Lancaster]] "lo descubrió" y le introdujo en la meca del cine. Lancaster sería uno de sus mejores amigos y esta amistad duraría hasta el final de sus vidas.

Savalas fue invitado a realizar un papel de fiscal de distrito idealista en el melodrama El Joven Salvador (1961). Ya con sus 40 años, siguió adelante en las artes escénicas para ejecutar una serie de papeles de mucha importancia, ganándose la aclamación y una designación para el Oscar para Mejor Actor Secundario por su función como el sádico Feto Gómez de ''El hombre de Alcatraz'' (1962).

Siguiendo en el cine logró un papel de Poncio Pilato en el film bíblico ''La historia más grande jamás contada'' (1965). Desde esa interpretación Savalas eligió permanecer completamente calvo y con esta apariencia distintiva logró permanecer en la memoria pública de los cinéfilos.

Savalas actuó memorablemente en The Dirty Dozen (1967), (''Los doce del patíbulo'', en Argentina y España), una película de acción del director [[Robert Aldrich]], y reapareció haciendo dos papeles diferentes en dos remakes de la película adaptada para la TV.

Más tarde realizó films que se convirtieron en clásicos, tales como: ''Los violentos de Kelly'' (1970), y ''The Scalphunters'' (1968), una película del Oeste que reveló los perfiles sociales del racismo durante el movimiento de garantías constitucionales; ese mismo año participó en una comedia con ''Gina Lollobrigida'', ''Buona Sera, señora Campbell''.

En 1972 participó en una atípica producción española de terror: ''Horror Express'', junto a un elenco internacional que incluía a [[Christopher Lee]], [[Peter Cushing]], [[Alberto de Mendoza]] y una joven [[Silvia Tortosa]].

===El estrellato: Kojak===
Su carrera se consagró con el telefilme Marcus-Nelson Murders (transmitido por TV-Movie Radiodifusión en 1973) donde él quedó encasillado a firme como el detective Theo Kojak. Savalas aprovechó su fama como Kojak alcanzando gran notoriedad ya que el éxito de la película dio pie a una serie que duró por cinco años siendo transmitida por la Red Radiodifusora de Columbia (1973-1978). Después de la serie Kojak, Savalas repitió el personaje Theo Kojak en varios telefilmes basados en su personaje, manteniendo su imagen pública en auge.

Durante esos años, su estilo de vida cambió comprando una mansión en Colorado. Además incursionó en la autoría musical y registró muchos álbumes, incluyendo Telly (1974) y Who Loves Ya, Baby (1976).

Incursionó en la dirección de cine con ''Más allá de la razón'' (1977).

A todo lo largo de su vida, Telly Savalas fue un escritor creativo carismático, director, y productor. Conquistó varios premios Emmy, el Peabody, y Premios del Globo De Oro.

En 1990, la alcaldía de la ciudad de Nueva York declaró al telefilme Marcus-Nelson Murders como la película oficial de la ciudad de Nueva York, y honró a Telly Savalas con las llaves de la ciudad.

Savallas quedó encasillado y asociado al personaje que le dio fama y a pesar de que hizo intentos de desencasillarse no pudo o no quiso hacerlo de manera determinante ya que era su veta de fama, reconocimiento y dinero.

[[Categoría:Actores del siglo XX|Telly Savalas]]
[[Categoría:Nacidos en 1924|Telly Savalas]]
[[Categoría:Nacidos en Estados Unidos|Telly Savalas]]
[[Categoría:Fallecidos en 1994|Telly Savalas]]
[[categoría:Fallecidos en Estados Unidos|Telly Savalas]]
{{Wikipedia}}

Teatro Cómico Principal

2024-08-05T16:18:20Z

Csuarezllosa: Actualizando

El Teatro Cómico fue en sus primeros tiempos, un teatro de madera angosto que podía dar cabida a no más de 300 personas. Abrió sus puertas al público en el mes de abril de [[1800]].

Su época de mayor esplendor se corresponde con el periodo que abarca desde [[1819]] a [[1823]].

Juan Bonel, propietario del Teatro Cómico lo vendió a [[Manuel García Lovera]] en el año [[1874]] acometiendo obras de rehabilitación total del edificio. Este renombró el teatro como Teatro Principal. Pintado por José Serrano Bermúdez lucía decoraciones del pintor del Salón Liceo del [[Real Círculo de la Amistad de Córdoba|Círculo de la Amistad]], José María Rodríguez Losada, albergando 21 palcos, 2 palcos proscenios, 20 plateas, 2 plateas proscenios, 238 butacas, 20 anfiteatros de primera fila, 22 de segunda, 60 delanteras de paraíso, 200 entradas principales, y 400 localidades de paraíso. El [[17 de julio]] de [[1892]], el Teatro Principal sufrió un pavoroso incendio desapareciendo en pocas horas, no pudiendo levantarse sobre el mismo solar otro, debido a las ordenanzas municipales del año [[1888]].

Desde principios del [[Siglo XX|siglo XX]] hasta su adquisición por la Comunidad Autónoma de Andalucía, parte del edificio estuvo arrendada al [[Real Centro Filarmónico "Eduardo Lucena"]]. [[Eduardo Lucena|Eduardo Lucena y Vallejo]], ilustre compositor y violinista cordobés ([[1849]] – [[1893]]), creó el Centro Filarmónico en [[1878]]. Comenzó teniendo su domicilio en un amplio local del desaparecido Teatro del Recreo en la calle María Cristina, pasando posteriormente al palacio de los Páez y Castillejo y después al actual edificio de la calle Ambrosio de Morales.

Tras la muerte de su iniciador, su discípulo, José Molina León, lo reorganizó en [[1902]]; fue entonces cuando se le dio el nombre de Centro Filarmónico “Eduardo Lucena”, pasando en [`1904]] a llamarse [[Real Centro Filarmónico "Eduardo Lucena"|Real Centro Filarmónico]], a raíz de la aceptación del Rey [[Alfonso XIII de España|Alfonso XIII]] de su presidencia, tras una meritoria actuación del Centro ante el monarca.

A finales de los [[Años 1990|años 90]] fue remodelado conservando su fachada ecléctica, ordenada con cuatro huecos por cada una de las dos plantas existentes.

Este Teatro, enclavado en la Calle Ambrosio de Morales, es un variado espacio cultural, sala de exposiciones y sede actual del [[Real Centro Filarmónico "Eduardo Lucena"|Centro Filarmónico Eduardo Lucena]].

El Teatro Cómico Principal fue inaugurado por la consejera de Cultura [[Carmen Calvo Poyato|Carmen Calvo]] el día [[19 de febrero]] de [[2001]]. Unos meses antes se firmaba un convenio entre la Consejería de Cultura y el [[Ateneo de Córdoba]] por el que se autorizaba al Ateneo el uso del salón de actos cuando no estuviera ocupado con actividades de la Consejería de Política Territorial y de la propia Consejería de Cultura. Con seis meses de antelación debería presentar el Ateneo el proyecto de actividades a realizar en el Teatro Cómico. El Ateneo llegó a realizar entre los años 2001 - 2003 apenas 20 actividades (conferencias, una exposición del pintor [[Salvador Parejo]], una asamblea general de socios ateneístas y la final del [[III Certamen Andaluz de Monólogos Teatrales Ateneo de Córdoba|III Certamen Andaluz de Monólogos Teatrales]]).

A las malas condiciones del recién inaugurado edificio se unía el horario de los encargados de cerrarlo. Una conferencia que empiece puntualmente a las 8 de la tarde, puede acabar perfectamente a las 8.30. Pero ocurre que en el Ateneo cordobés todas las conferencias, igual que los debates, van seguidos de un coloquio con el público asistente que con sus preguntas y sus opiniones enriquecen la actividad. Y lo mismo que hay intervenciones del público que son tediosas e insoportables, existen momentos en los que es imposible cortar el acto por ser realmente interesante el coloquio. Y, además, en el Ateneo no se le niega a nadie la palabra por muy tarde que sea, por lo que enseguida se vio que aquella no era la sede apropiada.

También estaba el [[Real Centro Filarmónico "Eduardo Lucena"|Centro Filarmónico Eduardo Lucena]], cuyos componentes ensayaban por las tardes en un horario incompatible con los ensayos de la [[Sección de Teatro del Ateneo de Córdoba|Sección de Teatro del Ateneo]]. Por tantos impedimentos, el [[Ateneo de Córdoba, Ateneo ambulante]] se largó con viento fresco y la cabeza alta. Pero no volvió al arroyo de donde salió sino al lugar de más solera de la ciudad de Córdoba, donde venía realizando actividades desde [[1998]]: [[Bodegas Campos]].

{{Cordobapedia2}}
[[Categoría:Centros]]

Taifa de Jerez

2024-08-05T16:17:04Z

Csuarezllosa:

La '''Taifa de Jerez''' fue un reino independiente musulman que surgió en [[al-Ándalus]] en [[1145]], gobernado por Abu l-Gamr Ibn Azzun de los Banu Ganiya, y que desapareció con la invasión almohade, perteneciendo cronológicamente al periodo conocido como [[segundos reinos de taifas]].

La llegada de los almohades supuso un gran punto de inflexión en la localidad a partir del cual ha sufrido un gran desarrollo. Se convirtió en una medina con la construcción del Alcázar (conservado hasta la actualidad) y de 20 mezquitas, una de ellas principal (donde posteriormente los cristianos construirían la actual Catedral, conservando el minarete, aún ampliándolo y convirtiéndolo en campanario). Se rodeó la ciudad de una gran muralla y se alcanzó rápidamente los 20.000 habitantes, una gran población en la época. En la medina también se construyeron adarves, una alcaicería, una judería y arrables.
{{cita|(Jerez es) una gran ciudad, con grandes comodidades y con edificaciones y medios de subsistencia copiosos, con gentes principales.|Ibn Said. [[Siglo XIII]]}}

==Referencias==
*[http://www.cehj.org/44.ELJEREZISL%C3%81MICO.pdf Miguel Ángel Borrego Soto. «El Jerez Islámico]». Consultado el [[12 de febrero]] de [[2009]].

[[Categoría:Reinos de Taifas|Jerez]]
[[Categoría:Jerez de la Frontera]]
{{Wikipedia}}

Carlos Enrique Suárez Llosa

2024-08-05T13:15:18Z

Csuarezllosa: Actualizando

<div style="text-align:justify; padding:10px">__NOTOC__
[[Imagen:Ejemplar.jpg|thumb|500px]]

'''Carlos Enrique Suárez Llosa''' es un escritor, actor, ciudadano neutro, ecologista, activista medioambiental, socorrista de primeros auxilios, socorrista acuático e aficionado a las geniogramas, y es considerado el primer sordomudo peruano en haber publicado un libro "Ingeniograma".

== Biografía ==

'''Carlos Enrique Suárez Llosa''' es un escritor enciclopédico e aficionado a las geniogramas, y es considerado el primer sordomudo peruano en haber publicado un libro "Ingeniograma enciclopédico". Actualmente trabaja como Bibliotecario de la ''' [http://www.ateneodecordoba.com/ Enciclopedia Ateneo de Córdoba]''' que ocupa gran parte de su tiempo para el mantenimiento preventivo y correctivo, me encargo de tareas expansivas (borrar, trasladar y revisar errores ortográficos); revirtiendo ediciones vandálicas y spam; ayudando usuarios y reviso todos los días. Sí tienes una duda, puedes contactarme en mi correo electrónico de Internet: '''[mailto:locutor1955@gmail.com locutor1955@gmail.com]''' o en mi''' [http://www.facebook.com/profile.php?id=595368157 Facebook]'''. Contacta conmigo para cualquier cosa.
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== Biografía ==

Nacido el 28 de agosto de 1955 en la ciudad de Huacho, provincia de Huaura, departamento de Lima (Perú), Carlos Enrique Suárez Llosa es el primer sordo peruano especializado en solucionar "palabras cruzadas", muy en especial las del diario ''El Comercio'' de Lima, conocidas como "Geniogramas".

Hijo de don Jorge Suárez Infante (fallecido en 1986), oficial del Ejército Peruano, y de doña Ethelvina Llosa Macheri (fallecida el 23 de julio de 2012). Siendo un niño sano y feliz, no es sordomudo de nacimiento, a los 4 años, como consecuencia de un golpe en la cabeza que comenzó a salirse sangre en los oídos y quedó sordo. Se educó en los colegios de educación especial "La Alegría en el Señor" y "Centro Peruano de Audición y Lenguaje" - (CPAL), terminando la educación primaria en el "Instituto Santa María de Guadalupe" que dirigió la recordada directora Beatriz Arzubiaga de Malpartida. La Escuela Oral lo rehabilitó mediante pedagogía de labio-lectura para comunicarse con todas las personas.

Estudió su primero de secundaria en el Colegio del Ejército Peruano "Pedro Ruiz Gallo", aunque tuvo que retirarse sin concluirlo por falta de apoyo del alumnado, el que, por su inmadurez, no comprendió su condición de discapacitado auditivo. Aprendió el oficio de Cajista de Imprenta en la Escuela Nacional de Artes Gráficas (ENAG) de La Victoria.

En marzo de 1972, cuando aún tenía 16 años, ingresó a trabajar en el Diario Oficial "El Peruano". Fue presentado por el Secretario General de la Casa Militar, general de brigada EP Artemio García Vargas, compañero de armas de su recordado padre (integrantes, ambos, de la "Promoción Junín”), en los tiempos cuando era Presidente del Perú el general Juan Velasco Alvarado. Pasó a planillas el 17 de abril de 1972, desde ayudante de linotipo a operador de la linotipia (linotipista) para digitar en los linotipos las páginas de la edición del Diario Oficial "El Peruano" en el local del jirón Quilca de Lima. Durante los sucesos de la huelga policial del 5 de febrero de 1975, una turba atacó e incendió el local del diario "Correo" en su sede ubicada en la Av. Wilson, en el Centro de Lima. Luego del ataque e incendio del diario "Correo", el director del Diario Oficial "El Peruano" ordena brindar apoyo para la digitalización, elaboración e impresión del diario "Correo" hasta finalizar el proceso de reconstrucción. Ante la temprana desaparición de su nunca bien llorado progenitor, el Departamento de Capacitación de Editora Perú (la empresa que, a partir de 12 de febrero de 1976, edita el Diario Oficial "El Peruano", Editora La Crónica y Variedades S.A. y de Editorial Virú S.A., le ordenó que realice estudios de Computación e Informática (Procesamiento de Textos - DOS) en el Servicio Nacional de Adiestramiento en Trabajo Industrial - SENATI, para trabajar como tipógrafo en las máquinas de tipografía Varityper, en el proceso de elaboración del Diario Oficial "El Peruano" y los extintos diarios La Tercera - La Crónica y Variedades (desaparecidos), cuando se procesaban en el jirón Andahuaylas de Lima. Trabajó como diagramador y corrector de textos junto con su compañero José Canales Ghiorzo en la Sala de Redacción del Diario Oficial "El Peruano" (1993) y en la área de Producción (1996). Desde esos difíciles primeros días de 1972, en los que ingresó a trabajar en el Diario Oficial "El Peruano", sus compañeros de los talleres de linotipo del jirón Quilca, le enseñaron todos los secretos del apasionante mundo de los diarios y del periodismo, y aprendieron a hablar con él mediante lectura labial. Y ahora que ya no están (muchos dejaron la empresa y muchos, también, dejaron de acompañarnos en la tierra), siente pena y nostalgia por ellos, quienes nunca dejarán de ser sus maestros y hermanos:

{{Cita|''"La amistad de mis compañeros, en estos más de 52 años, siempre me permitió integrar grupos humanos muy sólidos, donde compartimos el trabajo y la vida y donde lo más importante sigue siendo apoyarnos mutuamente. Editora Perú es como mi segundo hogar y, mis compañeros, mi segunda familia, quienes me dan fuerzas para hacer las cosas cada vez mejor. Mi trabajo es muy interesante y se aprende todos los días con la vanguardia de la innovación y la tecnología para alcanzar un mejor desempeño como trabajador y como persona".''| Carlos Enrique Suárez Llosa}}

En la actualidad, continúa trabajando ininterrumpidamente como Especialista Administrativo I con el puesto de diagramador del Portal de Gestión de Atención al Cliente - Normas Legales del Diario Oficial "El Peruano" en el local de la Av. Alfonso Ugarte de Lima, y es -con su tiempo de servicio- el trabajador más veterano de Editora Perú.

En 1979 contrajo matrimonio con su ex compañera de colegio, Martha Cristina Casana Bejarano, con la que tiene dos hijos: Jorge Luis, bachiller en Ingeniería Informática de la Pontificia Universidad Católica del Perú; y, Carlos Enrique, estudiante de la Facultad de Idiomas e Interpretación de la Universidad Ricardo Palma.

{{Cita|Pese a mis limitaciones auditivas como desventaja. Nadie me impide cumplir mis metas. La Empresa Peruana de Servicios Editoriales S.A., que edita el Diario Oficial "El Peruano", la Agencia Peruana de Noticias Andina y la línea de Servicios Editoriales y Gráficos -SEGRAF- es un orgullo tenerlo como colaborador hace más de 50 años de una larga trayectoria de dedicación, compromiso, entrega y un caso de éxito que puede servir de ejemplo para que más empresas apuesten por la inclusión laboral.| Carlos Enrique Suárez Llosa}}
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#'''[https://www.facebook.com/photo?fbid=10152414541218158&set=a.408784008157 Primera entrevista con la revista institucional "Conociéndonos"];'''
#'''[https://www.youtube.com/watch?v=AUJP2NGbPUU Video documental CARLOS SUÁREZ, el poder de tus manos];'''
#'''[https://www.youtube.com/watch?v=8x8JiyVdZyQ Video reportaje del programa Sin Barreras de la TV Perú];'''
#'''[https://www.youtube.com/watch?v=toa1zNhx2Ss&list=PL_4SFOiGJ5d1kQSXdTKUuDd3W82qpF3LL&index=2&t=0s Video de trabajador de Editora Perú, inspira documental que gana premio];'''
#'''[https://www.youtube.com/watch?v=oxhkXwD7Jm4 Video actuando como el Libertador José de San Martín que proclama la Independencia del Perú]'''

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==Libro "El Ingeniograma®" ==

La inquietud por solucionar Geniogramas empezó debido a influencia de su hermano mayor, Rodolfo, quien desde hacía mucho tiempo era aficionado a los Geniogramas. Pero, a partir de la primera vez que logró solucionar uno, en 1972, siguió solo. Desde entonces, consulta todas las enciclopedias, almanaques y diccionarios sobre el tema.

Ha pasado estos años, en los que terminó y se inició un siglo, escribiendo una obra especializada en dichas palabras cruzadas del diario El Comercio de Lima, o "Geniogramas" (creación del desaparecido periodista boliviano, '''Mario Lara Carrasco'''): El Ingeniograma®. Hoy es un bibliófilo profesional, a pesar de su sordera. El tema nunca dejará de serle interesante. Carlos Suárez Llosa ha recibido 17 premios por solucionar con éxito el Geniograma Semanal, el Geniograma Gigante, el Geniograma Difícil (9 premios en efectivo y 8 premios en enciclopedias) y ha recibido el primer premio en efectivo por solucionar con éxito el Crucigrama21. Ha participado en varios encuentros de geniogramistas en el Sheraton Lima Hotel & Convention Center; en las instalaciones de la Planta de Impresión Pando y en los eventos tradicionales Feria Internacional del Libro de Lima con sedes en el Centro Comercial Jockey Plaza Shopping Center (Surco); en el Parque de los Próceres de la Independencia (Jesús María) organizado por el Diario "El Comercio".

"Mi pasatiempo de llenar crucigramas lo disfruto desde los 16 años. Me gusta coleccionar Geniogramas del diario El Comercio. Tengo desde el primer Geniograma Semanal, del 26 de marzo de 1960, hasta los de la actualidad. Próximamente publicaré mi primer libro dirigido a los "geniogramistas" y público en general, para tratar de cubrir las expectativas de los miles de aficionados a la solución de Geniogramas, "Geniograma Semanal", "Geniograma Difícil", "Geniograma Gigante", "Geniograma Díptico", "Geniograma Tríptico", "La Frase Secreta".

Este primer libro es fruto de años y años de tenaz y paciente labor. Se ha hecho con mucho esmero, teniendo especial cuidado en la veracidad de los datos. Se ha consultado principalmente los libros y enciclopedias: Almanaque Mundial, Guinness World Records, Britannica, Encas, Espasa-Calpe, U.T.E.H.A., Grolier, Larousse, Quillet, Lexi-K, Encarta, Karten, Salvat; los periódicos: El Comercio, La Prensa (desaparecida), La República, Expreso, Correo, Perú 21, El Sol (desaparecido), La Razón, La Primera, Publimetro, Washington Post (USA), El País y ABC (España), La Nación y Clarín (Argentina), El Excelsior (México); y, las revistas: LIFE (desaparecido), Caretas, Gente, Oiga, Cable Mágico, Time (USA), Cambio16 (España), Ovaciones (México), Siete Días y Gente (Argentina). Los aportes de los miembros del Club de Geniogramistas, con los que se reúnen en la Sede Principal del diario "El Comercio" de la Av. Antonio Miró Quesada 300 y en la calle Shell de Miraflores, son imprescindibles. Y por supuesto, acorde a la modernidad de los tiempos, consulta las fuentes infinitas de Internet: los buscadores Google, Yahoo, MNS, etc..

La limitación física no abarca sino eso. El espíritu de investigación que la ciencia y el hombre están aún por descifrar, mueve las montañas y los mundos.

== Primera entrevista con la revista institucional "Conociéndonos" de Editora Perú<ref>[https://www.facebook.com/photo?fbid=10152414541218158&set=a.408784008157 Primera entrevista con la revista institucional "Conociéndonos" de Editora Perú]</ref> ==

"LA DISCAPACIDAD NO DEBE SER UNA ADVERSIDAD".

== Enciclopedia del Ateneo de Córdoba (España)<ref>[http://ateneodecordoba.com/index.php/Jacobinos_de_Plata_2010 Jacobinos de Plata 2010 de la Enciclopedia del Ateneo de Córdoba (España)]</ref> ==

Recibió el Jacobino de Plata en el año 2010 concedido por el Ateneo de Córdoba (España).

== Reportaje del programa Sin Barreras de la TV Perú <ref>[https://www.youtube.com/watch?v=8x8JiyVdZyQ Reportaje del programa Sin Barreras de la TV Perú]</ref> ==

El sábado 15 de junio de 2019 se hizo el reportaje del programa Sin Barreras de la TV Perú, al cumplir 47 años trabajando en el Diario Oficial "El Peruano".

== Carlos Enrique Suárez Llosa, actúa de Libertador San Martín proclama la independencia del Perú 2019<ref>[https://www.youtube.com/watch?v=oxhkXwD7Jm4 Carlos Enrique Suárez Llosa, actúa de Libertador San Martín proclama la independencia del Perú 2019]</ref> ==

Carlos Enrique Suárez Llosa actuando como el Libertador José de San Martín que proclama la independencia del Perú: "El Perú es desde este momento libre e independiente por la voluntad general de los pueblos y por la justicia de su causa que Dios defiende.
*¡Viva la patria!
*¡Viva la libertad!
*¡Viva la independencia!"

== Cortometraje "Carlos Suárez, el poder de tus manos" <ref>[https://www.youtube.com/watch?v=AUJP2NGbPUU Cortometraje "Carlos Suárez, el poder de tus manos"]</ref> ==

'''Carlos Suárez, el poder de tus manos''' es el primer cortometraje documental sobre la identidad del sordo Carlos Suárez, trabajador del Diario Oficial "El Peruano" dirigida por Teresa Diaz Conde, primera directora de cine. Fue presentado el 13 de noviembre de 2019 en la Universidad Peruana Unión. Tiene una duración de 45 minutos.

El cortometraje reflexiona sobre la identidad del sordo Carlos Suárez, trabajador del Diario Oficial "El Peruano" que conforma la Empresa Editora Perú.

Basado en la vida del trabajador más antiguo de editora Perú, ninguna barrera lo detuvo para lograr sus metas, por qué para él, la discapacidad es la capacidad extraordinaria de ser capaz.

Lo acompaña un gran número de trabajadores del Diario Oficial "El Peruano" entrevistados, brindando sus testimonios y contando anécdotas.

Gracias a Carlos Suárez por brindarnos todo lo necesario, productora 29.97 Films por la ejecución de este proyecto, a mis padres Dalila Vílchez y Víctor Diaz que me motivaron a tocar el tema de la inclusión social.

;Reparto

El corto cuenta con la participación del director de fotografía, que posteriormente sería uno de los especialistas más premiados del cine. Documental que dialoga con Carlos Suárez que habla sobre la situación de los sordos peruanos. Alterna las charlas con imágenes de archivo donde Carlos Suárez realiza su trabajo habitual.

;Premios

Este cortometraje de Teresa Diaz Conde sobre la identidad de Carlos Suárez. Recibió el premio especial de calidad de la Universidad Peruana Unión.

*Mejor Guion de documental.
*Mejor dirección de fotografía de documental.

;Documental

En 2019 se estrenó el documental ''Carlos Suárez, el poder de tus manos'' dirigida por Teresa Diaz Conde. Este documental es un retrato impresionista del trabajador Carlos Suárez.

== Carlos Suárez recibió distinción del presidente del Perú, Pedro Castillo Terrones<ref>[https://elperuano.pe/noticia/151548-presidencia-condecora-a-servidor-de-el-peruano-con-la-orden-del-trabajo-2022 Presidencia condecora a servidor del Diario Oficial "El Peruano" con la Orden del Trabajo 2022]</ref> ==

El día 4 de mayo de 2022, en ceremonia, el Presidente Pedro Castillo Terrones condecoró a Carlos Enrique Suárez Llosa , quién desde 1972 a la fecha es trabajador del Diario Oficial "El Peruano", desempeñándose actualmente en el Departamento de Normas Legales y Boletín Oficial de la Gerencia de Publicaciones Oficiales de Editora Perú.

Suárez Llosa es una persona con discapacidad auditiva y ha sido protagonista de documentales y reportajes televisivos sobre su vida y trayectoria laboral<ref>[https://www.elperuano.pe/noticia/151648-carlos-suarez-llosa-un-hombre-ejemplar El hombre Ejemplar]</ref>.

También es miembro de la Asociación Peruana de Promoción e Integración del Sordo (APPIS) desde donde ha impulsado el camino de la inclusión laboral para las personas con discapacidad en el sector público.

Durante el acto oficial, desarrollado en el Gran Comedor de la sede del Poder Ejecutivo, Suárez Llosa<ref>[https://andina.pe/agencia/noticia-carlos-suarez-llosa-orgullo-del-diario-peruano-891570.aspx Carlos Suárez Llosa: el orgullo del Diario Oficial "El Peruano"]</ref><ref>[https://andina.pe/agencia/noticia-presidencia-condecora-a-servidor-de-peruano-con-orden-del-trabajo-2022-891341.aspx Carlos Suárez Llosa, trabajador con discapacidad auditiva, labora desde hace 50 años en el Diario Oficial]</ref> recibió la condecoración de manos del mandatario Pedro Castillo Terrones y de inmediato la ministra de Trabajo y Promoción del Empleo, Bettsy Chávez, el entregó el diploma correspondiente.

== Consejo Nacional para la Integración de la Persona con Discapacidad (CONADIS)<ref>[https://cdn.www.gob.pe/uploads/document/file/3249133/Revista%20SC%20Ed.10_VFpliegos.pdf.pdf?v=1654911316 Consejo Nacional para la Integración de la Persona con Discapacidad (CONADIS)]</ref> ==

Mientras Carlos se prepara para ser retratado por el lente de Conadis, nos invita a tomar asiento en su cálido hogar y comparte con nosotros la emoción de haber vivido tantas experiencias y anécdotas que le valieron para ser condecorado por sus 50 años de servicio en el Diario Oficial "El Peruano". Carlos Suárez, es el primer trabajador con discapacidad auditiva y con mayor trayectoria laboral continua en una empresa estatal. A sus 66 años, recibió de manos del presidente de la República, Pedro Castillo, la Orden del Trabajo 2022 en el grado de “Oficial”. Su historia inspiró un documental y de acuerdo con la Asociación Peruana de Promoción e Integración del Sordo (Appis), del cual ha sido miembro-fundador y expresidente en cuatro oportunidades, se trata del “primer sordo con mayor tiempo de trayectoria laboral continua en una empresa del Estado”. Por ello, su historia es considerada por la comunidad de sordos en el país, parte vital para la inspiración y ganas de salir adelante en la vida. 50 años al servicio de los peruanos Persona sorda recibe condecoración “Orden del trabajo” por su trayectoria. Casado, con dos hijos y dos nietas, deportista, aficionado a los “Geniogramas” de El Comercio y a las películas de terror, Suárez es de las personas que siempre lleva una sonrisa. Se formó en la Escuela Nacional de Artes Gráficas y en Senati. A los 16 años, ingresó a trabajar al Diario Oficial "El Peruano" como ayudante y operador de linotipia. Cuatro años después, cuando se fundó Editora Perú, ya trabajaba como digitador del Sistema de Fotocomposición Varityper. Entre 1989 y 1993 se desempeñó como diagramador y corrector de textos y luego pasaría a laborar en el área de Producción. Desde 1996 trabaja como formateador y corrector del Departamento de Normas Legales y Boletín Oficial del Diario Oficial "El Peruano".

== Municipalidad de Miraflores (Lima, Perú)<ref>[https://www.miraflores.gob.pe/lucho-molina-alcalde-de-miraflores-distingue-a-carlos-enrique-suarez-llosa-el-trabajador-estatal-con-discapacidad-mas-antiguo-del-pais/ Lucho Molina, alcalde de Miraflores, distingue a Carlos Enrique Suárez Llosa, el trabajador estatal con discapacidad más antiguo del país]</ref> ==

En el mes de junio de 2022, el alcalde del distrito de Miraflores, Luis Molina Arles condecoró al vecino miraflorino, Carlos Suárez, por ser ejemplo para la comunidad miraflorina como la primera persona con discapacidad auditiva de mayor e interrumpida trayectoria laboral en una entidad estatal.

{{Cita|Aconsejo a los sordos que luchen, que se hagan todos los enérgicos esfuerzos posibles, no olviden la frase de optimismo: “Querer es poder”. El único camino que nos lleva al éxito es estudiar, escribir, leer, mirar, observar todo, preguntando y preguntando, no debemos tener vergüenza en decir que soy sordo, debemos trabajar duro es la clave absoluta para el éxito, porque no hay otra manera de avanzar en la vida, ahora que estamos en la era de la informática y del conocimiento en la era digital.| Carlos Enrique Suárez Llosa}}
</div><br>
<div style="border:3px solid red; padding:0.6em; -moz-box-shadow:1em 0.1em 1em 0.4em black; -webkit-box-shadow:1em 0.1em 0.4em 0.1em black; font-family:Trebuchet MS; margin:auto; width:90%; -moz-border-radius:0 30px 30px 0; -webkit-border-radius:0 30px 30px 0;">'''Soy el Bibliotecario de:'''
#'''[http://www.ateneodecordoba.com/ Enciclopedia Ateneo de Córdoba]'''
'''Soy el fundador de:'''
#'''[https://biblioteca-virtual.fandom.com/es/wiki/Especial:CambiosRecientes Biblioteca Virtual Fandom]'''
#'''[https://escritores-del-mundo.fandom.com/es/wiki/Especial:CambiosRecientes Escritores del Mundo Fandom]'''
#'''[https://biblioteca-de-las-artes.fandom.com/es/wiki/Especial:CambiosRecientes Biblioteca de las Artes Fandom]'''

<br>
[[Categoría:Escritores del siglo XX|Suarez Llosa, Carlos Enrique]]
[[Categoría:Periodistas del siglo XX|Suarez Llosa, Carlos Enrique]]
[[Categoría:Periodistas del siglo XXI|Suarez Llosa, Carlos Enrique]]
[[Categoría:Nacidos en 1955|Suarez Llosa, Carlos Enrique]]
[[Categoría:Nacidos en Perú|Suarez Llosa, Carlos Enrique]]
{{GalarJacobinos|Suarez Llosa, Carlos Enrique|2010}}
{{UsuarioArtículo|Csuarezllosa}}

Jaime Pujol

2024-01-30T03:58:21Z

Csuarezllosa:

[[Imagen:Jaime Pujol.jpg|250px|right|thumbnail|[http://listas.20minutos.es/lista/personaje-favorito-de-la-serie-el-comisario-1524/ 20 Minutos].]]
'''Jaime Pujol''' es un actor, dramaturgo y director español de teatro. Ha trabajado en numerosas series de televisión, películas y obras de teatro, pero el personaje que le ha dado mayor fama ha sido el del Inspector Jefe Andrés Casqueiro en la serie de Telecinco "El comisario". Estudió en la Escuela Superior de Arte Dramático de Valencia (ESAD). Actualmente interpreta al fiscal Martín Angulo en Amar es para siempre, de Antena 3, en la que vuelve a coincidir con sus ex-compañeros de "El comisario" Rocio Muñoz y Patxi Freytez.

==Biografía==
Nació en Palma de Mallorca el día [[6 de noviembre]] de [[1961]], pero se trasladó a Valencia por motivos de estudios a los 18 años y, desde entonces, vive y desempeña la mayor parte de su actividad laboral entre Valencia y Madrid.

Está casado con la actriz Mónica Román, a la que conoció cuando ambos eran alumnos de la Escuela de Teatro de Valencia, y tiene 1 hijo. Durante varios capítulos de "El comisario", Mónica interpretó a Amanda, la amante de Casqueiro, una médico acusada de la muerte de un niño.

==Formación académica==
Es Licenciado por la Escuela de Arte Dramático y Danza de Valencia (1982), recibió clases de Antonio Díaz Zamora y Francisco Romá (Tres en raya) y fue Coordinador del Departamento de las Artes del Palau de la Música (Valencia, 1991-93), Director del Instituto del Teatro Nuria Espert (Valencia, 1993-96), Director de la Escuela del Actor (Valencia, 1996-99) y Director Artístico de la Fundación Shakespeare de España, además de estudiar hasta 4º de Psicología. Ha trabajado como actor en teatro, cine y televisión. Además, ha escrito numerosos textos para el teatro.

==Actividad Profesional==
===Actor===
====Teatro====
*Machado: 50 años con sus versos. (Valencia, 1990).
*Canciones del alma, sobre poemas de San Juan de la Cruz. (Valencia, 1989).
*El verbo hecho mundo. (Valencia, 1988).
*Romeo y Julieta, de W. Shakespeare. (Valencia, Madrid, Londres, 1987). Dirección: Edward Wilson.
*Decir Shakespeare. (Valencia, 1986). Dirección Francesc Puchades. - Como gustéis, de W. Shakespeare. (Valencia, 1986). Dirección: Pierre Constant.
*Allò que tal vegada s'esdevingué, de Joan Oliver. (Valencia, 1985).
*Supongamos que no he dicho nada, sobre textos de B. Vian, C. Arniches, A. Gide. (Valencia, Palma de Mallorca, 1983). Dirección: Rafael Calatayud (Compañía La Pavana).
*Flor de Otoño, de J.M. Rodríguez Méndez. (Valencia - Madrid, 1982).

====Televisión====
*Cuéntame cómo pasó. (TVE). (2013- ).
*Amar es para siempre. (Antena 3). (2013- ).
*Ángel o Demonio. (Tele 5). (2011).
*Física o Química. (Antena 3-Ida y Vuelta). (2009-2010).
*El comisario. (Tele 5-Bocaboca). Realización: Jesús Font, José Ramos Paino, etc. (1999-2009).
*La madre de mi marido (Malvarrosa Media - Euroficción). Realización: Francesc Betriu. (2003).
*Max Aub. Un escritor en su Laberinto. (Documental). (TVE - Trivisión). Realización: Llorens Soler. (2002).
*Otra ciudad. (TV Movie). Dirección: César Martínez. (2000).
*Ambiciones. (Antena 3 - BRB - Diagonal TV). Realización: Xavier Arazola, Gerardo Gormenzano, etc. (1998).
*El secreto de la porcelana. (TVE - Cinco Films). Dirección: Roberto Bodegas. (1998).
*Hermanas. (Tele 5- Videomedia). Dirección: Enric Banque. (1998).
*A flor de pell. (Canal 9 - Drimtin). Dirección: Daniel Ventura. (1997).
*Hospital. (Antena 3 - Gest Music). Dirección: Joan Guitart. (1996).
*Herència de sang. (Canal 9 - Drimtin). Dir.: Xavier Berraondo y Daniel Ventura. (1995).
*Dark Justice. (TV3 - Lorimar). Dirección: David Caloway. (1991).
*Quan es fa fosc. (Coproducción TV3). Dirección: David Caloway. (1989)

====Cine====
*Ausiàs March. Director: Daniel Múgica. (2002)
*El palo. Dirección: Eva Lesmes. (2000)
*La gran vida. Dirección: Antonio Cuadri. (1999)
*Noticias a las 3 (Cortometraje). Dirección: José Luis Moreno. (1997)
*La camisa de la serpiente. Dirección: Antoni P. Canet. (1996)
*Las amigas (Cortometraje). Dirección: Carlos Pastor. (1991)
*Selena o l'altra cara de la lluna (Cortometraje). Dirección: Jordi Piris. (1990)
*Amanece como puedas. Dirección: Antoni P. Canet. (1987)
*Alguien que anda por ahí (Cortometraje). Dirección: Luis Casasayas. (1985)

===Ayudante de Dirección===
*Bodas de sangre, de F. García Lorca. (Els Teatres de la Generalitat Valenciana, 1995). Dirección: Edward Wilson.
*Una llamada para Pirandello, de A. Tabucchi y El marinero, de F. Pessoa. (Centro Dramático de Valencia, 1990). Dirección: Vicente Genovés.

===Director de Teatro===
*Ángel, de Michel Verly. (2005-2006)
*Continuidad de los parques, de J. Pujol. (2004-2005).
*Cajas, de J. Pujol.(1998).
*Lorca, mujer (1998).
*Bodas de Sangre, de F. García Lorca. (Valencia, Mainz, Benidorm, 1992-94).
*Broza, de Samuel Beckett. (1991).
*Macbeth, de W. Shakespeare. (Valencia, 1991).
*Ríndete, Dorothy, de Paul Waite. (1990).
*La cocina, de Arnold Wesker. (1989).
*El verdadero Inspector Hound, de Tom Stoppard. (1988).
*Las galas del difunto, de Valle-Inclán. (1987).
*¡Tengan paciencia!, varios autores. (1986).

===Autor===
====Teatro====
*Tierra en los ojos. (2007).
*El cabaret del ornitorrinco. (Co-autor junto a Paco Zarzoso, Pep Xiveli y Diego Braguinsky). (2002).
*Bumerán. (Co-autor junto a Pep Xiveli y Diego Braguinsky). (2002). Estrenada en 2002 y dirigida por Enrique Belloch.
*Caminando hacia el suelo. (2001).
*San Blas Café. (Co-autor junto a Pep Xiveli y Diego Braguinsky). (1999).
*Lienzos (Piezas coloreadas). (1999).
*Cajas. (1998). Estrenada en 1998 y dirigida por él mismo.
*Un cuarteto inexacto. (1996). Estrenada en 1997 bajo la dirección de Xavier Berraondo.
*Los ángeles también ponen huevos. (1995). Art Teatral. Nº 11. 1998.
*El tren de las hormigas. (1994).
*Tal vegada en un parc. (1992). Premio Eduardo Escalante "Ciutat de Valencia, 1992".
*Continuidad de los parques. (1992).

====Poesía====
*Dos él. Valencia: Malvarrosa de Poesía, 1984.
*Los signos del silencio. Pliegos de poesía. Palma de Mallorca, 1983. Finalista del premio "Reina Amalia, 1983".

====Narrativa====
*Los escarabajos". Suplement de cultura del diari Llevant. València, 21 de Març de 1985.
*Ático". Bajarí. Palma de Mallorca, 1984. Finalista en el IX Concurso de cuentos.

[[Categoría:Actores del siglo XX|Jaime Pujol]]
[[Categoría:Actores del siglo XXI|Jaime Pujol]]
[[Categoría:Dramaturgos del siglo XX|Jaime Pujol]]
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[[Categoría:Directores de teatro del siglo XX|Jaime Pujol]]
[[Categoría:Directores de teatro del siglo XXI|Jaime Pujol]]
[[Categoría:Nacidos en 1961|Jaime Pujol]]
[[Categoría:Nacidos en Palma de Mallorca|Jaime Pujol]]
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Jaleo (organización juvenil)

2024-01-30T03:53:12Z

Csuarezllosa: Wikipedia ya no existe

'''Jaleo!!!''', oficialmente '''Jaleo!!! - Juventud Andaluza Independentista''' es una organización juvenil de Andalucía (España) encuadrada dentro del nacionalismo andaluz de izquierdas, que también se declara feminista, antifascista y anticapitalista. Fue fundada en 1996 en la ciudad de Málaga.

En lo referente a la implantación, Jaleo!!! cuenta con actividad en las ciudades de Granada, [[Córdoba]], Sevilla, Málaga, Cádiz y Jaén, así como en las comarcas de Sierra Mágina (Jódar), la Vega del Guadalquivir ([[Palma del Río]]), la Sierra Sur de Jaén (Alcalá la Real) y la Campiña Sur Cordobesa ([[Montilla]]).

==Ideología==
Según ellos mismos declaran, son una organización que cuenta con una dirección central que, colectivamente, lleva el rumbo de la misma. Este sistema interno de funcionamiento, inspirado en el concepto [[Leninismo|leninista]] del [[Centralismo democrático|centralismo democrático]], supera la antigua estructura totalmente asamblearia de la organización. No obstante, Jaleo!!! no se declara formalmente como una organización [[Comunismo|comunista]], pues sigue admitiendo que en su seno tiene cabida todo joven que se encuadre dentro de la llamada "izquierda soberanista andaluza".

En los últimos años, Jaleo!!! ha llevado a cabo diversas iniciativas (feminismo, internacionalismo, antifascismo) que le han hecho valerse un nombre entre el independentismo juvenil de izquierdas en España, estrechando relaciones con organizaciones equivalentes en otros territorios como Aragón, Cataluña o el País Vasco.

Desde su creación, la organización se rige por una serie de puntos programáticos, que son los siguientes:
*La lucha por la "liberación nacional y social" de Andalucía.
*La defensa del derecho de autodeterminación para Andalucía.
*El anticapitalismo, buscando como alternativa económica el socialismo.
*La despenalización de la okupación, dentro y fuera del territorio andaluz.
*Desmilitarización de Andalucía y retirada de las bases estadounidenses de Rota y Morón de la Frontera, así como la base británica de Gibraltar, colonia británica que consideran parte del territorio andaluz.
*Liberación sexual, abarcando tanto el feminismo antes mencionado como una lucha contra el patriarcado. Defensa de toda orientación sexual.
*Ecologismo. Jaleo!!! defiende apuestas ecológicas frente al capitalismo, encuadrándose en los ideales del ecosocialismo.
*Nacionalismo andaluz. Partiendo de la base de considerar a Andalucía como nación, la organización defiende un "nacionalismo anticolonialista y antirracista", basado en la clase obrera y no en la burguesía, como suele hacer el pensamiento nacionalista tradicional. Defienden el internacionalismo y la promoción de la cultura andaluza fuera de territorio andaluz.
*Reforma agraria. Colectivización de la tierra y los medios de producción para trabajarla, así como la apuesta por una agricultura ecológica.
*Educación pública y de calidad. Jaleo!!! apuesta por la defensa de la enseñanza pública frente a los recortes, la privatización y la elitización que, según ellos, se está produciendo en el sector educativo. En este sentido, desde 2009 sus militantes participan, bien como estudiantes o trabajadores, en el [[Sindicato Andaluz de Trabajadores]] (SAT), al que consideran referente en lo respectivo al sindicalismo. *Proponen que la Historia de Andalucía sea obligatoria en todos los niveles educativos, así como fomentar la cultura, la promoción del andaluz y de la identidad andaluza, como viene reflejado en el Estatuto de Autonomía de Andalucía, reformado en 2007.

==Relaciones con otras organizaciones==
Pese a que no se vincula a ningún partido político, Jaleo!!! ha participado a lo largo de su historia en diversos procesos electorales. En las elecciones municipales de 2007 participó, junto al [[Partido Comunista del Pueblo Andaluz]] (PCPA) y otras organizaciones en la candidatura del [[Bloque Andaluz de Izquierdas]] (BAI), que presentó candidaturas en la ciudad de Málaga y en Huétor-Tájar, en la provincia de Granada.

Asimismo, en las elecciones al Parlamento Europeo de 2009, diversos militantes de la organización participaron en la candidatura de Iniciativa Internacionalista-La Solidaridad entre los Pueblos (II-SP) en Andalucía, junto a otras organizaciones como [[Corriente Roja]] en ciudades como Sevilla, Córdoba, Granada, Cádiz o Málaga.

Desde 2011, Jaleo!!! forma parte junto a otras organizaciones (como [[Nación Andaluza]]) de la llamada Mesa Andaluza de Izquierda Soberanista (MAIS),10 que pretende aglutinar a todas las organizaciones del nacionalismo andaluz de izquierdas y más orientado hacia el independentismo. Como arriba se ha mencionado, Jaleo!!! también mantiene buenas relaciones con el SAT.

Jaleo!!! también contribuye en las iniciativas de los llamados Centros Andaluces del Pueblo (CAP), participando en el CAP "Blas Infante" de Granada y en el CAP "Er Llano" de Málaga.

A nivel de fuera de Andalucía, cabe destacar el fortalecimiento de relaciones con otras organizaciones en territorios como Aragón o Cataluña, con presencia de Jaleo!!! en actos organizados por Purna o el Rebrot, festival veraniego organizado por la desaparecida organización juvenil catalana Maulets.

[[Categoría:Partidos políticos]]

Jacques-Louis David

2024-01-30T03:49:27Z

Csuarezllosa:

[[Imagen:Jacques-Louis David.jpg|200px|right]]

'''Jacques-Louis David''' (París, Francia, [[30 de agosto]] de [[1748]] - Bruselas, Bélgica, [[29 de diciembre]] de [[1825]]) fue un pintor francés de bastante influencia en el estilo [[Neoclasicismo|neoclásico]]. Buscó la inspiración en los modelos escultóricos y mitológicos griegos, basándose en su austeridad y severidad, algo que cuadraba con el clima moral de los últimos años del [[Antiguo Régimen]].

Más tarde David llego a ser un activo participante en la [[Revolución francesa]] así como amigo de [[Maximilien Robespierre]]; en realidad fue el líder de las artes bajo la República Francesa. Encarcelado tras la caída de Robespierre del poder, más tarde se alineó con el advenimiento de otro régimen político, el de [[Napoleón Bonaparte]]. Fue en esta época cuando desarrolló su 'Estilo Imperio', notable por el uso de colores cálidos al estilo Veneciano. Entre sus numerosos alumnos cabe destacar a Antoine-Jean Gros, Anne-Louis Girodet de Roucy-Triosson y el más conocido de todos: Jean Auguste Dominique Ingres. Esto le hizo ser el pintor más influyente del arte Francés del siglo XIX, especialmente en las pinturas académicas.

== Primeros años ==
Jacques-Louis David nació en el seno de una próspera familia en París, el 30 de agosto de 1748. A la edad de nueve años, su padre fue asesinado en un duelo y su madre lo dejó bajo el cuidado de sus tíos François Buron y Jacques-François Desmaisons que eran unos prósperos arquitectos. Ellos se aseguraron de que recibiera una excelente educación en el Colegio de las Cuatro Naciones, pero Jacques-Louis David no fue nunca un buen estudiante: durante las clases cubría sus libros con dibujos. Pronto manifestó su deseo de ser pintor, pero el deseo de su madre y sus tíos era que fuera arquitecto. Finalmente venció los recelos de sus familiares y fue al taller de François Boucher, máxima figura de la época, así como pariente lejano de David. Boucher en sus inicios pintor Rococó, se encontraba en un periodo más clásico de su pintura. Boucher decidió que en vez de enseñar personalmente a David, podría enviarle bajo el tutelaje de su amigo Joseph-Marie Vien, pintor mediocre, pero que había adoptado gustos clásicos frente al Rococó imperante. Allí David asistió a la Real Academia de Pintura y Escultura, situada en lo que hoy es el Louvre.

David intentó ganar el Premio de Roma, premio de arte de la academia francesa cuatro veces. Una de ellas, de acuerdo a la leyenda, lo perdió porque no había consultado a Vien, uno de los jueces que otorgaba el premio. Otra, porque otros estudiantes habían estado compitiendo durante años y Vien pensó que la educación de David podía esperar, no así la de estos otros pintores mediocres. En protesta, David se puso en huelga de hambre. Finalmente en 1774, David ganó el Premio de Roma. Lo más usual en este caso, es que David hubiera asistido a otra academia antes de ir a la Academia en Roma, pero la influencia de Vien le permitió ir directamente a Roma en 1775, cuando Vien fue nombrado director de la Academia de Francia en Roma. Ya en Italia, David pudo acceder a las obras maestras y a las ruinas de la antigua Roma. David llenó multitud de cuadernos con numeroso material que utilizó durante el resto de su vida. Durante su estancia en Roma, estudió a los grandes maestros, siendo su preferido [[Rafael Sanzio|Rafael]]. En 1779, David pudo visitar las ruinas de Pompeya donde quedó impresionado. A partir de este momento, decidió "revolucionar" el mundo de la pintura al aplicar los principios "eternos" del clasicismo.

== Primeras obras ==
Los compañeros de David en la Academia encontraron difícil relacionarse con él, pero reconocieron su genio. Permitieron a David que se quedara en la Academia Francesa en Roma durante un año más, pero después de cinco años en Roma, regresó a París. Allí, encontró a gente que influyera por él, y le hicieron miembro de la Academia Real. Envió a la academia dos pinturas, incluyéndose ambas en el Salón de 1781, un gran honor. Fue alabado por pintores contemporáneos, pero la administración de la Academia Real era hostil a esta estrella naciente. Después del Salón, el Rey le permitió alojarse en el Louvre, un privilegio antiguo y muy deseado de los grandes artistas. Cuando el contratista de los edificios reales, M. Pecol, estaba haciendo los oportunos arreglos con David, le pidió que se casara con su hija, Marguerite Charlotte. Este matrimonio proporcionó a David dinero y, con el tiempo, cuatro hijos. David tenía alumnos propios, entre 40 y 50, y el gobierno le encargó que pintase «Horacio defendido por su padre», pero Jacques pronto decidió: «Sólo en Roma puedo pintar romanos». Su suegro le proporcionó el dinero que necesitaba para el viaje, y David marchó a Roma con su esposa y tres de sus estudiantes, uno de los cuales, Jean-Germain Drouais, era el ganador del Premio de Roma de ese año.

En Roma, David pintó su famoso Juramento de los Horacios. Los temas y motivos se reiterarían en obras posteriores El juramento del Juego de Pelota y la Distribución de las Águilas. Mientras en el Juramento de los Horacios y El juramento del Juego de Pelota se enfatiza la importancia del auto-sacrificio masculino por el propio país y por patriotismo, la Distribución de las Águilas hablaría del auto-sacrificio por el emperador ([[Napoleón Bonaparte|Napoleón]]) y la importancia de la gloria obtenida en el campo de batalla.

En 1787, David no se convirtió en el Director de la Academia Francesa en Roma, una posición que deseaba ardientemente. El Conde encargado del nombramiento dijo que David era demasiado joven, pero dijo que le apoyaría dentro de 6 a 12 años. Esta situación sería una de las muchas que hicieron que arremetiera contra la Academia en años futuros.

Para el salón de 1787, David exhibió su famosa Muerte de Sócrates. «Condenado a muerte, [[Sócrates]], fuerte, calmado y en paz, discute la inmortalidad del alma. Rodeado por Critón, sus amigos lamentándose y estudiantes, está enseñando, filosofando, y de hecho, agradeciendo al Dios de la Salud, Asclepio, por la infusión de cicuta que le aseguraría una muerte pacífica… La esposa de Sócrates puede verse lamentándose sola fuera de la habitación, despedida por su debilidad. [[Platón]] (que no estaba presente cuando murió Sócrates) está representado como un anciano sentado al final de la cama.» Los críticos compararon el Sócrates con la bóveda de la Capilla Sixtina de [[Miguel Ángel]] y las Estancias de Rafael, y uno, después de diez visitas al Salón, lo describió como «perfecto en todos los sentidos». [[Denis Diderot]] dijo que parecía que lo había copiado de algún antiguo bajorrelieve. La pintura estaba muy en la ola del clima político de la época.

Como siguiente pintura, David ejecutó Los lictores llevan a Bruto el cuerpo de sus hijos. La obra resultaba muy atractiva para la época. Antes de la apertura del Salón, había comenzado la [[Revolución francesa]]. Se había establecido la Asamblea Nacional y había caído la Bastilla. La corte real no quería propaganda agitando al pueblo, así que había que comprobar todas las obras antes de que se colgaran. Algunos retratos de gente famosa se prohibieron, como el de un químico que resultaba ser miembro de un partido que no gozaba de favor. Cuando los periódicos relataron que el gobierno no había permitido que se mostrara Los lictores llevan a Bruto el cuerpo de sus hijos, el pueblo se encolerizó, y los realistas cedieron. El cuadro se colgó en la exposición, protegido por estudiantes de arte. La pintura representa a [[Lucio Junio Bruto]], el líder romano, lamentándose por sus hijos. Los hijos de Bruto habían intentado derrocar al gobierno y restaurar la monarquía, así que el padre ordenó su muerte para mantener la república. Así, Bruto resultaba ser el heroico defensor de la república, aunque le costase su propia familia. A la derecha, la madre sostiene a sus dos hijas, y la abuela se ve en el extremo derecho, angustiada. Bruto se sienta a la izquierda, solo, melancólico, pero sabiendo que lo que ha hecho es lo mejor para su país. Toda la pintura era un símbolo republicano, y obviamente tuvo un inmenso significado en estos tiempos en Francia.

== La Revolución ==
Al comienzo, David apoyó la Revolución, siendo amigo de [[Maximilien Robespierre|Robespierre]] y miembro del [[Jacobinos|club jacobino]]. Mientras otros abandonaban el país en busca de nuevas y mejores oportunidades, David se quedó para ayudar a destruir el viejo orden; fue un regicida que votó en la Asamblea Nacional a favor de la ejecución de [[Luis XVI de Francia|Luis XVI]]. No es seguro por qué lo hizo, pues había más oportunidades para él bajo un rey que con el nuevo orden; algunos sugieren que el amor de David por lo clásico le hizo abrazar todo lo de aquel periodo, incluido un gobierno republicano.

Otros creen que la clave de la carrera revolucionaria del artista está en su personalidad. Indudablemente, la sensibilidad artística de David, su temperamento voluble, emociones volátiles, ardiente entusiasmo, y fiera independencia le ayudarían a volverse contra el orden establecido pero no explican con plenitud la devoción que sintió hacia el régimen republicano. Ni lo hacen las vagas afirmaciones de aquellos que insisten en su «poderosa ambición... e inusual energía de voluntad» realmente justifican sus conexiones revolucionarias. Aquellos que lo conocieron sostienen que fue su «generoso ardor», alto idealismo y benevolente, aunque a veces fanático, entusiasmo más que el egoísmo y los celos, los que motivaron sus actividades durante este periodo.

Pronto, David volvió sus lamentos críticos hacia la Academia Real de Pintura y Escultura. Este ataque fue probablemente causado ante todo por la hipocresía de la organización y su oposición personal contra su obra, como pudo verse en momentos anteriores de la vida de David. La Academia Real estaba llena de realistas, y el intento de David de reformarla no sentó bien a los miembros. Sin embargo, la suerte estaba echada contra este símbolo del antiguo régimen, y la Asamblea Nacional ordenó que hiciera cambios para acomodarse a la nueva constitución.

David comenzó entonces a trabajar en algo que más tarde le perseguiría: propaganda para la nueva república. La pintura de David de Bruto se mostró durante la obra Bruto de [[Voltaire]]. El público respondió con un alboroto de aprobación. El 20 de junio de 1790 se celebró el aniversario del primer acto de rebeldía contra el rey, El juramento del Juego de Pelota. Allí estaba David. Esperando conmemorar el acontecimiento en una pintura, los jacobinos, revolucionarios que acostumbraban a reunirse en el monasterio jacobino, decidieron elegir al pintor «cuyo genio anticipó la revolución». David aceptó, y comenzó a trabajar en un lienzo colosal. La pintura nunca se terminó por completo, debido a su inmenso tamaño (10,67 metros por 10,97 m) y debido a que las personas que necesitaban posar para él desaparecieron durante el reinado del Terror, pero existen algunos dibujos acabados y partes del lienzo original también se conservan, mostrando figuras desnudas con cabezas totalmente pintadas.

Cuando [[Voltaire]] murió en 1778, la iglesia le denegó un entierro eclesiástico, y su cuerpo fue enterrado cerca de un monasterio. Un año después, los viejos amigos de Voltaire comenzaron una campaña para conseguir que su cuerpo fuera enterrado en el Panteón, ya que la propiedad de la iglesia había sido confiscada por el gobierno francés. En 1791 nombraron a David para que presidiera el comité organizador de la ceremonia, un desfile a través de las calles de París hasta el Panteón. A pesar de la lluvia, y de la oposición de los conservadores basándose en la cantidad de dinero que se iba a gastar en el evento, la procesión se celebró. Hasta 100.000 personas vieron cómo llevaban al «Padre de la Revolución» a su lugar de descanso. Fue la primera de las muchas fiestas que David organizó para la república. Siguió organizando celebraciones para los mártires que murieron combatiendo a los realistas. Estos funerales recordaban las fiestas religiosas de los paganos griegos y romanos y muchos los vieron como saturnales.

En 1791, el Rey intentó abandonar el país, pero estando a menos de 50 km de la frontera suiza fue arrestado. Luis XVI había hecho peticiones secretas al emperador José II de Austria, hermano de María Antonieta, para que lo repusiera en el trono. Esto se le concedió, y Austria amenazó a Francia en el caso de que la pareja real resultara herida. Como reacción, el pueblo arrestó al Rey. Cuando la nueva Convención Nacional tuvo su primera reunión, David estaba sentado con sus amigos [[Jean-Paul Marat]] y Robespierre. En la convención, David pronto se ganó el mote de «feroz terrorista». Robespierre exigió la muerte del rey. La Convención Nacional enjuició al rey [[Luis XVI de Francia|Luis XVI]] y David votó a favor de la muerte del Rey. La mujer de David, que era realista, se divorció de él por este motivo.

Cuando Luis XVI fue ejecutado el 21 de enero de 1793, había muerto ya otro hombre — Louis Michel Le Peletier de Saint-Fargeau. Le Peletier fue asesinado el día anterior por un guardaespaldas realista, como venganza por haber votado a favor de la muerte del Rey. David fue el encargado de organizar el funeral, y pintó Le Peletier asesinado. En este cuadro se ve la espada del asesino colgada por una sola hebra de crin de caballo sobre el cuerpo de Le Peletier, un concepto inspirado por la proverbial espada de Damocles, que ilustraba la inseguridad del poder y la posición. Esto subrayaba el valor de Le Peletier y sus compañeros en relación con el rey opresor. La espada atraviesa un trozo de papel sobre el que está escrito «Yo voto la muerte del tirano», y como tributo, en el extremo derecho del cuadro, David colocó la inscripción «David a Le Peletier. 20 de enero de 1793». El cuadro fue más tarde destruido por la hija realista de Le Peletier, y sólo se conoce por un dibujo, un grabado, y descripciones contemporáneas. No obstante, esta obra fue importante en la carrera de David, porque fue la primera pintura acabada de la Revolución Francesa, hecha en menos de tres meses, y una obra a través de la cual él inició el proceso de regeneración que continuaría con La muerte de Marat, obra maestra de David.

Marat, periodista y parlamentario revolucionario, y amigo de David, fue asesinado el 13 de julio de 1793 por la girondina Carlota Corday. David de nuevo organizó un funeral espectacular, y Marat fue enterrado en el Panteón. Al morir en una bañera, David quería que su cuerpo estuviera sumergido en la bañera durante la procesión funeraria, pero el cuerpo había empezado a putrefactarse. En lugar de ello, el cuerpo de Marat fue periódicamente rociado con agua cuando la gente iba a ver su cuerpo, lleno de heridas enormes. La muerte de Marat quizá sea la obra de David más conocida. Al presentar la pintura a la Convención, dijo: «Ciudadanos, , el pueblo llamaba de nuevo a su amigo; su voz desolada fue oída: David, coge tus pinceles..., venga a Marat... Oí la voz del pueblo. Obedecí.» David tuvo que trabajar con rapidez, pero el resultado fue una imagen simple y poderosa.

Después de ejecutar al Rey, estalló la guerra entre la nueva república y virtualmente todo gran poder de Europa, y las guerras en las que Francia tuvo que luchar marcharon mal. El Comité de Salud Pública estaba encabezado por Robespierre. El comité era severo; María Antonieta fue condenada a la guillotina, acontecimiento consignado en un famoso dibujo de David. Durante el reinado del Terror, David organizó su últiva celebración: el festival del Ser Supremo. Robespierre se había dado cuenta de la extraordinaria herramienta propagandística que eran estas manifestaciones revolucionarias, y decidió crear una nueva religión, mezclando ideas morales con la república, basándose en ideas de Rousseau, con Robespierre como el nuevo sumo sacerdote. Se adoctrinaría a través de estas conmemoraciones, llamadas fêtes. El día señalado, 20 de prairial (por el nuevo [[Calendario republicano francés|calendario republicano francés]], Robespierre pronunció un discurso, descendió unos escalones, y con una antorcha que le entregó David, incineró una imagen sobre cartón simbolizando el ateísmo, revelando una imagen de la sabiduría debajo de él. La festividad apresuró la caída del «Incorruptible». Más tarde, algunos han visto los métodos de David asumidos por [[Lenin]], [[Benito Mussolini|Mussolini]] y [[Adolf Hitler|Hitler]]. Estos acontecimientos de propaganda masiva unía a la gente.

Pronto, la guerra comenzó a ir bien; tropas francesas marcharon a través de Bélgica, y ya no existía la urgencia que justificó la creación del Comité de Salud Pública. Entonces, conspiradores arrestaron a Robespierre en la Convención Nacional y lo guillotinaron, acabando así el reinado del terror en el que fueron ejecutadas miles de personas. Durante su arresto, David gritó a su amigo «si bebes cicuta, yo la beberé contigo». Después de esto, se supone que él cayó enfermo, y no acudió a la sesión de tarde, debido a un «dolor de estómago», lo que le salvó de ser guillotinado junto a Robespierre.

== Directorio ==
La muerte de Robespierre puso fin al periodo de terror y se entró en la última fase de la Revolución Francesa: el Directorio, cuyas autoridades ordenaron el arresto y encarcelamiento de David.

Estando en la cárcel, David pintó su autorretrato, más joven de lo que realmente era. Retrató igualmente a su carcelero. Después de que su mujer lo visitara en prisión, David concibió la idea de relatar la historia de las sabinas. Se dice que El rapto de las sabinas (acabado en 1799), que en realidad representa un momento posterior: la paz al interponerse las sabinas entre los combatientes, se pintó en honor a su esposa, siendo el tema de la obra el amor que prevalece sobre el conflicto. La pintura también fue vista como un ruego a la gente para que se unieran de nuevo después de la fase sangrienta de la Revolución.

Esta obra también hizo que atrajera la atención de [[Napoleón Bonaparte|Napoleón]]. La historia de la pintura es la siguiente: «Los romanos habían secuestrado a las hijas de sus vecinos, los sabinos. Para vengarse por este rapto, los sabinos atacaron Roma, aunque no de manera inmediata - puesto que Hersilia, hija de Tatius, el líder de los sabinos, se había casado con Rómulo, el líder romano, y ya había tenido dos hijos con él mientras tanto. Aquí se ve a Marsilia entre su padre y su marido al tiempo que pide a los guerreros de ambos lados que no separen a las mujeres de sus esposos o a madres de sus hijos. Otras mujeres sabinas se la unen en sus exhortaciones». Durante esta época, los mártires de la revolución fueron sacados del Panteón y enterrados en terreno común, y se destruyeron estatuas revolucionarias. Cuando David fue finalmente liberado, el país había cambiado. Su esposa consiguió que le sacaran de prisión, y él escribió cartas a su anterior esposa, y le dijo que nunca había dejado de quererla. Se volvió a casar con ella en 1796. Finalmente, completamente restaurado en su posición, cogió de nuevo alumnos y se retiró de la política.

== Napoleón ==
En una de las grandes coincidencias de la historia, la íntima asociación de David con el Comité de Salud Pública durante el Terror dio como resultado que firmara la muerte de un tal Alexandre de Beauharnais, un pequeño noble. La viuda de Beauharnais, Rose-Marie Josephe de Tascher de Beauharnais sería más tarde conocida mundialmente como Josefina Bonaparte, Emperatriz de los Franceses. Fue su coronación por su marido, Napoleón I, la que David representó tan memorablemente en la Coronación de Napoleón y Josefina, 2 diciembre de 1804.

David había admirado a Napoleón desde su primer encuentro, impresionado por los rasgos clásicos del por entonces General Bonaparte. Pidiendo que el ocupado e impaciente general posara para él, David fue capaz de obtener un esbozo de Napoleón en el año 1797. David documentó el rostro del conquistador de Italia, pero la composición completa del General Bonaparte sosteniendo el tratado de paz con Austria quedó sin acabar. Napoleón tenía a David en alta estima, y le pidió que lo acompañase a Egipto en 1798, pero David rechazó la proposición, sosteniendo que era demasiado viejo para aventuras y en su lugar envió a su estudiante, Antoine-Jean Gros.

Después del exitoso golpe de estado de Napoleón en el año 1799, como Primer Cónsul encargó a David que conmemorara su audaz cruce de los Alpes. El paso del San Bernardo le permitió a los franceses sorprender al ejército austriaco y obtener la victoria en la batalla de Marengo el 14 de junio de 1800. Aunque Napoleón había cruzado los Alpes sobre una mula, pidió que se le retratara «sereno sobre un fiero caballo». David cumplió con el Retrato ecuestre de Bonaparte en el monte San Bernardo. Después de la proclamación del Imperio en 1804, David se convirtió en el pintor de corte oficial del régimen.

Una de las obras que encargaron a David fue La coronación de Napoleón en Notre Dame. A David le permitieron ver el acontecimiento. Hizo que le llevaran planos de Notre Dame y los partícipes en la coronación acudieron a su estudio para posar individualmente, aunque nunca el Emperador (la única vez que David obtuvo un posado de él fue 1797). David consiguió que posasen privadamente para él la Emperatriz Josefina y la hermana de Napoleón, Carolina Murat, a través de la intervención del anteriormente patrón de las artes, Mariscal Joaquín Murat, el cuñado del Emperador. Para el fondo, David hizo que el coro de Notre Dame como personajes extras. El Papa posó para la pintura, y de hecho bendijo a David. Napoleón acudió a ver al pintor, se quedó mirando fijamente el lienzo durante una hora y dijo «David, te rindo homenaje». David tuvo que rehacer varias partes de la pintura debido a varios caprichos de Napoleón, y por esta pintura, David recibió sólo 24.000 francos.

== Exilio ==
Después de que los [[Casa de Borbón|Borbones]] regresaran al poder, David se encontró en la lista de proscritos por revolucionarios y bonapartistas, pues había votado a favor de la ejecución de Luis XVI y probablemente tuvo algo que ver con la muerte de Luis XVII. El nuevo rey borbón, Luis XVIII, sin embargo, le amnistió e incluso le ofreció un cargo como pintor de corte. David rechazó su oferta, prefiriendo en lugar de ello exiliarse en Bruselas, Bélgica. Allí, pintó Amor y Psique (1817) y vivió hasta sus últimos días tranquilamente con su esposa, con la que se había vuelto a casar. Durante este tiempo, se dedicó principalmente a cuadros a escala menor de escenas mitológicas y retratos de bruselenses y emigrados napoleónicos, como El general Gérard (1816).

Su última gran obra, Marte desarmado por Venus y las Gracias lo empezó en 1822 y lo acabó el año anterior a su muerte. «David quería superarse una vez más. En diciembre de 1823, escribió:

:Esta es la última pintura que deseo pintar, pero quiero superarme en ella. Pondré el dato de mis 75 años en ella y después nunca volveré a coger el pincel

El tema se tomó de la mitología griega... David fue fiel a la leyenda... El colorido es traslúcido y perlado, como una pintura sobre porcelana.»

La pintura se mostró primero en Bruselas y luego fue enviada a París, donde los que habían sido alumnos de David acudieron en gran número a ver la pintura. Los expositores lograron un beneficio neto de 13.000 francos, lo que significa que hubo más de 10.000 visitantes, un número muy elevado para la época.

Cuando David salía del teatro, fue golpeado por un carruaje y murió más tarde de deformaciones en el corazón, el 29 de diciembre de 1825. Después de su muerte, algunos de sus retratos se vendieron en subasta en París, por precios muy bajos. Su famoso lienzo de Marat se mostraba en una sala especial retirada, para no enfurecer al público. No se permitió que el cuerpo de David regresara a Francia, a pesar de las peticiones de su familia, por la intervención que David tuvo en la ejecución de Luis XVI y por lo tanto fue enterrado en Bruselas, pero su corazón fue llevado a Père Lachaise, París.

== Obras ==
Sus principales obras son:
*La muerte de Séneca, 1773, Petit Palais, París
*San Roque intercediendo ante la Virgen por la curación de los apestados, 1780, Museo de Bellas Artes, Marsella
*El dolor y los lamentos de Andrómaca sobre el cuerpo de Héctor, 1783, École nationale supérieure des Beaux-arts, París
*Belisario, 1784, Museo del Louvre, París
*El juramento de los Horacios, 1784, Museo del Louvre, París
*La muerte de Socrates, 1787, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
*Lavoisier y su esposa, 1788, Museo Metropolitano, Nueva York
*Los lictores llevando a Bruto los cuerpos de sus hijos, 1789, Museo del Louvre, París
*La condesa de Sorcy-Thélusson, 1790, Alte Pinakothek, Múnich
*El juramento del Juego de Pelota (esbozos de 1791), Museo nacional del castillo de Versalles
*La muerte de Marat, 1793, (Museos reales de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas)
*Las sabinas (cuadro relacionado con la leyenda romana del rapto de las sabinas), 1799, Museo del Louvre, París
*Napoleón cruzando los Alpes, 1799, Museo Nacional del Castillo de Malmaison, Yvelines
*Madame Récamier, 1800, Museo del Louvre, París
*La coronación de Napoleón, 1805-1807, Museo del Louvre, París
*Retrato de Napoleón en su gabinete de trabajo, 1812, Galería Nacional de Arte, Washington DC
*Leónidas en las Termopilas, 1814, Museo del Louvre, París.

== Filmografía ==
Danton (A. Wajda, Francia, 1982) - Drama histórico (muchas escenas incluyen a David como un personaje no hablado mirando y dibujando. Se centra en el periodo del Terror).

== Enlaces externos ==
*[http://commons.wikimedia.org/wiki/Jacques-Louis_David Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Jacques-Louis David].Commons

==Galería==
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Imagen:Jacques-Louis David- Andromaca.JPG|El dolor y los lamentos de Andrómaca sobre el cuerpo de Héctor, École nationale supérieure des Beaux-arts, París(1783)
Imagen:Helene Paris David Paris y Helena 1788.jpg|Paris y Helena (1788)
Imagen:Jacques-Louis David - Marte desarmado por Venus 1824.JPG|Marte desarmado por Venus (1824)
Imagen:Jacques-Louis David -La colera de Aquiles 1825.jpg|La cólera de Aquiles (1825)
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Jacques-René Hébert

2024-01-30T03:47:59Z

Csuarezllosa:

'''Jacques René Hébert''', político, revolucionario y periodista francés (Alençon, 15 de noviembre de 1757 - París, 24 de marzo de 1794) era editor del Periódico radical Le Père Duchesne (El Padre Duchesne) durante la [[Revolución francesa]].

Sus seguidores eran conocidos como Hebertistas. Él mismo era llamado algunas veces Père Duchesne como su periódico.
[[Imagen:Jacques-Rene Hebert.jpg|200px|right]]
== Inicios ==
Hijo del joyero Jacques Hébert (muerto en 1766) y de Marguerite Beunaiche de La Houdrie (1727-1787). Nacido en Alençon y miembro de una familia burguesa, fundó el diario Le Pére Duchesne (1790), el cual acabó dos años después por representar a los intereses revolucionarios más radicales de izquierda.
== Ingreso al Club de los Cordeliers ==
En 1791, ingresó en el Club de los Cordeliers donde ejerció notable influencia, y, dos años más tarde, resultó nombrado sustituto del procurador de la Comuna de París. El 22 de diciembre de 1792, se nombra segundo sustituto del Fiscal de la comuna de París. Durante abril y mayo de 1793, Hébert es de los que acusan a los Girondinos de traidores al pueblo. Su renombre y popularidad se refuerzan notablemente, y logra transformarse en uno de los jefes de la Revolución en marcha. De ideología anticlerical, antinobiliaria y antimonárquica, logra el respaldo de los sectores más izquierdistas. Pese a ser hostil al catolicismo, mencionó a [[Jesús de Nazaret|Jesús]] como "el mejor jacobino", por haber militado, según Hebért, a favor de "la beneficencia, la fraternidad, la libertad, la igualdad, el menosprecio de las riquezas".

Tiempo después, pasó a ser el jefe de la facción radical de los montagnards (miembros del ala izquierda del partido conocido como ‘La Montaña‘) desde junio de 1793, después de haber sido arrestado por sus ataques a los girondinos.
== Radicalización ==
Tras la muerte de Jean-Paul Marat, su ideología tiende a radicalizarse cada vez más. Los días del 4 y 5 de septiembre de 1793, dónde los sans-culottes invaden la Convención y le imponen la aplicación del Terror, son un éxito personal para Hébert. De septiembre de 1793 a enero de 1794, influye continuamente en la Asamblea para la sanción de distintas leyes (Ley de los sospechosos, Ley del máximo general).

Fue un militante convencido a favor de la condena a muerte de María Antonieta, por distintos delitos. La virulencia de sus propuestas políticas alarmaron al propio [[Maximilien Robespierre]], a quien Hébert tildaba de conservador. Su descontento con Robespierre se acentuó cuando este último decretó la libertad de culto sobre el ateísmo.
== Matrimonio ==
El 7 de febrero de 1792, Hébert contrajo matrimonio con Marie Marguerite Françoise Hébert (nacida Goupil), exreligiosa del convento de la Concepción (rue Saint Honoré). Tuvieron una hija entre ambos, Scipion - Virginia (7 de febrero de 1793-13 de julio de 1830).
== Muerte ==
Fue arrestado el 14 de marzo de 1794 y, tras ser condenado a morir en la guillotina, se le ejecutó diez días más tarde en París. Su esposa también fue guillotinada.
== Enlaces externos ==
*[http://es.wikisource.org/wiki/Jacobo_Ren%C3%A9_Hebert_%28Juicios%29 Juicio de Napoleón sobre Jacques-René Hébert].

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Jacques Lacan

2024-01-30T03:47:03Z

Csuarezllosa:

[[Imagen:Jacques Lacan.jpg|250px|right]]
'''Jacques-Marie Émile Lacan''' (París, [[13 de abril]] de [[1901]] - París, [[9 de septiembre]] de [[1981]]). Psiquiatra y psicoanalista francés.

==Biografía ==
Su aportación práctica trata de la importancia de la expresión verbal en la cura. Además de enriquecer el psicoanálisis con una reflexión sobre la lingüística —según él, el inconsciente se interpreta como un lenguaje— se interesó en la antropología estructural.

Preconizó un regreso a la ortodoxia de las teorías de [[Sigmund Freud|Freud]], a contracorriente de la evolución mayoritaria de entonces. Trató de dar bases filosóficas sólidas al psicoanálisis, reinventó los grandes términos psicoanalíticos y reabordó los grandes casos freudianos, aportándoles sus reflexiones.

Sus ambiciones eran de transformar progresivamente su doctrina en un sistema cerrado, y convertir al psicoanálisis en una ciencia exacta basada en las matemáticas, concretamente la topología de los nudos borromeos.

Estas aportaciones han sido criticadas por autores como Alan Sokal y Jean Bricmont por considerar que no es realista sustentar una teoría psicoanalítica sobre bases matemáticas (las exigencias de rigor no son las mismas).

En Francia y Argentina, su aportación fue un hito, y los psicoanalistas se dividen hoy entre lacanistas y no lacanistas. En el resto del mundo se reconoce la importancia de sus trabajos, aunque no tiene tantos seguidores.

Su obra es poco accesible, pues Lacan padecía ciertas inhibiciones de escritura (su estilo es sumamente barroco y complicado) agravada por una afasia parcial. Parte de su doctrina estaba pues vinculada a sus trastornos personales.

Fue director del departamento de psicoanálisis de la Universidad de París VIII, en 1974. También fundó la revista Scilicet.

El Seminario, que ofreció en público entre [[1953]] y [[1979]] y es uno de sus más importantes legados, está compuesto básicamente por las trancripciones de sus grabaciones magnetofónicas.

Algunos de los veinticinco seminarios han sido establecidos por su yerno, Jaques-Alain Miller. El vigesimosexto ha sido llamado el silencioso debido a la afasia de Lacan desde [[1978]].

Otro de sus grandes compendios lo constituyen los Escritos, reunidos y editados en [[1966]] por Françoise Walil.

Al final de su vida sufrió trastornos cerebrales y murió de un tumor maligno en el colon.

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[[Categoría:Nacidos en Francia|Jacques Lacan]]
[[Categoría:Fallecidos en 1981|Jacques Lacan]]
[[Categoría:Fallecidos en Francia|Jacques Lacan]]
[[Categoría:Psicólogos del siglo XX|Jacques Lacan]]

Imperio romano

2024-01-30T03:38:36Z

Csuarezllosa:

El Imperio fue una forma de gobierno de la Roma Antigua en vigencia desde 27 adC hasta 476 dC.

==Marco histórico==
Tras la caída de la República romana el gobierno de Roma y todos sus dominios está nuevamente en las manos de una única persona, que no toma el título de rey, sino que gobierna bajo la apariencia de las instituciones republicanas. Es el princeps (título civil) o imperator (título militar).
Retrato de Octavio Augusto

Tras la muerte de César, el Senado romano intenta recupera el poder. Estalló una guerra civil entre la República, con Bruto; y los seguidores de César, con Marco Antonio al frente. Octavio fue elegido por el Senado para hacer la guerra a Marco Antonio. Durante la guerra mueren los cónsules. Octavio presenta su candidatura, pero al ser rechazada toma Roma; y se proclama Cónsul. Pero sus escasos apoyos no le permiten gobernar solo y se alía con Marco Antonio y Lépido formando el así llamado Segundo Triunvirato. Esta vez no secreto como el Primero sino legal, y con impérium, lo que les permitió dictar leyes y nombrar magistrados. Las tensiones entre los triunviros degeneran en guerras, de las que sale victorioso Octavio ante Marco Antonio, pero como defensor del régimen republicano. El inevitable enfrentamiento concluirá con la victoria de Octavio en la batalla naval de Actium, iniciando el época imperial.

Octavio no podía hacerse rey, pero el Senado estaba desacreditado. Octavio hizo que el Senado le concediese poderes suficientes para ser jefe del Estado: el princeps. En el 27 adC abandonó sus poderes, pero tras las súplicas del Senado aceptó el gobierno de las provincias no pacificadas. Esto le confería imperium, y el Senado le concedió el título de augusto (el título de imperator se lo otorgaron sus tropas y sería el utilizado, preferentemente, por sus descendientes). Se consolidaron así dos tipos de provincias: las senatoriales y las imperiales. Las senatoriales gobernadas por el Senado y que pagaban al erario, y las imperiales gobernadas por el emperador y que pagaban al fisco. Las ciudades tenían un régimen jurídico diferente. En el 23 adC desmonta una conjura contra él y tras ello hace que su imperium es extienda a todas las provincias y a la misma Roma. Octavio fue dueño del Estado. Asumió el cuidado de los servicios esenciales: vías públicas, policía, aprovisionamiento, etc. Para ello creó una burocracia funcionarial especializada. Lépido, que había estado apartado, muere en el 12 a.C. y se le conceden a Octavio sus títulos.

Al asumir las magistraturas republicanas Octavio no daba la imagen de rey, pero tenía poderes absolutos. Todos los poderes se le concederán en virtud de su auctoritas, que le reconoce el Senado por su carisma, gracias a su habilidad política. Octavio pacificó el imperio y en el 29 adC cerró las puertas del templo de Jano proclamando la «paz romana». En el año 2 adC el Senado le nombra páter patriae, y tendrá el beneplácito divino. El título imperial se hizo hereditario.

Hubo varias, dinastías como la de los Julios-Claudios, los Flavios, los Antonios y los Severos. Periodos de anarquía como los años 235 al 284, en los que el ejército quitaba y ponía emperadores. Diocleciano, un emperador puesto por el ejército, recuperó la autoridad moral y estabilizó el Estado. Las continuas luchas por el poder imperial llevarán a Roma a un período de anarquía en el que se reconocerán hasta cuatro emperadores: la tetrarquía.

Con la llegada del cristianismo (313) el emperador se comienza a titular dóminus, por influencia germánica, con lo que se rompe la tradición romana. El cristianismo se implanta como ideología en toda la sociedad.
[escribe] El Estado imperial
Retrato de Tiberio

Octavio muere en el año 14 y hereda el Imperio Tiberio. Se abre, así, el periodo más largo de la historia de Roma, en la que el emperador es la figura central del régimen. Tendrá los títulos de césar, imperator, princes, augusto y otros.

Tenía poder absoluto, y asumía alguna magistratura. Poseía amplios recursos económicos, procedentes de las provincias imperiales y su patrimonio personal. Y tenía derecho a nombrar a su sucesor, aunque debían estar apoyados por el ejército, que en épocas de anarquía quitaba y ponía emperadores. Los sucesores tendieron a divinizarse, incluso en vida, según el culto a los muertos.

El Senado romano continúa funcionando como en la república, pero su poder va decreciendo alarmantemente. Da al régimen una imagen de legalidad aunque no tiene ninguna autoridad.

Las continuas purgas de senadores hacen de él una institución sin oposición al emperador. Sus miembros pertenecen a una oligarquía que tiene el favor del emperador, ya que es él quien controlaba el acceso al Senado.

Las asambleas del pueblo perdieron toda relevancia. Teóricamente mantuvieron su función electoral pero no elaboraba las listas de candidatos.

Las magistraturas republicanas se mantuvieron, pero perdieron sus funciones y su importancia política, al estar sometidas al emperador, que era quien las nombraba.

Los funcionarios imperiales fueron los que administraron el régimen. Tuvieron a su cargo el gobierno. Eran nombrados por el emperador y sus facultades dependían de lo que este quisiera ordenarles, y por un tiempo indefinido; por esto cesan con la muerte del emperador. Reciben un salario.

Los más importantes tienen el nombre de prefectos. El prefecto pretoriano es el jefe de la guardia personal, el prefecto urbi fue el representante del emperador en la ciudad y el jefe de la policía, el prefecto vigílium se ocupaba del orden público, y el prefecto annonae se encargó del aprovisionamiento.

De rango inferior fueron los procuradores, encargados de las más variadas funciones.

El Consilium Príncipis, o Consejo Imperial, es uno de los órganos de gobierno más importantes. Estuvo integrado por personas de confianza del emperador. Actuaba en toda clase de asuntos como la administración de justicia, cuestiones militares, política exterior e interior, finanzas, etc.

La Cancillería Imperial se ocupó de todos los asuntos privados que debía resolver el emperador. Atendió la correspondencia, el archivo, los sellos, la secretaría privada, la administración, etc. La cercanía al emperador les dio mucha influencia política.

== Dinastías==
==La dinastía Julio-Claudia (27 adC - 68 dC)==
* Augusto
* Tiberio
* Calígula
* Claudio
* Nerón

El año de los Cuatro emperadoresTras la muerte de Nerón, en el año 69 d.C. se suceden 4 emperadores apoyados por las diversas legiones de la frontera o aclamados por la guardia pretoriana. Son Galba, Otón, Vitelio y finalmente Vespasiano.
[escribe] La dinastía Flavia (69-96)

Tras hacerse con las riendas del imperio, Vespasiano gobernará hasta su muerte durante 10 años (69 d.C-79 d.C). Le sucederá su malogrado hijo mayor Tito hasta el año 81 d.C. siendo el máximo hito de su principado la inauguración del Anfiteatro de los Flavios (luego conocido como Coliseo). Tras su muerte, será sustituido por su hermano menor Domiciano.

Su principado terminará en una conjura para eliminarlo, siendo el cargo de princeps transitoriamente ejercido por el anciano senador Nerva, con la condición que lo transfiera al entonces brillante y joven general Trajano.

==La dinastía de los Antoninos (98-192)==
* Trajano
* Adriano
* Antonino Pío
* Marco Aurelio
* Cómodo

==La dinastía de los Severos (193-235)==
* Septimio Severo
* Caracalla
* Heliogábalo
* Alejandro Severo

==La anarquía militar (235-305). Aureliano==
==La tetrarquía de Diocleciano==
==Constantino y el ascenso del Cristianismo==

Fundación de Constantinopolis, la Nueva Roma (Constantinopla).
==[[Teodosio]]==

Dividió el imperio entre sus hijos Flavio Augusto Honorio (Imperio Romano de Occidente) y Arcadio (Imperio Romano de Oriente). Tras su muerte se inician las invasiones de pueblos germánicos.

==Justiniano==
==La caída del Imperio romano==

Los pueblos germánicos venían acosando las fronteras del Imperio romano desde el siglo I. Eran pueblos nómadas o seminómadas con una sociedad estratificada: nobles, libres, libertos y esclavos. El rey se elegía entre un miembro de las familias nobles. Los hombres libres juraban fidelidad personal al jefe, y esta era la base de su poder. El contacto con los romanos hizo que estos pueblos comenzasen a comerciar y a civilizarse, y en el siglo II terminaron por confederase para luchar contra los romanos. Sin embargo, mientras el poder de Roma fue sólido, no supusieron más que una molestia. Pero a mediados del siglo III la situación política en Roma era caótica; incluso llegó a haber cuatro emperadores simultáneamente. Los pueblos germánicos, francos y alamanes, hicieron incursiones destruyendo los campamentos y las ciudades romanas hasta el norte de África. Debido a estas incursiones se amurallaron las ciudades, lo que contribuyó a que decayese la calidad de vida en ellas. Sin embargo, estas no pasaron de ser unas incursiones de rapiña, más que invasiones, ya que no pudieron asentarse en el territorio. Más importancia tuvo la infiltración pacífica. Muchos germanos se establecieron como colonos en el territorio del Imperio, en las ciudades como siervos y en el ejército como soldados, llegando a ser la guardia personal del emperador, que con el tiempo estuvo en sus manos. Esto romanizó muchos las costumbres de los pueblos bárbaros, que llegaron a adoptar el latín como lengua, la religión romana y la moneda. Pero, también, entre los romanos se empezaron a introducir costumbres bárbaras, como la fidelidad al jefe. En el año 380 por el Edicto de Tesalónica el cristianismo se convierte en la religión oficial del Imperio [1] y los pueblos germánicos comienzan a cristianizarse. En el 330 Roma tiene una nueva capital: Constantinopla. La crisis dentro del Imperio es absoluta.

Entre las causas que se han invocado para el comienzo de la invasión germánica (no suficientemente explicadas) están: el empeoramiento del clima en el norte, la explosión demográfica de los pueblos bárbaros, el nomadismo de estos, y la presión de los pueblos asiáticos, hunos sobre todo (que llegaron a invadir el Imperio). Entre las causas de su triunfo están: la superioridad militar, el establecimiento anterior de población germánica y la crisis de las instituciones políticas romanas.

==División==
* Imperio Romano de Occidente
* Imperio Bizantino, llamado inicialmente, Imperio Romano de Oriente.

Las grandes invasiones comenzaron en el 401, con la irrupción de los vándalos. Luego llegaron los visigodos, en el 403, los suevos, en el 406, los burgundos, en el 409, y en el 410 los visigodos de Alarico saquean Roma. Esta vez las invasiones no fueron simples razias, sino que los saqueadores se asentaron en el territorio: los suevos en la Gallaecia, los visigodos en Hispania, los francos en Galia, los ostrogodos en Italia, los brugundios en los Alpes, los vándalos en Mauritania, etc. La crisis política romana era tal que los visigodos llegaron a combatir en nombre el Imperio romano. En el 476 el Imperio romano había sucumbido en Occidente, aunque se mantendría en Oriente, donde la capital era Constantinopla. Sin embargo, subsistieron algunas instituciones como la Iglesia y el papado que fue el vínculo de continuidad, y legitimidad, entre el Imperio y los nuevos reinos. Pero el Estado había desaparecido ante los vínculos de fidelidad personal que estructuraban la sociedad germánica. A pesar de la aparente rapidez con que se suceden los hechos, el proceso de desmoronamiento del Imperio romano no fue cosa de un día, ni siquiera de una generación.

[[Categoría:Historia]]
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Impresionismo abstracto

2024-01-30T03:37:21Z

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El arte '''impresionismo abstracto''' es un movimiento pictórico contemporáneo, dentro de la abstracción (que no se confunde con expresionismo abstracto, un movimiento parecido pero distinto), donde se emplean brochadas pequeñas para construir y estructurar grandes cuadros. Brochadas pequeñas exponen control de grandes áreas, expresando la emoción y enfoque del artista en la energía interna, y a veces contemplación, creando calidades expresivas, líricas y pensativas en los cuadros. Las brochadas son parecidas de las de los impresionistas como [[Claude Monet|Monet]] y los [[Postimpresionismo|posimpresionistas]] como [[Vincent Van Gogh|van Gogh]] y [[Georges Pierre Seurat|Seurat]], aunque tiendan hacia el expresionismo abstracto. Aunque en el estilo de pintura de acción del expresionismo abstracto las brochadas a menudo fueron grandes y llamativos y se aplicaba la pintura en un flujo rápido de emoción y energía, las brochadas cortas e intensas o aplicación no tradicional de las pinturas y texturas de los impresionistas abstractos se hacen lentamente y con propósito, empleando el paso del tiempo como una ventaja y una técnica. Milton Resnick, Sam Francis, Richard Pousette-Dart y Philip Guston fueron pintores del estilo impresionismo abstracto durante los años 1950. El artista canadiense Jean-Paul Riopelle ayudó a introducir el impresionismo abstracto a Paris durante los [[años 1950]].

Elaine de Kooning acuño el término "impresionismo abstracto"1 y de pronto fue empleado por el crítico Louis Finkelstein en un esfuerzo distinguir para la diferencia entre las dos formas a Philip Guston. La diferencia primaria se encuentra en el enfoque. Sin embargo, la similitud entre las dos formas es en el resultado final - lo que es aceptable como un cuadro terminado. Manu Max utilizó el término proveniente de “impresión abstracta”, porque causa la impresión de un cambio de algo que no ha dejado de ser totalmente, transformándolo en algo opuesto que no se termina de cambiar completamente.

Lawrence Alloway fue comisario de una exposición del mismo nombre en 1958 e incluyó, entre otros a Bernard Cohen, Harold Cohen, Sam Francis, Patrick Heron y Nicolás de Staël. Un heredero contemporáneo del estilo impresionista abstracto es William Duvall, cuyos cuadros eco-abstractos se hacen al aire libre.

[[Categoría:Movimientos artísticos]]
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Ignacio Gallego

2024-01-30T03:31:18Z

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[[Imagen:Ignacio Gallego.jpg|250px|right]]

'''Teodoro Ignacio Gallego Bezares''' (Siles, Jaén, [[1914]] - Madrid, [[23 de noviembre]] de [[1990]]) fue un político [[Comunismo|comunista]] español, abuelo del escritor Rubén Gallego.

Hijo de un alpargatero, empezó a trabajar con apenas siete años al quedar huérfano de padre. Casi no fue a la escuela y a los 16 años era porquero. Ingresó en la banda de música de su pueblo y aprendió a leer y a escribir y algo de solfeo. Se trasladó a Jaén para trabajar como mecánico. Ganó una beca para estudiar en la Escuela Industrial. Ingresó en las [[Juventudes Socialistas de España|Juventudes Socialistas]] y pronto fue secretario provincial de Jaén.

En la [[Guerra Civil Española]] se alistó en el II Batallón de Milicias de Jaén con el grado de comandante. En 1937 era uno de los secretarios de la Comisión Ejecutiva Nacional de las [[Juventudes Socialistas Unificadas]] fruto de la unión de las Juventudes Comunistas y Juventudes Socialistas, y trabajando en Jaén, Barcelona, Madrid y Valencia, defendiendo una posición comunista.

En los últimos momentos de la guerra, bajo la orden de Palmiro Togliatti, pasó al exilio, primero en la Argelia francesa. Estuvo en la cárcel y en un campo de concentración. Poco antes del fin de la [[Segunda Guerra Mundial|II Guerra Mundial]], al igual que [[Dolores Ibárruri]], fijó su residencia en París. Fue soldado del Ejército Rojo durante la [[Segunda Guerra Mundial]]. Fue expulsado de Francia en 1950 y permaneció en Paris clandestinamente hasta 1976, viajando clandestinamente a España durante todo el periodo. En Rusia una de sus hijas dio a luz gemelos, uno de los cuales murió. El otro, el que sería escritor Rubén Gallego, quedó paralítico cerebral y fue ingresado en una institución para niños minusválidos con acuerdo de sus padres, y a menudo abandonado por ellos, que ambos emigraron de la Unión Soviética.

Fue elegido miembro del Comité Ejecutivo de la Federación Mundial de la Juventud Democrática en 1945. En 1948 era miembro del Comité Central del [[Partido Comunista de España]]. En 1955, en el V Congreso del PCE, entró en su Comité Ejecutivo.

Regresó a España en 1976 de forma clandestina y apareció públicamente el día de la legalización del PCE (25 de abril de 1977). Fijó su residencia en Madrid y fue elegido diputado al Congreso de los Diputados por la [[Provincia de Córdoba (España)|provincia de Córdoba]] en las elecciones generales de 1977 y 1979. Cabeza visible del sector llamado prosoviético del PCE, dimitió como miembro del Comité Ejecutivo y del Comité Central en octubre de 1983, formando en enero de 1984 junto a otros grupos el [[Partido Comunista de los Pueblos de España]], del que fue elegido secretario general y posteriormente presidente.

En 1986 fue uno de los firmantes del nacimiento de la coalición [[Izquierda Unida]]. Fue elegido diputado por Málaga como cabeza de lista de IU en las elecciones generales celebradas ese año. Sin embargo, en noviembre de 1988 fue destituido como presidente del PCPE por propugnar la unidad con el PCE, y en enero de 1989 regresó al PCE junto a la mayoría de cargos públicos, dirigentes y militantes del PCPE.

[[Categoría: Nacidos en 1914|Gallego Ignacio]]
[[Categoría: Nacidos en Siles|Gallego, Ignacio]]
[[Categoría: Fallecidos en 1990|Gallego Ignacio]]
[[Categoría: Fallecidos en Madrid|Gallego Ignacio]]
[[Categoría: Diputados Nacionales del siglo XX|Gallego, Ignacio]]
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Ignacio Ochoa de Olza Sanz

2024-01-30T03:29:11Z

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[[Imagen:Ignacio Ochoa de Olza Sanz.jpg|200px|right]]
'''José Ignacio de Ochoa Olza Sanz''', conocido en los ambientes literarios como '''Iñaki Desormais'''. Nace en Pamplona el [[29 de marzo]] de [[1940]]. Se licenció en Derecho por la Universidad de Zaragoza en [[1962]] y alcanzó el doctorado por la Universidad de Valladolid en [[1977]]. Licenciado en Ciencias de la Información por la Universidad de Navarra en [[1980]]. Diplomado en Comunidades Europeas por la Escuela Diplomática Española, diplomado por el Instituto Español de Turismo, diplomado en Estudios Hispanoamericanos por la Universidad de Verano de La Rábida (Huelva). Profesor de Sociología en la Universidad de Navarra ([[1969]]-[[1973]]), profesor de Psicología Social en la Escuela de Turismo de Pamplona, profesor de la UNED. Ha sido secretario provincial de Información y Turismo en Guipúzcoa ([[1964]]-[[1968]]), vicesecretario de la Cámara de Comercio de Navarra por concurso ([[1971]]-[[1972]]). Corresponsal general de Radio Nacional de España en Navarra ([[1969]]-[[1984]]). Jefe de Administración y de Planificación en la delegación provincial del Ministerio de Educación y Ciencia en Navarra y secretario general de dicho organismo ([[1980]]-[[1987]]).

Ha obtenido numerosos premios en certámenes de poesía, entre ellos el ciudad de Guadalajara, Club 63 de Jaén, Bergamín del Diario Egin, Ministerio de Educación y Ciencia, Juan Bernier del Ateneo de Córdoba, Sociedad Bilaketa de Aoiz, Amantes de Teruel, Dama de Elche, Barakaldo, Palma del río (Córdoba), Ciudad de Viana, etcétera.

== Publicaciones ==
*''Matad al Dinosaurio''.
*''Antología del desamparo''.
*''El tendido de Sol'' (con Gabriel Imbuluzqueta Alcasena, José A. Iturri y Patxi París).
*''Después de la quimera''.
*''Ea,Bunker, ea, ea, ea'' ([[1979]]).
*''[[Pájaro de ojos ciegos]]'' ([[II Premio de Poesía Juan Bernier]]. ([[Colección Polifemo]]. Córdoba, [[1986]]).
*''Levitación desde el caos'' ([[1987]]).
*''Tiempo provisional'' ([[1988]]).
*''La perfección de Frankestein'' ([[1989]]).
*''Adiós, Pamplona/Agur Iruñea'' ([[1990]]).
*''Cinerario de risas ardientes'' ([[1991]]).
*''Gesto de amor en la memoria'' ([[1991]]).
*''El yelmo de Mambrino'' ([[1997]]).
*''Baroja sin escaparate'' (Colectiva) ([[2006]]).

[[Categoría:Poetas del siglo XX|Ochoa de Olza Sanz, Ignacio]]
[[Categoría:Poetas del siglo XXI|Ochoa de Olza Sanz, Ignacio]]
[[Categoría:Políticos de ámbito provincial del siglo XX|Ochoa de Olza Sanz, Ignacio]]
[[Categoría:Profesores universitarios del siglo XX|Ochoa de Olza Sanz, Ignacio]]
[[Categoría:Nacidos en 1940|Ochoa de Olza Sanz, Ignacio]]
[[Categoría:Nacidos en Pamplona|Ochoa de Olza Sanz, Ignacio]]
{{GalarJBernierAccesit|Ochoa de Olza Sanz, Ignacio|II}}
{{GalarFiambreras|Ochoa de Olza Sanz, Ignacio|Convocatoria Extraordinaria de 1988|Año 1988}}

Igor Bondarevsky

2024-01-30T03:25:56Z

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[[Imagen:Igor Bondarevsky.jpg|250px|right|thumbnail]]
'''Ígor Zajárovich Bondarevski''' И́горь Заха́рович Бондаре́вский ([[12 de mayo]] de [[1913]], Rostov del Don (Rusia) - [[14 de junio]] de [[1979]], Piatigorsk) fue un [[Gran Maestro Internacional]] de ajedrez soviético en tablero y por correspondencia. También es Árbitro Internacional, entrenador y autor de libros de ajedrez. Bondarevski compartió el título soviético en 1940 y después entrenó al Campeón del Mundo Borís Spaski.

==Primeros años==
Ígor Bondarevski jugó el 5º Campeonato de Rusia en Gorki (1935), haciendo 4/9 por la 6-7ª plaza, el ganador fue Aleksandr Tolush. Ganó el Torneo de Primera Categoría All-Union First Category en Leningrado (1936), con 11.5/14, invicto con dos puntos de diferencia con el segundo clasificado. Bondarevski luchó en Moscú (1937), su primer evento internacional, haciendo sólo 2.5/7 empatando por la 7-8ª plaza, el vencedor fue Reuben Fine. Pero se recuperó con una sólida actuación en su primera final del 10º Campeonato de la URSS de ajedrez en Tiflis (1937), con 9.5/19 compartiendo la 10-12ª posición, el ganador fue Grigory Levenfish. Bondarevski se clasificó para las semifinales del 11º Campeonato de la URSS de ajedrez de 1938 con 10.5/17, compartiendo la 3-4ª plaza, el vencedor fue Mijaíl Botvínnik. Otro resultado decepcionante fue en el fuerte torneo internacional Leningrado/Moscú de 1939 con sólo 5/17 ocupando la 17ª plaza, el vencedor fue Salo Flohr. Pero él fue ganando experiencia contra los jugadores de élite y mereció la pena en los años sucesivos.

==Jugador de élite, Campeón soviético==
Bondarevski disfrutó del nivel de élite soviética con la 6ª plaza en el 11º Campeonato de la URSS de ajedrez en Leningrado (1939), con 10/17, el vencedor fue Mijaíl Botvínnik. Esto le eximió de la clasificación para la siguiente final del campeonato soviético. Bondarevski alcanzó su pico en su carrera compartiendo el título soviético del 12º Campeonato de la URSS de ajedrez en Moscú (1940), junto con Andor Lilienthal. Esto le clasificó en el Campeonato Absoluto de la URSS de 1941, realizado en Leningrado y Moscú, junto al ganador final Mijaíl Botvínnik, al subcampeón Paul Keres, Isaak Boleslavski, Vasili Smyslov y Andor Lilienthal. Este fue uno de los torneos más fuertes disputados hasta ese momento, con seis de los 15 jugadores más fuertes del mundo. Botvínnik ganó, con Bondarevski en la sexta plaza.

Bondarevski jugó el Torneo interzonal de 1948 en Saltsjobaden, empatando por las plazas 6-9 y clasificándose para el Torneo de candidatos de Budapest de 1950, pero debido a una enfermedad no pudo jugar. Bondarevski fue nombrado Gran Maestro Internacional en 1950 por la FIDE en su lista inaugural. Recibió el título de Árbitro Internacional en 1954 y el título de Gran Maestro de Ajedrez por Correspondencia en 1961. Él fue economista de profesión.

==Entrenador del Campeón del Mundo==
No sólo fue un jugador destacado, sino que entrenó a Borís Spaski durante su ascensión hasta ser Campeón del mundo de ajedrez, empezando a principios de los años 1960 y culminando con la victoria de Spaski sobre Tigran Petrosian en el match por el título de 1969.

Su mujer, Valentina Kozlovskaya, también fue una notable jugadora de ajedrez.

[[Categoría:Ajedrecistas del siglo XX|Igor Bondarevsky]]
[[Categoría:Grandes maestros internacionales de ajedrez|Igor Bondarevsky]]
[[Categoría:Nacidos en Rusia|Igor Bondarevsky]]
[[Categoría:Nacidos en 1913|Igor Bondarevsky]]
[[categoría:Fallecidos en 1979|Igor Bondarevsky]]
[[categoría:Fallecidos en Rusia|Igor Bondarevsky]]
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Ignacio Carral

2024-01-30T03:21:16Z

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[[Imagen:Ignacio Carral La Estampa 1930.png|250px|right|thumbnail]]
'''Ignacio Carral de la Torre''' (Segovia, [[8 de octubre]] de [[1897]] - Madrid, [[1 de octubre]] de [[1935]]) fue un periodista español.

==Biografía==
Procedente de una familia acomodada de raíces segovianas (Cuéllar, La Granja), uno de sus abuelos fue alcalde de la capital y el otro de La Granja. Su padre era funcionario en la Diputación provincial. Ignacio, tras finalizar el bachillerato, marchó a Madrid con el deseo de cursar ingeniería de Montes, pero tras dos años preparándose no consiguió superar el examen de ingreso. Regresó a Segovia y se inició en el periodismo local al tiempo que trabó amistad y afinidad literaria e intelectual con la tertulia segoviana de [[Fernando Arranz]], [[Antonio Machado]], [[Blas Zambrano]], [[Mariano Quintanilla]] o Julián María Otero, entre otros. Poco después volvió a Madrid para cursar Filosofía y Letras, carrera que finalizó en 1920, obteniendo plaza como profesor ayudante en el Instituto Cardenal Cisneros. Su trabajo como profesor no le apartó de la vocación como periodista. Así, compagina la enseñanza con trabajos en prensa. En la ciudad castellana escribe en el semanario Segovia y publica artículos en la prensa madrileña. En 1923 consigue una plaza como lector de español en un instituto en Sicilia, lo que le permite recorrer y conocer toda Italia mientras escribe artículos para la prensa española, pero también relatos, ensayos, ... hasta «tres kilos y medio de papel».

En 1926, ya en España de nuevo, se casó con Adela, hija del poeta José Rodao, con el pintor [[Ignacio Zuloaga]] como padrino, estableciendo el matrimonio su residencia en Madrid, donde nació Carmen, su única hija. Trabajó para distintos medios de comunicación, sobre todo en la revista Estampa, en el diario hablado La Palabra —que contaba con su propia plantilla y agencia (Febus) y que emitía a través de distintas emisoras de Madrid, pero sobre todo en Unión Radio Madrid— y también publicó artículos con regularidad en diarios como El Sol o La Voz. De ideas republicanas, castellanista y próximo al ideario de [[Manuel Azaña]], con la proclamación de la [[Segunda República Española|Segunda República]] se volcó en su trabajo periodístico. En sus últimos años destacó por sus crónicas, recogidas bajo el título de Los otros, donde mostraba el Madrid menos conocido y «más sórdido», lejos del casticismo tradicional. Llegó a vivir como un mendigo más para conocer, sentir y dar veracidad a su trabajo. Falleció de repente mientras trabajaba en la redacción de La Palabra.

==Obra==
Al inicio del siglo XXI, la obra de Carral, compuesta por cuentos, novelas y una extensa colección de artículos y reportajes, permanecía en su mayor parte inédita. Destacan quizá: la biografía novelada de su paisano [[Emiliano Barral]], titulada Las Memorias de Pedro Herráez (1927), en cualquier caso uno de los mejores documentos que se conservan sobre la vida del escultor segoviano, muerto en el frente de Madrid al comienzo de la [[Guerra Civil Española|guerra civil española]]; la divertida crónica Juan Bravo en la plaza de las Sirenas (1922), alegato contra el emplazamiento de la estatua de [[Aniceto Marinas]] en la capital segoviana; y su libro-denuncia Por qué mataron a Luis de Sirval.

===Por qué mataron a Luis de Sirval===
En otra biografía novelada de Barral, la publicada en 1998 por el también segoviano Ignacio Sanz, se recoge (casi como una cita de la de Carral y como un homenaje a ambos) el acto celebrado el 7 de marzo de 1935 en el [[Ateneo de Madrid]], de la presentación a cargo de [[Antonio Machado]] del libro-denuncia de Ignacio Carrall Por qué mataron a Luis de Sirval. Entre el público que asiste al acto están el músico [[Agapito Marazuela]], Barral y los amigos Torre Agero y Georgina.

Machado, tras evocar su primer encuentro con Carral en la provinciana tertulia del taller del ceramista Arranz, relata y reflexiona sobre la espantosa experiencia profesional y humana vivida por Ignacio Carral como corresponsal en la represión de la insurrección obrera ocurrida en Asturias en el mes de octubre de 1934. Allí, Carral fue testigo de la ejecución a sangre fría de su compañero, el periodista Luis de Sirval, a manos de un legionario, que Carral y Machado definen como "sicario del ejército, que no compareció ante ningún auténtico tribunal de justicia". El suceso les sirve a los tres escritores (Carral, Machado y Sanz) para reflexionar sobre la supeditación del ejército al poder civil, y los amargos resultados que puede arrojar el "enfrentamiento entre un poder legítimo, la autoridad civil, y un poder que no lo es: la autoridad militar".

[[Categoría:Periodistas del siglo XX|Ignacio Carral]]
[[Categoría:Nacidos en 1897|Ignacio Carral]]
[[Categoría:Nacidos en Segovia|Ignacio Carral]]
[[Categoría:Fallecidos en 1935|Ignacio Carral]]
[[Categoría:Fallecidos en Madrid|Ignacio Carral]]
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Ignacio Martín Baró

2024-01-30T03:20:23Z

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[[Imagen:Martin.jpg|250px|right|thumbnail]]
'''Ignacio Martín-Baró''' (n. Valladolid, [[7 de noviembre]] de [[1942]] - † El Salvador, [[16 de noviembre]] de [[1989]]), fue un psicólogo y sacerdote jesuita español que dedicó la mayor parte de su vida a la investigación de la difícil realidad social y política de un pequeño país latinoamericano, El Salvador, donde impartió clases en la Universidad Centroamericana "José Simeón Cañas" (UCA), de la cual fue responsable del departamento de Psicología y Educación y Vice-rector, fundó un prestigioso instituto de opinión pública, el IUDOP.

Luchó por los Derechos Humanos, la igualdad y la justicia social en El Salvador. Criticó el impacto negativo de la política estadounidense para su país. Fue muy influyente en un amplio rango de académicos, y activistas en los Estados Unidos. Fue seguidor de la [[Teología de la Liberación]], padre de la Psicología social de la liberación y principal referente de la Psicología Social Latinoamericana, especialmente en Psicología comunitaria y Psicología política.

Su obra tiene en la actualidad una influencia notable entre investigadores, ideólogos y académicos de distintas posiciones alrededor del mundo. Martín-Baró publicó 11 libros y una larga lista de artículos culturales y científicos, en varias revistas norte y latinoamericanas

==Esbozo biográfico==
Martín-Baró ingresó al noviciado de la Compañía de Jesús en Orduña-España, el 28 de septiembre de 1959. Pasado un corto tiempo, fue transferido al noviciado de Villagarcía y entonces fue enviado a América Central, donde completó su segundo año en el noviciado de la Sociedad de Jesús. A finales de septiembre de 1961, sus superiores lo enviaron a la Universidad Católica en Quito para que realice estudios clásicos en humanidades. Después de eso, viajó a Bogotá, donde estudió Filosofía en la Pontificia Universidad Javeriana, gestionada por los Jesuitas. En 1964 recibió su grado de bachiller en Filosofía y al año siguiente, su licenciatura en Filosofía y Literatura. En 1966 retornó a El Salvador, donde trabajó como profesor y Coordinador Académico en el Externado San José hasta 1967, cuando empezó a enseñar en la Universidad Centroamericana "José Simeón Cañas" (UCA). Volvió a viajar en 1967 para estudiar teología en Fráncfort y Lovaina. Más adelante, volvió a San Salvador y continuó sus estudios. En 1970 obtuvo su grado de bachiller en Teología en Eegenhoven-Bélgica. Una vez que completó sus estudios en Teología, inició sus estudios de Psicología en la UCA, donde además fue profesor. En 1975 completó su licenciatura en psicología. Fue representante estudiantil entre 1972 y 1975, además fue miembro del Consejo Universitario.

Entre los años 1971 y 1974 fue Jefe del Comité editorial de la revista Estudios Centroamericanos (ECA). En 1971 y 1972 enseñó psicología en la Academia Nacional de Enfermería en Santa Ana-El Salvador.

En 1977 obtuvo su grado de maestría en ciencias sociales en la Universidad de Chicago y dos años después, en 1979, su Ph.D. en Psicología social y organizacional en la misma casa de estudios. En su tesis de maestría, escribió acerca de las actitudes y conflictos sociales en El Salvador. En su disertación doctoral, escribió sobre la densidad poblacional de las clases sociales bajas en El Salvador. Cuando completó sus estudios, volvió a San Salvador y retornó a su trabajo en la UCA, donde era profesor de psicología. Antes, en 1981, había sido Vice-Rector Académico y miembro de la Junta de Directores. En 1989, el vice-rectorado fue dividido en dos y Martín-Baró fue nombrado Director de estudios de post-grado e investigación. En 1982 fue nombrado Jefe del Departamento de Psicología. En 1986 fundó y dirigió el Instituto Universitario de Opinión pública (IUDOP). También fue miembro del Comité Editorial de UCA Editores y Estudios Centroamericanos (Eca), la Revista Salvadoreña de Psicología y el Magazín costarricense Polémica. Fue profesor visitante en la Universidad Central de Venezuela, la Universidad del Zulia en Maracaibo-Venezuela, la Universidad de Puerto Rico, la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá-Colombia, la Universidad Complutense en Madrid-España y la Universidad de Costa Rica en San José-Costa Rica. Martín-Baró fue miembro de la Asociación Psicológica Americana (American Psychological Association, APA) y de la Asociación Psicológica Salvadoreña. También fue vice-presidente de la división mesoamericana de la Sociedad Interamericana de Psicología (SIP). En la SIP recibe el "Premio Interamericano de Psicología" póstumo en 1991 y aparece entre los entrevistados para el video documental "Psicología Interamericana" dirigido por Marcelo Urra, que conmemora los 50 años de esta Sociedad.

Murió asesinado, por un pelotón del batallón Atlacatl de la Fuerza Armada de El Salvador, bajo las órdenes del coronel René Emilio Ponce, el 16 de noviembre de 1989, junto a otros sacerdotes; [[Ignacio Ellacuría]], [[Segundo Montes]], [[Juan Ramón Moreno]], [[Amando López]], y [[Joaquín López y López]]. Además fue asesinada una mujer (Elba Ramos) y su hija menor de edad (Celina) que trabajaban en la residencia donde habitaban los sacerdotes. El crimen es conocido como el de los mártires de la UCA.

==La Psicología Social de Ignacio Martín-Baró==
Martín-Baró propuso y defendió la tesis de que la psicología debería establecer una estrecha relación con las condiciones sociales e históricas del territorio donde se desarrolla y, asimismo, con las aspiraciones de las personas que en él residen. El creyó que los estudiantes de psicología deberían aprender a analizar el comportamiento humano en los contextos específicos en los cuales se desarrollaban y no en escenarios artificiales.

En sus escritos y discursos rechazó la cómoda y falsa idea de que la psicología es imparcial. En lugar de esto él concibió una Psicología Crítica y comprometida con diferentes proyectos de sociedades alternativas que se venían gestando en Latinoamérica desde hace muchos años atrás.

Para él, la salud mental de los individuos puede estar influida por reacciones anormales a situaciones normales, asimismo pueden ocurrir reacciones normales frente a condiciones anormales. Para Martín-Baró, el inicio de la solución a los problemas de salud mental de los individuos en las sociedades caracterizadas por la opresión, donde la 'anormalidad normal' prevalece, está en la transformación de la sociedad para trascender sus condiciones históricas relativas y superar la opresión. Los psicólogos no pueden ignorar la influencia que tienen los contextos difíciles sobre la salud mental.

Martín-Baró tuvo una reconocida habilidad para integrar diversas teorías y cuestionar las creencias tradicionales. Estuvo convencido de la potencial "des-ideologización" de la psicología social y consecuentemente cuestionó los modelos de la psicología tradicional, asimismo consideró que esos modelos eran inadecuados para confrontar las situaciones generadas directamente por la violencia estructural en El Salvador. Tuvo una mente ágil, fue capaz de relacionar conceptos aparentemente contradictorios. Su trabajo ha inspirado el desarrollo de la Psicología social de la liberación en América Latina y de la Psicología comunitaria alrededor del mundo.

El año 1986, en un esfuerzo por impulsar la psicología social y contribuir a 'des-ideologizar' la realidad en el El Salvador, un país políticamente polarizado, emprendió con entusiasmo la fundación del Instituto Universitario de Opinión pública (IUDOP), e inició un innovador trabajo de análisis de la opinión pública salvadoreña sobre los importantes procesos y problemas sociopolíticos que ocurrían en su país. En 1988, este proyecto fue extendido a toda América Central mediante el Programa Centroamericano de Opinión pública, establecido por él y algunos colegas norteamericanos.

Las implicaciones políticas del compromiso de Martín-Baró con sus ideas encontraron una fuerte oposición en las fuerzas políticas conservadoras en El Salvador. Esta oposición derivó en su asesinato por el ejército salvadoreño en el año 1989 en su residencia en la UCA junto a otros cuatro religiosos jesuitas y dos empleadas (entre ellos estaban [[Ignacio Ellacuría]] y [[Segundo Montes]]). Su asesinato marcó un punto crucial en la guerra civil salvadoreña. Por un lado se produjo un incremento de la presión internacional sobre el Gobierno para firmar un Acuerdo de paz con los guerrilleros (FMLN). Por otro lado, impulsó que la obra de Martín-Baró sea conocida alrededor del mundo ya que hasta ese momento sólo era reconocida en el mundo hispano-hablante y en algunos sectores reducidos de los Estados Unidos.

En uno de sus últimos escritos, Martín-Baró describió cómo su asesinato podría ser dirigido por los medios de comunicación para controlar la opinión pública en El Salvador.

[[Categoría:Sacerdotes del siglo XX|Ignacio Martín Baró]]
[[Categoría:Psicólogos del siglo XX|Ignacio Martín Baró]]
[[Categoría:Profesores del siglo XX|Ignacio Martín Baró]]
[[Categoría:Nacidos en 1942|Ignacio Martín Baró]]
[[Categoría:Nacidos en Valladolid|Ignacio Martín Baró]]
[[Categoría:Fallecidos en 1989|Ignacio Martín Baró]]
[[Categoría:Fallecidos en El Salvador|Ignacio Martín Baró]]
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Ignacio Carrión

2024-01-30T03:14:11Z

Csuarezllosa:

'''Ignacio Carrión''' (San Sebastián, [[1938]]) es periodista y escritor español.

'''Biografía'''

Ignacio Carrión estudió Periodismo en Valencia, ciudad donde regentó durante la dictadura franquista la Librería Lope de Vega. Fue redactor de la Agencia Efe en Londres. Jefe de Información en el semanario Blanco y Negro. Corresponsal del diario ABC en Londres. Corresponsal de Cambio y Diario16 en Washington. Enviado especial del diario El País por todo el mundo hasta el año 2003. Colabora en la sección de libros en Le Monde Diplomatique, edición en español, Revista de Occidente y Pasajes del Pensamiento Contemporáneo (Universidad de Valencia). Divorciado y con tres hijos, desde 1994 está casado con Chus Duato.

'''Obras'''

Ignacio Carrión es autor de cuatro libros de relatos: Klaus ha vuelto. Diario de un vendedor de Olivos en Manhattan. Pobres mujeres. Desde Cabo de Gata. Y de cinco novelas: El Milagro. Cruzar el Danubio. Desahucio. Tomates para mi viejo (2012) en formato ebook.

En 2007 publicó su Diario íntimo, La hierba crece despacio (1961-2001), cuyos manuscritos están en la Biblioteca de Humanidades de la Universidad de Valencia, y de los que únicamente vio la luz un 15 por ciento de la totalidad de lo escrito. La publicación del Diario encendió los ánimos de bastantes políticos, artistas o intelectuales que se vieron retratados en sus páginas. Esta obra, inesperada e infrecuente por su dureza en la sociedad española, sería silenciada, cuando no calificada como libro maldito, por la mayor parte de la Prensa.

Cruzar el Danubio mereció en 1995 el [[premio Nadal]] de novela concedido por Ediciones Destino. La acción de esta novela, una crítica sarcástica del periodismo español en la actualidad, transcurre en España, Austria, Francia, India y los Estados Unidos.

Carrión tiene publicados un volumen de Cartas de los niños españoles al Rey, Querido señor Rey, que fue prohibido por el primer gobierno de la monarquía, y otro similar de cartas a Dios, Querido señor Dios.

Es autor de un ensayo sobre el sentir de los hombres, Alabado sea yo (Temas de Hoy, 1998), y de una recopilación de reflexiones o aforismos titulada Pocket Diary.

Ha escrito tres libros de viajes: De Moscú a Nueva York (1989), con ilustraciones de Alfredo. India, vagón 14-24 (Rey Lear 2008) y Madrid, ombligo de España (1977), así como de un gran reportaje, Buscando a Marilyn (Rey Lear 2008), que fue escrito a lo largo de un viaje de costa a costa por los EE.UU en 1987.

En marzo de 2012 sus tres primeros libros fueron digitalizados por Amazon, lo mismo que una novela inédita titulada Tomates para mi viejo en la que se entrecruzan las vidas de tres generaciones en un escenario único, sacudido por la crisis económica que castiga a España. En octubre de 2008 publica en editorial Rey Lear u libro de relatos titulado "Pobres mujeres". En junio de 2014 publica en la editorial Reino de Cordelia sus Diarios 2001-2005 bajo el título "Molestia aparte". En octubre 2014 publica "Molestia aparte II"(Diarios 2006-2010) Reino de Cordelia. En octubre de 2015 publica en la editorial Renacimiento "Cartas a Lola desde USA"

[[Categoría:Escritores del siglo XX|Ignacio Carrión]]
[[Categoría:Escritores del siglo XXI|Ignacio Carrión]]
[[Categoría:Nacidos en 1938|Ignacio Carrión]]
[[Categoría:Nacidos en San Sebastián|Ignacio Carrión]]
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Ignacio Cid Luque

2024-01-30T03:13:34Z

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[[Imagen:IGNACIO_CID.jpg|right]]
'''Ignacio Cid Luque''' nació en [[Córdoba]] el [[22 de enero]] de [[1954]], y falleció en [[Córdoba]] el [[23 de agosto]] de [[2004]]. Periodista. Casado y con dos hijas.

Estudió Ciencias de la Información en la Universidad Complutense de Madrid. Comenzó realizando prácticas en el Diario Sur de Málaga ([[1973]] y [[1975]]), y en el [[Diario Córdoba]] ([[1974]]). También colaboró con la agencia de noticias Pyresa y con el diario El Correo Español-El Pueblo vasco.

En [[:Categoría:Mayo|mayo]] de [[1981]] formó parte del equipo de Redacción que fundó el diario [[La Voz de Córdoba]]. En [[1984]] se incorporó a Diario Córdoba como responsable de la sección de Deportes, desempeñando esta función hasta agosto de [[1988]], cuando se marchó a Jerez de la Frontera para poner en marcha el Periódico de El Guadalete, con el cargo de redactor jefe.

El [[1 de febrero]] de [[1991]] se incorporó a la Radio Televisión Andaluza (RTVA), asumiendo la coordinación de los Deportes en Canal Sur Radio desde [[agosto]] de [[1992]]. También fundó el periódico deportivo local Líder, y el portal web Córdobadeporte.

En [[1985]] el [[Ateneo Casablanca]] lo homenajeó nombrándolo Ateneísta de Honor y, en [[1988]], la misma institución le otorgó la [[Fiambrera de Plata]] a propuesta del [[Colectivo juvenil Acracia]]. Más tarde, en [[1995]], colaboró con el [[Ateneo de Córdoba]] en la edición de la obra "''[[Los andaluces del siglo XX]]''" en el apartado de Deportes.

==Artículos seleccionados==
*[[Usar influencias en dar instalaciones]]

==Galería de imágenes==
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Imagen:Ignacio Cid Luque.jpg
</gallery>

== Enlaces externos ==
* [http://www.cordobadeporte.com Córdobadeporte]

[[Categoría:Locutores de radio del siglo XX|Cid Luque, Ignacio]]
[[Categoría:Periodistas del siglo XX|Cid Luque, Ignacio]]
[[Categoría:Nacidos en 1954|Cid Luque, Ignacio]]
[[Categoría:Nacidos en Córdoba|Cid Luque, Ignacio]]
[[Categoría:Fallecidos en 2004|Cid Luque, Ignacio]]
[[Categoría:Fallecidos en Córdoba|Cid Luque, Ignacio]]
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Ignacio Gallego Domínguez

2024-01-30T03:12:16Z

Csuarezllosa:

'''Ignacio Gallego Domínguez''', catedrático de Derecho Civil de la Universidad de Córdoba. Estudia en el colegio Cervantes, de los Hermanos Maristas y la licenciatura en la Facultad de Derecho de la Universidad de Córdoba. En 1994 consigue el grado de Doctor en Derecho con premio extraordinario. Desde enero de 2007 es catedrático de Derecho civil de la UCO.

Es director de la Cátedra Prasa de Empresa familiar desde octubre de 2011. Director del Departamento de Derecho Civil, Penal y Procesal de la Universidad de Córdoba (desde febrero de 2011). Ha sido Vicedecano de la Facultad de Derecho y Secretario del Departamento de Derecho Civil, Penal y Procesal. Es responsable del Grupo de Investigación SEJ 448, "El Derecho civil del Siglo XXI", de la UCO y miembro del Foro de Biética Francisco Suárez (Centro
Cultural San Hipólito) desde su fundación en 2007.

Ha sido profesor-Tutor de Derecho Civil en el Centro Asociado a la UNED en Córdoba. Ha impartido docencia en los Cursos de Doctorado del Departamento de Derecho Civil de la UNED desde 1992 a 2010.
Ha participado como profesor profesor en diversas ediciones del Máster de Propiedad Intelectual de la Universidad Carlos III de Madrid y ha sido Profesor Invitado en la Universidad París XII.

Autor de numerosas monografías, artículos en revistas jurídicas y libros colectivos sobre temas de su especialidad entre los que cabe destacar:

*"Las parejas no casadas y sus efectos patrimoniales", con prólogo de J.M. González Porras, Colegio de Registradores de la Propiedad y Mercantiles de España, Centro de Estudios Registrales, Madrid, 1995. ISBN: 84-88973-18-73.

* ''"Responsabilidad civil extracontractual por daños causados por animales"'', con prólogo de J.M. González Porras. (J. Mª Bosch, Barcelona, 1997. 337 páginas). ISBN: 84-7698-461-8.

* ''"La renegociación de préstamos hipotecarios (Estudio de la Ley sobre Subrogación y Modificación de Préstamos Hipotecarios de 1994)",'' con prólogo de J.M. González Porras, Fundación Matritense del Notariado, Madrid, 1999. ISBN: 84-699-1958-X.

* ''"Comentarios a la Ley reguladora del contrato de aparcamiento de vehículos (Ley 40/2002, de 14 de noviembre)",'' con prólogo de M. Albaladejo. (Editorial Comares, Granada, 2003. 292 páginas). ISBN: 84-8444-762-6.

* ''"La transmisión inter vivos y mortis causa de las oficinas de farmacia".'' (Servicio de Publicaciones de la UCO y Centro Asociado a la UNED en Córdoba, (Córdoba, 2005. 560 páginas). ISBN: 84-7801-763-1.

* Coordinador, junto a Rafael Casado Raigón, de la obra "Personalidad y capacidad jurídicas. 74 contribuciones con motivo del XXV Aniversario de la Facultad de Derecho de Córdoba. (En colaboración con Rafael Casado Raigón)(Servicio de Publicaciones de la Universidad de Córdoba, 2005. 1338 páginas). ISBN 13 9788478017881"

Así como numerosas conferencias sobre su especialidad.

Por sus méritos académicos el Ateneo de Córdoba le premió con su Fiambrera de Plata de 2012.

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Ignacio López Tarso

2024-01-30T03:08:47Z

Csuarezllosa:

[[Imagen:Ignacio Lopez Tarso.jpg|300px|right|thumbnail|[http://cinemexicano.mty.itesm.mx/estrellas/lopez_tarso.html Cine mexicano].]]
'''Ignacio López Tarso''' (nacido '''Ignacio López López''' el [[15 de enero]] de [[1925]]) es un actor mexicano de teatro, cine y televisión.

==Vida personal==
Nació en la Ciudad de México, en una casa de la calle de Moctezuma, cerca del santuario católico de la Villa de Guadalupe. Sus padres fueron Alfonso López Bermúdez e Ignacia López Herrera. También vivió su infancia en varios lugares de la república mexicana tales como Veracruz, Hermosillo, Navojoa y Guadalajara, todo esto por asuntos de trabajo de su padre quien se desempeñaba en el servicio de correos. Sus hermanos se llaman Alfonso y Marta.

Precisamente en Guadalajara, mientras vivía en el barrio de Analco, Ignacio López tuvo su primer contacto con el mundo artístico, cuando tenía ocho o nueve años. En esa ocasión fue llevado por sus padres a ver una función de teatro de carpa. El niño quedó impactado al ver cómo se apagaba la luz, se abría el telón entre la oscuridad y sólo quedaba iluminado el escenario además de quedar como hipnotizado al observar cómo se desarrollaba la obra. Ese periodo de privación duró hasta que terminó la obra, se volvieran a encender las luces y regresar a la realidad dándose cuenta otra vez que estaba sentado entre sus padres. La descripción anterior sobre lo ocurrido en aquel teatro de carpa, el propio Ignacio López la ha hecho repetidas veces a lo largo de su vida, porque quedó muy marcado en su memoria. Esa experiencia infantil de éxtasis vivida en esa función de teatro, sellaría de este modo el destino de Ignacio López.

También vivió en Valle de Bravo, Estado de México donde estudió la secundaria. Los problemas económicos de sus padres impidieron que Ignacio ingresara a una escuela para continuar sus estudios superiores. Debido a lo anterior, un sacerdote le recomendó ingresar al seminario para que así pudiera continuar con su educación.

No habiendo otra opción y sin vocación al sacerdocio pero con el deseo de seguir estudiando, Ignacio López ingresó en el Seminario Menor de Temascalcingo, Estado de México. También estuvo en el Seminario Conciliar de México en Tlalpan, Ciudad de México. Abandonó el seminario debido a la ya mencionada falta de vocación para ser sacerdote.

A los veinte años de edad tuvo que cumplir con el servicio militar y estuvo en cuartel más de un año en Querétaro, aunque también estuvo en los regimientos de Veracruz y Monterrey. Logró obtener el grado de Sargento Primero. Al terminar su servicio militar, un general le dijo que tenía madera para ser militar destacado y le ofreció su apoyo para ingresar al Colegio Militar, pero Ignacio López después de pensarlo descubrió que esto no era su vocación y así terminó su aventura militar.

En la Ciudad de México trabajó como agente de ventas de una empresa fabricante de ropa de mezclilla, pero seguía teniendo problemas económicos, por lo que buscaba otra opción para mejorar su situación. Esa opción lo encontraría en unos amigos quienes lo animaron diciéndole que si se iba con ellos a los Estados Unidos a trabajar como braceros en la cosecha de uva y naranja en California, ganarían mucho dinero. Con esa ilusión, él y sus amigos se inscribieron en el convenio México-Estados Unidos, el cual les auspició el trabajo en California. El sueño de Ignacio López no era radicar en Estados Unidos, sino trabajar una temporada y regresar a México cargado de muchos dólares. Estando ya trabajando en un naranjal del condado de Merced, California y trepado de un alto naranjo, resbala y cae de espaldas encima de unas cajas, lastimándose seriamente su espina dorsal quedando casi paralizado. Esto provocó su triste regreso a México por tren. En vez de venir cargado de muchos dólares, vino cargado de muchos dolores, con medio cuerpo enyesado y con tan sólo 20 dólares en el bolsillo. En la Ciudad de México tuvo que seguir un tratamiento y guardar reposo para su recuperación, durante un año aproximadamente.

Después de su recuperación, López Tarso ingresó en 1949 a la Academia de Arte Dramático del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), que en aquel tiempo era la única escuela de teatro en el país. Por aquel entonces su padre le dijo –quizá en tono de broma- que los dos más grandes errores que iba a cometer en su vida eran casarse y ser actor. Pero Ignacio además de ser actor, se casó y lo hizo con Clara Aranda y tuvieron tres hijos: Susana, Gabriela y el también actor Juan Ignacio, mejor conocido en el medio artístico como Juan Ignacio Aranda.

López Tarso también ha incursionado en la política y fue diputado federal. También ha ocupado cargos importantes de organizaciones tales como la Asociación Nacional de Actores (ANDA), de la Asociación Nacional de Intérpretes (ANDI) y del Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica (STPC). Es miembro honorario del Seminario de Cultura Mexicana.

==Carrera artística==
===Doblaje===
En la industria del doblaje, López Tarso participó en los principios de este arte, prestando su voz al actor Jack Webb en la famosa serie Dragnet. Esto lo relata en su prólogo del libro sobre la historia del doblaje ¿De quién es la voz que escuchas? escrito por Rubén Arvizu.

===Teatro===
La primera experiencia de Ignacio López como actor de teatro la vivió cuando estaba en el seminario. Todo empezó cuando un sacerdote quien venía de los Estados Unidos, estaba organizando un grupo teatral a beneficio del seminario. Ignacio se integró a este grupo y así fue como comenzó a realizar sus primeras representaciones teatrales.

Ahí mismo en el seminario, leyó libros interesantes sobre teatro y fue de esta manera que por medio de la lectura tuvo su primer contacto con el teatro clásico, en especial sobre la obra de los españoles [[Lope de Vega]] y [[Calderón de la Barca]]. También en el seminario, (en donde fue el lector oficial) Ignacio aprendió a leer oralmente la poesía con la dicción y métrica correctas.

Esto le serviría en el futuro a nivel profesional, consolidándolo como uno de los mejores lectores orales de México, cosa que demostraría en sus recitales sobre corridos de la Revolución mexicana que al lado del maestro Roberto Rojas Barrales, celebre guitarrista de Tenango del Valle, que llevó el corrido mexicano a niveles internacionales, y cuyas interpretaciones son comparables a las hechas por maestros de la talla de [[Melchor de Marchena]], David Moreno y Antonio Bribiesca; dieran realce a sus solemnes versos e inigualable estilo y métrica revolucionaria que son ya un clásico dentro de su carrera y dentro de la historia artística del México contemporáneo.

Cuando Ignacio López estaba de regreso en la Ciudad de México, para recuperarse de aquel accidente sufrido en California, se entretenía -mientras guardaba reposo-, escuchando música clásica en la radio, leyendo varios libros de poesía y teatro, reavivando una vez más su gusto por la actuación la cual se había despertado antes cuando vivía en el seminario. Entre esos libros, Ignacio López se enamoró de la poesía de Xavier Villaurrutia.

Por esos días, Ignacio López vio por casualidad un anuncio en un periódico donde se informaba el inicio de cursos en el Instituto Nacional de Bellas Artes y en ese anuncio se enteró que uno de los maestros era nada menos y nada más que su admirado Xavier Villaurrutia, por lo que Ignacio una vez que se recuperó de su dolencia en la columna vertebral, inmediatamente acudió al Palacio de Bellas Artes para conocerle y pedirle le firmara un autógrafo en uno de sus libros. Estando allí, subió hasta al tercer piso donde se hallaba Villaurrutia impartiendo su clase y aguardó afuera del recinto donde se encontraba éste, esperando a que terminara de dar su cátedra a fin de poder expresarle su admiración. Pero quien quedó más admirado fue el propio Villaurrutia, al enterarse que el muchacho había acudido hasta allí tan sólo para conocerle. Por aquel entonces, Ignacio López tenía veinticuatro años de edad.

El maestro Villaurrutia al darse cuenta del interés de Ignacio, lo invitó a sus sesiones de clase. Al principio estuvo como oyente, pero poco tiempo después, Ignacio se integró formalmente al grupo y a participar más activamente en los ejercicios que su maestro aplicaba.

Por medio de Villaurrutia, Ignacio pudo conocer a otro maestro destacado llamado Xavier Rojas, fundador del grupo Teatro Estudiantil Autónomo (TEA) e Ignacio se integró a este grupo. El TEA hacía presentaciones al aire libre en las calles, plazas, parques, mercados y diversos puntos de la capital mexicana. De este modo, Ignacio López tuvo sus primeras experiencias histriónicas con un contacto más cercano con el público.

Xavier Villaurrutia muere apenas al año siguiente desde que él e Ignacio se conocieron, dejando el curso inconcluso el cual Ignacio había tomado con él. Por lo tanto, tuvo que entrar al relevo el maestro [[Salvador Novo]].

Además de Xavier Villaurrutia, Roberto Rojas, Xavier Rojas y Salvador Novo, Ignacio López tuvo otros maestros, como Clementina Otero, Celestino Gorostiza, André Moreau, Seki Sano, Fernando Wagner, Fernando Torre Lapham, entre otros.

Su debut teatral como estudiante de Bellas Artes fue en la obra El sueño de una noche de verano de [[William Shakespeare]]. Su debut profesional fue en 1951 con la obra Nacida ayer de Garson Kanin. [[Sor Juana Inés de la Cruz]], [[Miguel de Cervantes]], [[Guillén de Castro]], Hugo Argüelles, Emilio Carballido entre otros, son autores en cuyas obras Ignacio López también actuó.

Aunque López Tarso ha intervenido en muchas obras, su inclinación ha tenido preferencia en interpretar obras de tipo cultural tales como los clásicos griegos o españoles, de la época de [[Miguel de Cervantes|Cervantes]], [[William Shakespeare|Shakespeare]], etc. ya que según él, el teatro no sólo debe entretener al público, sino que debe hacer pensar al espectador y dejarle una enseñanza provechosa.

===Obras de Teatro===
*El sueño de una noche de verano (1948), de [[William Shakespeare|Shakespeare]].
*Crimen y castigo (1949), de [[Fiódor Dostoievski|Dostoievski]].
*Cándida (1952), de [[George Bernard Shaw]].
*La Celestina (1953), de [[Fernando de Rojas]].
*Las mocedades del Cid (1953), de [[Guillén de Castro]].
*Don Juan Tenorio (1953), de [[José Zorrilla]].
*Moctezuma II (1954), de Sergio Magaña.
*La discreta enamorada (1954), de [[Lope de Vega]].
*Reinar después de morir (1954), de [[Luis Vélez de Guevara]].
*Coplas por la muerte de su padre (1954), de [[Jorge Manrique]].
*Don Juan Tenorio (1954), de [[José Zorrilla]].
*La hidalga del valle (1954), de [[Calderón de la Barca]].
*La manzana (1955), de [[León Felipe]].
*Tovarich (1955), de Jacques Deval.
*Bus stop (1956), de William Motter Inge.
*Las brujas de Salem (1956), de [[Arthur Miller]].
*Un tigre a las puertas (1960), de [[Jean Giraudoux]].
*El mágico prodigioso (1960), de [[Calderón de la Barca]].
*Otelo (1960), de [[William Shakespeare|Shakespeare]].
*Edipo rey (1961), de [[Sófocles]].
*Cyrano de Bergerac (1962), de Edmond Rostand.
*Un hombre contra el tiempo (1963), de [[Robert Bolt]].
*El inspector (1965), de [[Nikolái Gógol|Gógol]].
*Los hombres del cielo (1965), de Ignacio Retes.
*Puñalada por la espalda (1966/67), de [[Clifford Odets]].
*La reina y los insurrectos (1967), de [[Ugo Betti]].
*El rey se muere (1968), de [[Eugène Ionesco|Ionesco]].
*El precio (1969), de [[Arthur Miller]].
*Adriano VII (1970), de Peter Luke.
*Hogar (1971), de David Storey.
*Juego de niños (1972), de Robert Marasco.
*El gran inquisidor (1973), de Hugo Argüelles.
*Tirano Banderas (1974), de [[Ramón María del Valle-Inclán|Valle-Inclán]].
*Hipolito (1974), de [[Eurípides]].
*El avaro (1978), de [[Molière]].
*El rey Lear (1981), de [[William Shakespeare]].
*El desperfecto (1989), de [[Friedrich Dürrenmatt]].
*Tirano Banderas (1993), de [[Ramón María del Valle-Inclán|Valle-Inclàn]].
*Edipo en Colono (2000), de [[Sófocles]].
*Doce hombres en pugna (2009), de Reginald Rose.

===Cine===
Su primera incursión en el séptimo arte no fue de su total agrado. Su debut fue en 1954 con la película La desconocida dirigida por Chano Urueta. El mismo Ignacio López Tarso reconoció desde su particular punto de vista que esta película fue uno de los peores filmes en que ha participado. Uno de los detalles que desagradó a López Tarso respecto a esta cinta, fue la nula trascendencia de su personaje. La intervención de su personaje le hizo honor al nombre de la película: fue “desconocida”, ya que los papeles importantes de la trama estuvieron a cargo de la bella Irasema Dilián y Miguel Torruco.

Esa primera e insatisfactoria experiencia en el cine, desanimó e hizo dudar a López Tarso si debía proseguir en otra intervención cinematográfica en el futuro. Pero, cuando participó en papeles importantes y alternó con grandes figuras, le renació el gusto por el cine.

El filme que consolidó a López Tarso en la pantalla grande y le dio muchas satisfacciones, fue la multipremiada cinta: Macario, filmada en 1959 con la dirección de Roberto Gavaldón, argumento de Bruno Traven (basado en un cuento de los hermanos Grimm), guion de Emilio Carballido y del mismo Roberto Gavaldón. Esta película refleja de manera folclórica la cultura e idiosincrasia del mexicano con respecto a la muerte, básicamente expresadas en el Día de Muertos, el cual es una tradición cuyo estilo mexicano es único en el mundo. López Tarso supo aprovechar y reflejar estos aspectos culturales acerca de la muerte, haciendo gala de sus naturales dotes histriónicos y compartiendo los principales créditos con [[Pina Pellicer]] y Enrique Lucero, quienes también brillaron en esta cinta. Con el dinero obtenido por esta película, López Tarso logró comprar su primer automóvil.

El filme Rosa Blanca fue otra cinta que también galardonó a López Tarso. Esta película rodada en 1961, curiosamente fue censurada en aquel tiempo por intereses económicos y tuvo que sufrir una larga espera hasta 1972, año en el cual finalmente fue estrenada. El filme fue dirigido por [[Roberto Gavaldón]].

Otras películas destacadas de López Tarso, son: Cri Cri, el grillito cantor (1963) con la dirección de [[Tito Davison]], El hombre de papel (1963) dirigida por [[Ismael Rodríguez]], El gallo de oro (1964) bajo la dirección de [[Roberto Gavaldón]], Tarahumara (Cada vez más lejos) (1964) dirigida por [[Luis Alcoriza]], La vida inútil de Pito Pérez (1969) también con el director Roberto Gavaldón, El profeta Mimí (1972) con el director José Estrada, Rapiña (1973) dirigida por [[Carlos Enrique Taboada]], Los albañiles (1976) dirigida por Jorge Fons, entre otras producciones.

Ignacio López Tarso formó parte de la Época de Oro del Cine Mexicano. A lo largo de su carrera cinematográfica, ha compartido créditos con actores de la talla de [[Dolores del Río]], [[Marga López]], [[Carlos López Moctezuma]], [[Elsa Aguirre]], [[Luis Aguilar]], [[Katy Jurado]], [[Pedro Armendáriz]], [[María Félix]], [[Emilio Fernández]], entre otros.

Ignacio López Tarso participó en medio centenar de películas y también ha intervenido en documentales y un cortometraje.

===Televisión===
Su primera participación en una teleserie fue la titulada Cuatro en la trampa (1961). Entre sus participaciones destacadas en teleseries se citan tales como: El derecho de nacer (1981), Senda de Gloria (1987) cuya trama era sobre la Revolución Mexicana. Ignacio López Tarso ha participado en más de veinte teleseries y ha colaborado en algunos programas especiales.

===Discos===
Ignacio López Tarso grabó ocho discos donde declama versos y corridos en su mayoría sobre la Revolución Mexicana, tales como Yo soy el corrido de Pepe Guízar, Muerte de Emiliano Zapata de Armando List Arzubide, Caballo prieto azabache de Pepe Albarrán, Doña Elena y el francés de David González, entre otros temas. En estas interpretaciones, se hace acompañar del maestro Roberto Rojas, quien interpretó mejor que nadie este estilo de música folclórica mexicana. Sus discos adquirieron tal éxito que ya son un clásico dentro de las grabaciones sobre folclor mexicano. En estos recitales, más que simplemente declamar, Ignacio López Tarso narra las historias al estilo de teatro en atril, es decir, desarrolla el diálogo de los personajes de la historia, como si fuera uno de ellos expresando sus diferentes estados de ánimo de acuerdo a las circunstancias de la historia, con singular maestría. Esto lo ha consolidado como uno de los mejores lectores orales de México.

[[Categoría:Actores del siglo XX|Ignacio López Tarso]]
[[Categoría:Nacidos en 1925|Ignacio López Tarso]]
[[Categoría:Nacidos en México|Ignacio López Tarso]]
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Ignacio López Tarso

2024-01-30T02:46:45Z

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[[Imagen:Ignacio Lopez Tarso.jpg|300px|right|thumbnail|[http://cinemexicano.mty.itesm.mx/estrellas/lopez_tarso.html Cine mexicano].]]
'''Ignacio López Tarso''' (nacido '''Ignacio López López''' el [[15 de enero]] de [[1925]]) es un actor mexicano de teatro, cine y televisión.

==Vida personal==
Nació en la Ciudad de México, en una casa de la calle de Moctezuma, cerca del santuario católico de la Villa de Guadalupe. Sus padres fueron Alfonso López Bermúdez e Ignacia López Herrera. También vivió su infancia en varios lugares de la república mexicana tales como Veracruz, Hermosillo, Navojoa y Guadalajara, todo esto por asuntos de trabajo de su padre quien se desempeñaba en el servicio de correos. Sus hermanos se llaman Alfonso y Marta.

Precisamente en Guadalajara, mientras vivía en el barrio de Analco, Ignacio López tuvo su primer contacto con el mundo artístico, cuando tenía ocho o nueve años. En esa ocasión fue llevado por sus padres a ver una función de teatro de carpa. El niño quedó impactado al ver cómo se apagaba la luz, se abría el telón entre la oscuridad y sólo quedaba iluminado el escenario además de quedar como hipnotizado al observar cómo se desarrollaba la obra. Ese periodo de privación duró hasta que terminó la obra, se volvieran a encender las luces y regresar a la realidad dándose cuenta otra vez que estaba sentado entre sus padres. La descripción anterior sobre lo ocurrido en aquel teatro de carpa, el propio Ignacio López la ha hecho repetidas veces a lo largo de su vida, porque quedó muy marcado en su memoria. Esa experiencia infantil de éxtasis vivida en esa función de teatro, sellaría de este modo el destino de Ignacio López.

También vivió en Valle de Bravo, Estado de México donde estudió la secundaria. Los problemas económicos de sus padres impidieron que Ignacio ingresara a una escuela para continuar sus estudios superiores. Debido a lo anterior, un sacerdote le recomendó ingresar al seminario para que así pudiera continuar con su educación.

No habiendo otra opción y sin vocación al sacerdocio pero con el deseo de seguir estudiando, Ignacio López ingresó en el Seminario Menor de Temascalcingo, Estado de México. También estuvo en el Seminario Conciliar de México en Tlalpan, Ciudad de México. Abandonó el seminario debido a la ya mencionada falta de vocación para ser sacerdote.

A los veinte años de edad tuvo que cumplir con el servicio militar y estuvo en cuartel más de un año en Querétaro, aunque también estuvo en los regimientos de Veracruz y Monterrey. Logró obtener el grado de Sargento Primero. Al terminar su servicio militar, un general le dijo que tenía madera para ser militar destacado y le ofreció su apoyo para ingresar al Colegio Militar, pero Ignacio López después de pensarlo descubrió que esto no era su vocación y así terminó su aventura militar.

En la Ciudad de México trabajó como agente de ventas de una empresa fabricante de ropa de mezclilla, pero seguía teniendo problemas económicos, por lo que buscaba otra opción para mejorar su situación. Esa opción lo encontraría en unos amigos quienes lo animaron diciéndole que si se iba con ellos a los Estados Unidos a trabajar como braceros en la cosecha de uva y naranja en California, ganarían mucho dinero. Con esa ilusión, él y sus amigos se inscribieron en el convenio México-Estados Unidos, el cual les auspició el trabajo en California. El sueño de Ignacio López no era radicar en Estados Unidos, sino trabajar una temporada y regresar a México cargado de muchos dólares. Estando ya trabajando en un naranjal del condado de Merced, California y trepado de un alto naranjo, resbala y cae de espaldas encima de unas cajas, lastimándose seriamente su espina dorsal quedando casi paralizado. Esto provocó su triste regreso a México por tren. En vez de venir cargado de muchos dólares, vino cargado de muchos dolores, con medio cuerpo enyesado y con tan sólo 20 dólares en el bolsillo. En la Ciudad de México tuvo que seguir un tratamiento y guardar reposo para su recuperación, durante un año aproximadamente.

Después de su recuperación, López Tarso ingresó en 1949 a la Academia de Arte Dramático del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), que en aquel tiempo era la única escuela de teatro en el país. Por aquel entonces su padre le dijo –quizá en tono de broma- que los dos más grandes errores que iba a cometer en su vida eran casarse y ser actor. Pero Ignacio además de ser actor, se casó y lo hizo con Clara Aranda y tuvieron tres hijos: Susana, Gabriela y el también actor Juan Ignacio, mejor conocido en el medio artístico como Juan Ignacio Aranda.

López Tarso también ha incursionado en la política y fue diputado federal. También ha ocupado cargos importantes de organizaciones tales como la Asociación Nacional de Actores (ANDA), de la Asociación Nacional de Intérpretes (ANDI) y del Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica (STPC). Es miembro honorario del Seminario de Cultura Mexicana.

==Carrera artística==
===Doblaje===
En la industria del doblaje, López Tarso participó en los principios de este arte, prestando su voz al actor Jack Webb en la famosa serie Dragnet. Esto lo relata en su prólogo del libro sobre la historia del doblaje ¿De quién es la voz que escuchas? escrito por Rubén Arvizu.

===Teatro===
La primera experiencia de Ignacio López como actor de teatro la vivió cuando estaba en el seminario. Todo empezó cuando un sacerdote quien venía de los Estados Unidos, estaba organizando un grupo teatral a beneficio del seminario. Ignacio se integró a este grupo y así fue como comenzó a realizar sus primeras representaciones teatrales.

Ahí mismo en el seminario, leyó libros interesantes sobre teatro y fue de esta manera que por medio de la lectura tuvo su primer contacto con el teatro clásico, en especial sobre la obra de los españoles [[Lope de Vega]] y [[Calderón de la Barca]]. También en el seminario, (en donde fue el lector oficial) Ignacio aprendió a leer oralmente la poesía con la dicción y métrica correctas.

Esto le serviría en el futuro a nivel profesional, consolidándolo como uno de los mejores lectores orales de México, cosa que demostraría en sus recitales sobre corridos de la Revolución mexicana que al lado del maestro Roberto Rojas Barrales, celebre guitarrista de Tenango del Valle, que llevó el corrido mexicano a niveles internacionales, y cuyas interpretaciones son comparables a las hechas por maestros de la talla de [[Melchor de Marchena]], David Moreno y Antonio Bribiesca; dieran realce a sus solemnes versos e inigualable estilo y métrica revolucionaria que son ya un clásico dentro de su carrera y dentro de la historia artística del México contemporáneo.

Cuando Ignacio López estaba de regreso en la Ciudad de México, para recuperarse de aquel accidente sufrido en California, se entretenía -mientras guardaba reposo-, escuchando música clásica en la radio, leyendo varios libros de poesía y teatro, reavivando una vez más su gusto por la actuación la cual se había despertado antes cuando vivía en el seminario. Entre esos libros, Ignacio López se enamoró de la poesía de Xavier Villaurrutia.

Por esos días, Ignacio López vio por casualidad un anuncio en un periódico donde se informaba el inicio de cursos en el Instituto Nacional de Bellas Artes y en ese anuncio se enteró que uno de los maestros era nada menos y nada más que su admirado Xavier Villaurrutia, por lo que Ignacio una vez que se recuperó de su dolencia en la columna vertebral, inmediatamente acudió al Palacio de Bellas Artes para conocerle y pedirle le firmara un autógrafo en uno de sus libros. Estando allí, subió hasta al tercer piso donde se hallaba Villaurrutia impartiendo su clase y aguardó afuera del recinto donde se encontraba éste, esperando a que terminara de dar su cátedra a fin de poder expresarle su admiración. Pero quien quedó más admirado fue el propio Villaurrutia, al enterarse que el muchacho había acudido hasta allí tan sólo para conocerle. Por aquel entonces, Ignacio López tenía veinticuatro años de edad.

El maestro Villaurrutia al darse cuenta del interés de Ignacio, lo invitó a sus sesiones de clase. Al principio estuvo como oyente, pero poco tiempo después, Ignacio se integró formalmente al grupo y a participar más activamente en los ejercicios que su maestro aplicaba.
Por medio de Villaurrutia, Ignacio pudo conocer a otro maestro destacado llamado Xavier Rojas, fundador del grupo Teatro Estudiantil Autónomo (TEA) e Ignacio se integró a este grupo. El TEA hacía presentaciones al aire libre en las calles, plazas, parques, mercados y diversos puntos de la capital mexicana. De este modo, Ignacio López tuvo sus primeras experiencias histriónicas con un contacto más cercano con el público.

Xavier Villaurrutia muere apenas al año siguiente desde que él e Ignacio se conocieron, dejando el curso inconcluso el cual Ignacio había tomado con él. Por lo tanto, tuvo que entrar al relevo el maestro [[Salvador Novo]].

Además de Xavier Villaurrutia, Roberto Rojas, Xavier Rojas y Salvador Novo, Ignacio López tuvo otros maestros, como Clementina Otero, Celestino Gorostiza, André Moreau, Seki Sano, Fernando Wagner, Fernando Torre Lapham, entre otros.

Su debut teatral como estudiante de Bellas Artes fue en la obra El sueño de una noche de verano de [[William Shakespeare]]. Su debut profesional fue en 1951 con la obra Nacida ayer de Garson Kanin. [[Sor Juana Inés de la Cruz]], [[Miguel de Cervantes]], [[Guillén de Castro]], Hugo Argüelles, Emilio Carballido entre otros, son autores en cuyas obras Ignacio López también actuó.

Aunque López Tarso ha intervenido en muchas obras, su inclinación ha tenido preferencia en interpretar obras de tipo cultural tales como los clásicos griegos o españoles, de la época de [[Miguel de Cervantes|Cervantes]], [[William Shakespeare|Shakespeare]], etc. ya que según él, el teatro no sólo debe entretener al público, sino que debe hacer pensar al espectador y dejarle una enseñanza provechosa.

===Obras de Teatro===
*El sueño de una noche de verano (1948), de [[William Shakespeare|Shakespeare]].
*Crimen y castigo (1949), de [[Fiódor Dostoievski|Dostoievski]].
*Cándida (1952), de [[George Bernard Shaw]].
*La Celestina (1953), de [[Fernando de Rojas]].
*Las mocedades del Cid (1953), de [[Guillén de Castro]].
*Don Juan Tenorio (1953), de [[José Zorrilla]].
*Moctezuma II (1954), de Sergio Magaña.
*La discreta enamorada (1954), de [[Lope de Vega]].
*Reinar después de morir (1954), de [[Luis Vélez de Guevara]].
*Coplas por la muerte de su padre (1954), de [[Jorge Manrique]].
*Don Juan Tenorio (1954), de [[José Zorrilla]].
*La hidalga del valle (1954), de [[Calderón de la Barca]].
*La manzana (1955), de [[León Felipe]].
*Tovarich (1955), de Jacques Deval.
*Bus stop (1956), de William Motter Inge.
*Las brujas de Salem (1956), de [[Arthur Miller]].
*Un tigre a las puertas (1960), de [[Jean Giraudoux]].
*El mágico prodigioso (1960), de [[Calderón de la Barca]].
*Otelo (1960), de [[William Shakespeare|Shakespeare]].
*Edipo rey (1961), de [[Sófocles]].
*Cyrano de Bergerac (1962), de Edmond Rostand.
*Un hombre contra el tiempo (1963), de [[Robert Bolt]].
*El inspector (1965), de [[Nikolái Gógol|Gógol]].
*Los hombres del cielo (1965), de Ignacio Retes.
*Puñalada por la espalda (1966/67), de [[Clifford Odets]].
*La reina y los insurrectos (1967), de [[Ugo Betti]].
*El rey se muere (1968), de [[Eugène Ionesco|Ionesco]].
*El precio (1969), de [[Arthur Miller]].
*Adriano VII (1970), de Peter Luke.
*Hogar (1971), de David Storey.
*Juego de niños (1972), de Robert Marasco.
*El gran inquisidor (1973), de Hugo Argüelles.
*Tirano Banderas (1974), de [[Ramón María del Valle-Inclán|Valle-Inclán]].
*Hipolito (1974), de [[Eurípides]].
*El avaro (1978), de [[Molière]].
*El rey Lear (1981), de [[William Shakespeare]].
*El desperfecto (1989), de [[Friedrich Dürrenmatt]].
*Tirano Banderas (1993), de [[Ramón María del Valle-Inclán|Valle-Inclàn]].
*Edipo en Colono (2000), de [[Sófocles]].
*Doce hombres en pugna (2009), de Reginald Rose.

===Cine===
Su primera incursión en el séptimo arte no fue de su total agrado. Su debut fue en 1954 con la película La desconocida dirigida por Chano Urueta. El mismo Ignacio López Tarso reconoció desde su particular punto de vista que esta película fue uno de los peores filmes en que ha participado. Uno de los detalles que desagradó a López Tarso respecto a esta cinta, fue la nula trascendencia de su personaje. La intervención de su personaje le hizo honor al nombre de la película: fue “desconocida”, ya que los papeles importantes de la trama estuvieron a cargo de la bella Irasema Dilián y Miguel Torruco.

Esa primera e insatisfactoria experiencia en el cine, desanimó e hizo dudar a López Tarso si debía proseguir en otra intervención cinematográfica en el futuro. Pero, cuando participó en papeles importantes y alternó con grandes figuras, le renació el gusto por el cine.

El filme que consolidó a López Tarso en la pantalla grande y le dio muchas satisfacciones, fue la multipremiada cinta: Macario, filmada en 1959 con la dirección de Roberto Gavaldón, argumento de Bruno Traven (basado en un cuento de los hermanos Grimm), guion de Emilio Carballido y del mismo Roberto Gavaldón. Esta película refleja de manera folclórica la cultura e idiosincrasia del mexicano con respecto a la muerte, básicamente expresadas en el Día de Muertos, el cual es una tradición cuyo estilo mexicano es único en el mundo. López Tarso supo aprovechar y reflejar estos aspectos culturales acerca de la muerte, haciendo gala de sus naturales dotes histriónicos y compartiendo los principales créditos con [[Pina Pellicer]] y Enrique Lucero, quienes también brillaron en esta cinta. Con el dinero obtenido por esta película, López Tarso logró comprar su primer automóvil.

El filme Rosa Blanca fue otra cinta que también galardonó a López Tarso. Esta película rodada en 1961, curiosamente fue censurada en aquel tiempo por intereses económicos y tuvo que sufrir una larga espera hasta 1972, año en el cual finalmente fue estrenada. El filme fue dirigido por [[Roberto Gavaldón]].

Otras películas destacadas de López Tarso, son: Cri Cri, el grillito cantor (1963) con la dirección de [[Tito Davison]], El hombre de papel (1963) dirigida por [[Ismael Rodríguez]], El gallo de oro (1964) bajo la dirección de [[Roberto Gavaldón]], Tarahumara (Cada vez más lejos) (1964) dirigida por [[Luis Alcoriza]], La vida inútil de Pito Pérez (1969) también con el director Roberto Gavaldón, El profeta Mimí (1972) con el director José Estrada, Rapiña (1973) dirigida por [[Carlos Enrique Taboada]], Los albañiles (1976) dirigida por Jorge Fons, entre otras producciones.

Ignacio López Tarso formó parte de la Época de Oro del Cine Mexicano. A lo largo de su carrera cinematográfica, ha compartido créditos con actores de la talla de [[Dolores del Río]], [[Marga López]], [[Carlos López Moctezuma]], [[Elsa Aguirre]], [[Luis Aguilar]], [[Katy Jurado]], [[Pedro Armendáriz]], [[María Félix]], [[Emilio Fernández]], entre otros.

Ignacio López Tarso participó en medio centenar de películas y también ha intervenido en documentales y un cortometraje.

===Televisión===
Su primera participación en una teleserie fue la titulada Cuatro en la trampa (1961). Entre sus participaciones destacadas en teleseries se citan tales como: El derecho de nacer (1981), Senda de Gloria (1987) cuya trama era sobre la Revolución Mexicana. Ignacio López Tarso ha participado en más de veinte teleseries y ha colaborado en algunos programas especiales.

===Discos===
Ignacio López Tarso grabó ocho discos donde declama versos y corridos en su mayoría sobre la Revolución Mexicana, tales como Yo soy el corrido de Pepe Guízar, Muerte de Emiliano Zapata de Armando List Arzubide, Caballo prieto azabache de Pepe Albarrán, Doña Elena y el francés de David González, entre otros temas. En estas interpretaciones, se hace acompañar del maestro Roberto Rojas, quien interpretó mejor que nadie este estilo de música folclórica mexicana. Sus discos adquirieron tal éxito que ya son un clásico dentro de las grabaciones sobre folclor mexicano. En estos recitales, más que simplemente declamar, Ignacio López Tarso narra las historias al estilo de teatro en atril, es decir, desarrolla el diálogo de los personajes de la historia, como si fuera uno de ellos expresando sus diferentes estados de ánimo de acuerdo a las circunstancias de la historia, con singular maestría. Esto lo ha consolidado como uno de los mejores lectores orales de México.

[[Categoría:Actores del siglo XX|Ignacio López Tarso]]
[[Categoría:Nacidos en 1925|Ignacio López Tarso]]
[[Categoría:Nacidos en México|Ignacio López Tarso]]
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Imanol Larzabal

2024-01-30T02:41:04Z

Csuarezllosa:

[[Imagen:Imanol Larzabal.jpg|200px|right|thumbnail]]
'''Imanol Larzabal Goñi''' (San Sebastián, [[11 de noviembre]] de [[1947]] - Orihuela, [[26 de junio]] de [[2004]]), conocido como '''Imanol''', fue un cantante y compositor en euskera y castellano, gran defensor de la cultura y la lengua vascas. Exiliado durante la dictadura franquista, tuvo que abandonar de nuevo el País Vasco en los últimos años de su vida, ante el acoso del entorno etarra.

==Biografía==
Nacido San Sebastián el 11 de noviembre de 1947, realizó estudios de delineación, aunque nunca llegó a ejercer la profesión. Empezó a cantar en euskera en 1964 y su primer disco apareció bajo pseudónimo, titulado de la misma manera, Mikel Etxegaray. Tres años más tarde entró a colaborar con ETA, siendo encarcelado el 29 de agosto de 1968 durante seis meses por terrorismo, organización y propaganda ilegal. Se exilió a Francia y vivió en Bayona, Burdeos y París; allí fue donde contactó con futuros amigos y colaboradores como [[Paco Ibáñez]], el grupo bretón Gwendal o [[Elisa Serna]]. Tras la amnistía de 1977, volvió a España y continuó su carrera musical en el País Vasco, comprometiéndose en diversas iniciativas en defensa de la cultura y la lengua vascas, como la marcha reivindicativa anual en favor del euskera, Korrika. Sin embargo poco a poco se fue alejando del entorno de ETA, lo que no le impidió dejar presentes sus ideas políticas a favor de la autodeterminación y en contra de la violencia, aún participando en actos de ¡Basta Ya! posteriormente.

El 10 de junio de 1985 fue detenido junto con Josu Landa y su equipo técnico (Pedro Luis Uranga, Mariano de la Fuente y Juan Antonio Ros) tras verse involucrado en la fuga de los etarras Joseba Sarrionandia, Sarri, y de Iñaki Pikabea, "Piti", de la cárcel de Martutene, Guipúzcoa. Tras un concierto de Imanol estos escaparon escondidos en dos altavoces acondicionados para la fuga que otros presos etarras cargaron en la furgoneta del grupo; poco después fue puesto en libertad tras ser esclarecidos los hechos.

En 1986 participó en un concierto en homenaje a la ex-activista de ETA Yoyes, asesinada por sus antiguos compañeros en la localidad de Ordizia. La participación en dicho homenaje le valió ser boicoteado por parte de su público, el sector social simpatizante de ETA; debido a ello fue vetado sistemáticamente de todos aquellos recitales organizados por los estamentos controlados por Herri Batasuna, y las ventas de sus discos fueron descendiendo en la medida en que se incrementaban los ataques contra él. En los años siguientes recibió amenazas de muerte en forma de pintadas y de ataques a su coche, llegándole a pinchar las ruedas. El 21 de septiembre de 1989 realizó otro concierto con el mismo fin.

Tras este último las amenazas se intensificaron, y un grupo de amigos, junto con algunos concejales de Euskadiko Ezkerra de Ordizia, propusieron organizar un acto de apoyo al cantante y pensaron que lo mejor era otro concierto. El 2 de noviembre de 1989, acompañado de Anjel Lertxundi, Imanol anunciaba el acto Todos contra Miedo, que se celebraría el 5 de noviembre en el Polideportivo de Anoeta, en contra de las amenazas de ETA, con la participación de [[Rosa León]], [[Javier Krahe]], Ricardo Solfa, [[Joaquín Sabina]], [[Luis Eduardo Aute]], [[José Antonio Labordeta]], [[Paco Ibáñez]], [[Luis Pastor]] y Urko (éste último el único vasco de los anteriores). Al día siguiente, se sumaron [[Elisa Serna]], Amaya Uranga, [[Francesc Pi de la Serra|Pi de la Serra]], Gorka Knörr y Xavier Ribalta. También actuaron varios bertsolaris como Andoni Egaña, Joxé Lizaso, Xabier Euzkitze, Azpillaga y Basabe, y los cantantes Iñaki Eizmendi, [[Pablo Guerrero]] y [[Enrique Morente]]. Se leyeron telegramas de [[Comisiones Obreras|CCOO]], Juan María Bandrés, [[Luis Cobos]], [[Teddy Bautista]], [[Julio Caro Baroja|Caro Baroja]], [[Jorge Oteiza]] y [[Rafael Alberti]], y apareció una lista de 180 ex-presos de ETA, en la que se autoinculpaban de ser traidores al pensamiento obligatorio de la banda terrorista. Igualmente, se abrió un manifiesto de apoyo encabezado por [[Joan Manuel Serrat]], [[Víctor Manuel]], [[Ana Belén]], [[Miguel Ríos]], [[Lluís Llach]] y [[Georges Moustaki]], al que más tarde se adhirieron, entre otros, Joxe Mari eta Mikel, Antton Valverde, [[Lourdes Iriondo]], [[Xabier Lete]], [[Fernando Savater]], [[Gabriel Celaya]], [[Agustín Ibarrola]], Raúl Guerra Garrido o [[Vicente Molina Foix]]. Algunos de los firmantes posteriormente retiraron su apoyo presionados por el entorno de ETA. El día del concierto se le entregaron a Imanol 150 hojas, llenas por ambas caras, de firmas de apoyo.

Un mes más tarde, se celebró en Ataun un homenaje a José Miguel de Barandiaran, con motivo de cumplir los cien años, al cual fueron invitados nueve artistas, entre ellos Imanol; dos de ellos se negaron a compartir escenario con él y ante la firmeza de la comisión organizadora, renunciaron a actuar, no sin antes presionar a los demás. Finalmente el acto se celebró con la única participación de Bitoriano Gandiaga, Antton Valverde e Imanol, habiendo renunciado los demás bien por solidaridad con los disidentes, bien por no involucrarse en asuntos extra-musicales.

En octubre del año 2000 anunció que abandonaba el País Vasco, harto de las amenazas etarras. En ese momento dijo que en Euskadi se vivía un "ambiente irrespirable" y explicó que había venido sufriendo todo tipo de presiones desde que en 1986 participó en un concierto de homenaje a Dolores González Katarain, Yoyes, asesinada por ETA. Desde entonces, sólo regresó de forma esporádica y en 2004 colaboró en el disco colectivo en recuerdo al fallecido Julen Lekuona. Ese año, en su disco Ausencia, en el que volvía a adentrarse en la canción en castellano, ya delataba sus intenciones, además de ser un homenaje al profesor Mikel Azurmendi, amigo personal suyo que también decidió dejar Euskadi.

El 25 de junio de 2004 sufrió repentinamente un derrame cerebral en Orihuela, cuando se preparaba para participar en un concierto-homenaje a los republicanos españoles, muriendo el día 26. Su última obra, un disco de canciones de cuna en diversos idiomas, quedó inconclusa.

==Discografía==
*Orain Borrokarenean (1972, Le Chant du Monde).
*Herriak ez du barkatuko (1974).
*Lau haizetara (1977).
*Sentimentuen auspoz (1979).
*Jo ezan (1981).
*Iratze Okre Geldiak(1983).
*Orhoituz (1985).
*Muga beroetan (1989).
*Viajes de mar y luna (1990).
*Barne kanta (1994).
*Hori bera da denen ixtoria (1996).
*Ausencia (2000).
*Versos encendidos (2003).

[[Categoría:Cantautores del siglo XX|Imanol Larzabal]]
[[Categoría:Cantautores del siglo XXI|Imanol Larzabal]]
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[[Categoría:Fallecidos en 2004|Imanol Larzabal]]
[[Categoría:Fallecidos en Orihuela|Imanol Larzabal]]
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Ignacio de Cárdenas Pastor

2024-01-30T02:37:39Z

Csuarezllosa:

'''Ignacio de Cárdenas Pastor''' (Madrid, [[22 de diciembre]] de [[1898]] - El Espinar (Segovia), [[18 de agosto]] de [[1979]]) fue un arquitecto español.

==Biografía==
Era hijo de Ramón de Cárdenas Padilla, periodista natural de La Habana que había emigrado a finales del [[siglo XIX]] a Madrid y que pertenecía a la nobleza criolla. Ignacio fue uno de los primeros alumnos del Colegio del Pilar y estudió arquitectura en la Escuela de Madrid, donde se tituló en 1924. Era hermano de Manuel de Cárdenas Pastor, uno de los arquitectos más destacados del primer tercio del siglo XX y de Ramón de Cárdenas, abogado, jugador de fútbol y cuarto presidente del Atlético de Madrid.

Apenas finalizados sus estudios fue contratado por la recién creada Compañía Telefónica Nacional de España como jefe del Departamento de Edificaciones. En 1925 viajó a Nueva York, donde en compañía del arquitecto jefe de IT&T, Louis S. Weeks, empezó a trabajar en los planos de la sede de Gran Vía.

Como responsable máximo de la arquitectura de Telefónica, participó en la concepción y diseño de las centrales más importantes, como la de Plaza de Cataluña en Barcelona, Plaza de Castelar en Valencia, Avenida de Buenos Aires en Bilbao o Avenida de la Independencia en Zaragoza. Aplicó estilos muy variados, desde el neobarroco de Gran Vía al racionalismo de la pequeña central de León o del edificio central de la Telefónica zaragozano.

Durante la [[Guerra Civil Española]], permaneció en Madrid, anotando con cuidado los daños que sufría su obra más destacada como resultado del fuego de artillería. Debido a sus simpatías republicanas, se exilió en Francia (Haute Savoie y Bayonne) y fue depurado por el Colegio de Arquitectos de Madrid.

Como en otras muchas familias españolas, la guerra dividió a los numerosos descendientes de Ramón de Cárdenas. Gonzalo de Cárdenas Rodríguez (1904-1954), hijo de Manuel y también arquitecto, fue Director de Regiones Devastadas, un organismo creado en la posguerra por el gobierno de [[Francisco Franco|Franco]] para reconstruir las poblaciones destruidas por los combates. Gonzalo de Cárdenas invitó a su tío a colaborar en el proyecto del Edificio Bancaya (p. 1947, c. 1949-1953), un rascacielos de viviendas ubicado en la esquina de la Avenida de América y María de Molina, en Madrid. Tras este proyecto conjunto, Ignacio de Cárdenas firmó algunas obras de menor porte, pero su actividad nunca recuperó el ritmo anterior a la guerra.

[[Categoría:Arquitectos del siglo XX|Ignacio de Cárdenas Pastor]]
[[Categoría:Nacidos en 1898|Ignacio de Cárdenas Pastor]]
[[Categoría:Nacidos en Madrid|Ignacio de Cárdenas Pastor]]
[[Categoría:Fallecidos en 1979|Ignacio de Cárdenas Pastor]]
[[Categoría:Fallecidos en El Espinar|Ignacio de Cárdenas Pastor]]
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Luis de Góngora y Argote

2023-09-13T06:10:24Z

Csuarezllosa:

[[Imagen:Gongora.jpg|275px|right|thumbnail|Luis de Gongora por [[Diego Velázquez|Velázquez]].]]
'''Luis de Góngora y Argote''', ([[Córdoba]], [[11 de julio]] de [[1561]] – [[23 de mayo]] de [[1627]]). Nació en el seno de una familia ilustre de clérigos y juristas. Estudió Leyes en la Universidad de Salamanca hasta [[1581]]. Fue racionero de la [[Mezquita-Catedral|Catedral de Córdoba]] en [[1585]].

Viaja por España, y pasa largas temporadas en la Corte intentando sin éxito conseguir un cargo. Adquiere pronto un enorme prestigio, pero se gana la enemistad de algunas personas influyentes (en especial, [[Francisco de Quevedo|Quevedo]]), que harán todo lo posible por hundirle.

Tras regresar a Córdoba en [[1609]], compone allí sus obras mayores: el ''Polifemo'' y las ''Soledades''. Se abre una brecha cultural entre los partidarios de su poesía vanguardista y los detractores acérrimos de la misma.

En [[1617]] se establece en Madrid y consigue que Felipe III le nombre su capellán, tras lo cual se ordena como sacerdote, sin vocación.

Su pasión por el juego le lleva a dilapidar su fortuna. Le persiguen los acreedores. Intenta publicar sus poesías para sacar algún dinero, pero se encuentra con que ni siquiera conserva los originales. Terminan echándole de su casa por impago del alquiler (se dice que el propio [[Francisco de Quevedo|Quevedo]] compra la casa para tener el gusto de expulsarle). En [[1626]] sufre un ataque cerebral del que no se repondrá por completo. Con las facultades mentales trastornadas (recuerda el pasado, pero olvida al instante lo que le pasa) se retira a Córdoba, donde muere el [[23 de mayo]] de [[1627]].

== Comentario ==
{{TOCderecha}}
[[Imagen:Gongor.jpg|left|thumb|140px|Monumento a Góngora en Córdoba.]]
Dentro del [[Barroco]] es el máximo representante del [[culteranismo]], que a partir de Góngora pasó a llamarse Gongorismo.

En su obra se distinguen dos vertientes diferenciadas: ''de ángel de luz se convirtió en ángel de tinieblas''; pero [[Dámaso Alonso]] (el mejor estudioso de Góngora) ha mostrado admirablemente que en modo alguno pueden contraponerse dos estilos diferentes en Góngora.

En sus primeras obras (hasta [[1613]]), el lenguaje es relativamente accesible, aunque lleno, como el de [[Francisco de Quevedo|Quevedo]], de ingeniosas figuras literarias (especialmente metáforas, paralelismos, antítesis y paradojas); a partir de [[1613]], al mismo tiempo que sigue componiendo obras notables en su estilo anterior, ensaya además en sus poemas mayores (''Polifemo'' y ''Soledades'') una poesía nueva, artificiosa y muy difícil de entender, llena de referencias a los mitos clásicos, de hipérbatos y de latinismos léxicos y sintácticos (la que Quevedo llamó ''jerigóngora'', o sea, jerigonza gongorina). Este segundo estilo recibe el nombre de [[culteranismo]], por estar pensando para un público muy restringido de personas de gran cultura y capacidad intelectual: en su época fue recibido por unos como un gran paso adelante, y por otros como un excéntrico callejón sin salida.

Los poetas de la [[Generación del 27]], celebraron un homenaje en el tercer centenario de la muerte de Góngora, acto con el que reivindicaban su poesía y lo elegían como maestro por su riqueza expresiva. Uno de los poetas de la generación, [[Federico García Lorca]] escribió: ''A Góngora no hay que leerlo, sino estudiarlo. Góngora no viene a buscarnos, como otros poetas, para ponernos melancólicos, sino que hay que perseguirlo razonablemente. A Góngora no se le puede entender de ninguna manera en la primera lectura. Una obra filosófica puede ser entendida por unos pocos nada más, y, sin embargo, nadie tacha de oscuro al autor. Pero no; esto no se estila en el orden poético, según parece''.

== Obra ==
=== Obra poética ===
[[Imagen:Gongora urna.jpg|right|thumb|200 px|Urna funeraria en la [[Mezquita-Catedral]] de Córdoba.]]
Escribió décimas, romances, letrillas, sonetos, y 124 cartas. Ninguna de sus obras fue publicada, durante su vida.
*Poemas menores
**Romances: nos dejó casi un centenar. Góngora es uno de los grandes creadores del Romancero Nuevo, es decir, culto y de autor conocido. Su temática es muy amplia: destacan los amorosos y de cautivos. Con frecuencia introduce estribillos de inspiración tradicional, y además de romances octosílabos compone endechas (en heptasílabos) y romancillos (en hexasílabos).
**Letrillas: escribió también gran número de ellas. En las mejores, logra aunar de forma prodigiosa la frescura popular y la elaboración culta.
**Sonetos: compuso más de 200, de temática muy variada (amorosos, satíricos, burlescos, morales, sacros, de circunstancias). Muchos de ellos destacan por su perfecta construcción. Dedicó un [[soneto a Córdoba]].

* Grandes poemas
** ''Fábula de Polifemo y Galatea'' ([[1612]]). Consta de 63 octavas reales (versos endecasílabos, con rima consonante ABABABCC). Desarrolla un mito grecolatino muy conocido, recogido por Ovidio en sus ''Metamorfosis'': el cíclope Polifemo se enamora de la ninfa Galatea, pero ésta le desprecia y da su amor al joven pastor Acis. Polifemo mata a su rival arrojándole un gran peñasco, pero los dioses convierten a la víctima en un dios-río. La historia era bien conocida: Góngora la utiliza como punto de partida para su construcción de imágenes sorprendentes, de enorme belleza y sofisticación.
[[Imagen:Placa muerte gongora.JPG|right|thumb|200 px|Placa conmemorativa del lugar donde murió.]]
** ''Soledades '' ([[1613]]), silva en dos partes, inacabada. Góngora pensaba describir en cuatro poemas la experiencia de un peregrino a través del mundo (campos, riberas, selvas y yermos) y de las cuatro edades del hombre (adolescencia, juventud, madurez y vejez). Sólo llegó a escribir la primera y parte de la segunda. En la primera Soledad, se nos narra cómo un náufrago es recogido en la playa por unos pastores, que le conducen a su pueblo. Allí asiste a una alegre boda. En la segunda, el mismo joven aparece en una ría y en una isla, en compañía de unos pescadores, participando en sus problemas amorosos y en una partida de caza. El lenguaje es aún más críptico que el del ''Polifemo''.
** ''Panegírico al duque de Lerma'' ([[1617]], inacabado)

=== Obra dramática ===
* ''Las firmezas de Isabela
* ''El doctor Carlino

[[Categoría:Poetas del siglo XVI|Gongora, Luis de]]
[[Categoría:Poetas del siglo XVII|Gongora, Luis de]]
[[Categoría:Nacidos en 1561|Gongora, Luis de]]
[[Categoría:Nacidos en Córdoba|Gongora, Luis de]]
[[Categoría:Fallecidos en 1627|Gongora, Luis de]]
[[Categoría:Fallecidos en Córdoba|Gongora, Luis de]]
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Manuel Canseco

2023-09-13T06:01:46Z

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[[Imagen:Manuel Canseco.jpg|250px|right|thumbnail|[http://www.uco.es/servicios/comunicacion/actualidad/noticias/item/312-20040723 Universidad de Córdoba].]]
'''Manuel Canseco Godoy''' (Villanueva de la Serena, Badajoz, [[13 de febrero]] de [[1941]]) es un director teatral español.

==Trayectoria==
Cursó estudios teatrales en el T.E.M (Teatro Estudio de Madrid) que completó con un curso de de realización televisiva en la Escuela de Comunicación de Remscheid (Alemania).

Comenzó su carrera como ayudante de [[José Luis Alonso Mañés|José Luis Alonso]] y fue director adjunto durante más de siete años en el Teatro María Guerrero. Desde 1970 pudo dirigir su propia compañía de teatro.

===Teatro===
A lo largo de los años ha dirigido decenas de obras de teatro, tanto de autores clásicos como contemporáneos, además de Ópera y Zarzuela.
Igualmente fue director de varios teatros como el Real Coliseo Carlos III, de El Escorial, el Teatro Jacinto Benavente, el Teatro Lara, el Teatro Beatriz, y el Teatro Galileo (2001-2009), todos ellos en Madrid, la Sala Trajano, de Mérida y del Centro Dramático y de Música de Extremadura. Además fundó la Compañía El Corral de la Pacheca en 1982 y dirigió el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida (1990-2002).

Por otro lado, y en su faceta de dramaturgo, es autor de numerosas adaptaciones teatrales de autores clásicos, entre las que pueden destacarse Querellas ante el dios Amor sobre obras de los siglos [[Siglo XIV|XIV]] y [[Siglo XV|XV]] y Eteocles y Polinices, sobre textos de [[Eurípides]] y [[Esquilo]].

===Cine===
Su paso por la gran pantalla se desarrolló a través de colaboraciones en tareas de dirección y de producción, en títulos como Llanto por un bandido, de [[Carlos Saura]], Los cien caballeros, de [[Vittorio Cottafavi]], La caída del Imperio Romano, 55 días en Pekín, El Circo, The Think Red Line o El Tulipán Negro.

===Televisión===
Durante los años setenta y ochenta colaboró en Televisión española, en espacios como Mujeres insólitas, que dirigió [[Cayetano Luca de Tena]] o adaptaciones para la pequeña pantalla de clásicos teatrales en el espacio Estudio 1, como Don Gil de las calzas verdes o Marta la piadosa. Además fue realizador de los programas Zarabanda, dirigida por Camino Ciordia, y Letra pequeña (1984-1986), que dirigió Clara Isabel Francia y presentó Isabel Tenaille.

===Formación e Investigación===
Colaborador habitual en publicaciones sobre teatro como Primer Acto, El Público, Cuadernos de la Sociedad de Estudios Clásicos, etc.
Además, ha impartido cursos de interpretación, en el Aula de Teatro de la Universidad Autónoma de Madrid, el taller de formación sobre textos clásicos Ágora y en el Instituto de Teatro y Artes Escénicas, de Gijón.

==Premios==
*Finalista del Premio Doncel de novela corta (1970)
*Premio de Teatro Tirso de Molina, por "Proceso a Besteiro".2

==Obras dirigidas==
'''Obras del Siglo de Oro:'''
*El escondido y la tapada (2001), de Calderón de la Barca
*Julio César (1999), de William Shakespeare
*El cerco de Numancia (1998), de Miguel de Cervantes
*Los enredos de una casa (1989), de Sor Juana Inés de la Cruz
*El mágico prodigioso (1988), de Calderón de la Barca
*No hay burlas con el amor (1986), de Calderón de la Barca
*La villana de Vallecas (1982), de Tirso de Molina
*Casa con dos puertas mala es de guardar (1979, 2008), de Calderón de la Barca
*La Cisma de Inglaterra (1979,1981), de Calderón de la Barca
*El perro del hortelano (1975), de Lope de Vega

'''Clásicos grecolatinos:'''
*Ciclo Tebano (2004), compuesto por las obras: Edipo Rey, Edipo en Colono, Eteocles y Polinices y Antígona
*La Orestiada (1984), de Esquilo
*Las Troyanas (1984), de Eurípides3
*Medea (1983), de Eurípides
*La asamblea de las mujeres (1982), de Aristófanes
*La Paz (1977), de Aristófanes, en versión de Francisco Nieva

'''Autores modernos:'''
*La decente (2005), de Miguel Mihura
*Tú y yo somos tres (2004), de Enrique Jardiel Poncela4
*Usted tiene ojos de mujer fatal (2003), de Jardiel Poncela5
*Serafín el pinturero (2002), de Carlos Arniches
*Aurora (2002), de Domingo Miras
*Misericordia (2001), de Galdós
*Ventolera (1999), de los Álvarez Quintero
*Fedra (1999), de Miguel de Unamuno
*El tragaluz (1997), de Antonio Buero Vallejo6
*La sopera (1998), de Robert Lamoreaux
*Dos mujeres a las nueve (1997), de Juan Ignacio Luca de Tena
*La Ley de la Selva (1995), de Elvira Lindo
*Diálogos de Fugitivos (1994), de Bertolt Brecht
*Mariposas negras (1994), de Jaime Salom7
*Miau (1988), de Benito Pérez Galdós
*Cosas de papá y mamá (1987), de Alfonso Paso8
*Barbieri (1987), de Rodríguez Méndez
*Mariquilla Terremoto (1986) de los Hermanos Álvarez Quintero
*Las cinco advertencias de Satanás (1985), de Jardiel Poncela
*Un hombre en la puerta (1984), de Jaime Salom
*Yo fui la amante del Rey (1980), de Emilio Romero
*La Saturna (1980), de Domingo Miras
*Tauromaquia (1975), de Juan Antonio Castro

'''Óperas:'''
*Salambó (1991), de Modest Músorgski, para el Teatro Kirov, de Leningrado;
*A te Bellini, con libreto propio y música del compositor,
*Rossini alla carta, espectáculo de ópera sobre la obra de Rossini

'''Zarzuelas:'''
*La rosa del azafrán
*La calesera

'''Espectáculos líricos y musicales:'''
*Barbieri
*Personnages
*Alboreá
*Madrid, locos años 20, espectáculo musical

[[Categoría:Directores de teatro del siglo XX|Canseco, Manuel]]
[[Categoría:Directores de teatro del siglo XXI|Canseco, Manuel]]
[[Categoría:Nacidos en 1941|Canseco, Manuel]]
[[Categoría:Nacidos en Villanueva de la Serena|Canseco, Manuel]]
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Manuel Fernández Álvarez

2023-09-13T06:00:02Z

Csuarezllosa:

[[Imagen:Manuel Fernandez Alvarez.jpg|250px|right|thumbnail]]
'''Manuel Fernández Álvarez''' (Madrid, [[7 de noviembre]] de [[1921]] - Salamanca, [[19 de abril]] de [[2010]]) historiador español, considerado como autoridad en la España del siglo XVI.

Licenciado en Filosofía y Letras por la Universidad de Valladolid (1942). Doctor por la Universidad Central con una tesis sobre Felipe II e Isabel de Inglaterra (1947). Doctor por la Universidad de Bolonia (junto con el Premio Vittorio Emanuele, 1950). Investigador del CSIC. Catedrático de Historia Moderna de la Universidad de Salamanca (1965). Fundó el Colegio Universitario de Zamora (1976). Premio Nacional de Historia de España (1985). Miembro de la Real Academia de la Historia (1987). Académico de Mérito de la Academia Portuguesa de Historia (1992). Profesor emérito de la Universidad de Salamanca y del Colegio Libre de Eméritos.

Dedicó más de cincuenta años al estudio del [[siglo XVI]], fruto de los cuales son su obra magna Carlos V, el césar y el hombre (VI Premio Don Juan de Borbón al libro del año en 2000), el monumental Corpus documental de Carlos V (Salamanca, 1973-1981) o Cervantes visto por un historiador, Premio Quijote del Año de la Sociedad Cervantina de Esquivias.

Escribió dos novelas históricas ''El príncipe rebelde'' y ''Dies irae'', que han recibido el aplauso unánime de la crítica y de los lectores.

==Premios==
Recibió la Medalla de Oro de la Ciudad de Salamanca. También recibió el Premio de Ensayo y Humanidades "José Ortega y Gasset" 2006, dentro de los galardones Villa de Madrid.

==Obras (selección)==
*Corpus Documental de Carlos V (cinco volúmenes, 1973-1981). Universidad de Salamanca. Ediciones Universidad Salamanca, ISBN 84-600-6720-3
*Carlos V: (un hombre para Europa), Madrid : Cultura hispánica, 1976. ISBN 84-7232-122-3
*La Sociedad Española del Siglo de Oro (1984) - 1ª. ed.: Madrid : Editora Nacional, 1984 - Premio nacional "Historia de España" 1985 - 2ª *ed. rev. y aum. en 2 v.: Madrid : Gredos, 1989.
*Jovellanos, el patriota. Espasa Calpe, 2001. ISBN 84-239-9766-9
*En Historia de España Menéndez Pidal los volúmenes:
**XIX: La España del siglo XVI (1989);
**XX: La España del Emperador Carlos V (1993), (6ª ed.).
*Fray Luis de León: la poda floreciente (1591-1991). Espasa Calpe, 1991. ISBN 84-239-2249-9
*Juana la Loca, la cautiva de Tordesillas (1994).
*Felipe II y su tiempo (1998) - Madrid : Espasa Calpe, 1998 - La tercera parte de la edición original fue reeditada posteriormente en edición de bolsillo con el título: Felipe II ([Barcelona] : Booket ; [Madrid] : [Espasa Calpe], 2005).
*Carlos V, el césar y el hombre. Espasa Calpe, 1999. ISBN 84-239-9752-9
*El fraile y la Inquisición. Espasa Calpe, 2002. ISBN 84-670-0106-2
*Casadas, monjas, rameras y brujas: la olvidada historia de la mujer española en el Renacimiento Espasa Calpe, 2002. ISBN 84-670-0266-2
*El príncipe rebelde,(2000), Espasa Calpe, ISBN 84-239-6492-2
*Dies Irae;
*Isabel la Católica, (2006), Espasa-Calpe. Madrid,. ISBN: 9788467021134
*Sombras y luces de la España Imperial, 2005, Espasa Calpe, ISBN 84-670-1610-8
*Cervantes: visto por un historiador. Espasa Calpe, 2005. ISBN 84-670-1864-X
*El Duque de hierro. Fernando Álvarez de Toledo, III Duque de Alba (2007). Espasa-Calpe, ISBN 84-670-2625-1
*Pequeña historia de España (2008) Espasa-Calpe, ISBN 84-670-2831-9
*Diario de un estudiante en tiempos de la Guerra Civil, (2007). Espasa-Calpe, ISBN 978-84-670-2487-6
*España. Biografía de una nación (2010) Espasa-Calpe, ISBN: 978-84-670-3265-9
*"La princesa de Éboli", (2009) Espasa Calpe., ISBN: 978-84-670-3283-3
*"La gran aventura de Cristóbal Colón", (2006). Espasa Calpe., ISBN: 84-670-2142-X

[[Categoría:Historiadores del siglo XX|Fernández Álvarez, Manuel]]
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[[Categoría:Nacidos en Salamanca|Fernández Álvarez, Manuel]]
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Luis VII de Francia

2023-09-13T05:54:06Z

Csuarezllosa:

[[Imagen:Luis VII de Francia.jpg|200px|right]]

'''Luis VII de Francia''', llamado '''Luis el Joven''' ([[1120]] — Melun, [[18 de septiembre]] de [[1180]]), fue un rey de los francos de [[1137]] a [[1180]], sexta dinastía directa de los Capetos. Era hijo de [[Luis VI de Francia|Luis VI]], llamado Luis el Gordo, rey de los francos, y de [[Adela de Saboya]] (v. 1100-1154), por parte de su madre era un carolingio y un bosonide. Se casó con: [[Leonor de Aquitania]], [[Constanza de Castilla]] (1140-1160) y [[Adela de Champaña]]. Su hijo [[Felipe II de Francia|Felipe Augusto]] fue su sucesor.
== Principio del reino ==
Es consagrado rey en Reims el [[25 de octubre]] de [[1131]] por el Papa Inocencio II tras la muerte accidental de su antecesor Felipe (1116-1131) (no confundir con su hermano mayor, del mismo nombre, muerto a causa de una caída de caballo el [[13 de octubre]] de [[1131]]). Después de morir su padre, Luis el Gordo (a causa de sus copiosas comilonas), es coronado en Bousadges el [[25 de diciembre]] de [[1137]].

Antes de morir, su padre había concertado su matrimonio con [[Leonor de Aquitania]] (1122 – 1204), hija de [[Guillermo X de Poitiers]], duque de Aquitania y Leonor de Châtellerault, matrimonio que tuvo lugar en Burdeos el 25 de julio de 1137. Este ventajoso matrimonio le proporcionó un dominio real casi triplicado ya que la joven esposa aportó con su dote la Guyena, Gascuña, Poitou, Lemosín, Angoumois, Saintonge y Périgord, es decir, una parte del Midi y de Oeste de Francia, equivalente a 19 ciudades actuales. El carácter del rey, devoto, ascético (quería ser monje) ingenuo y torpe, poco enérgico e indeciso, se aviene mal con el carácter fuerte de Leonor; sin embargo, los diez primeros años parecen discurrir sin problemas.

Luis VII apartó a su madre de la Corte, pero conservó a los consejeros de su padre, entre ellos al abad de Saint-Denis, Suger. Continuó con la misma política llevada por su padre y revalorizó el domino real. Ese mismo año empiezan los trabajos de construcción de la basílica de Saint-Denis. Hizo múltiples concesiones a las comunidades rurales, fomentó la agricultura y favoreció la emancipación de los siervos. Propició el favor de las ciudades concediendo cartas de burguesía (mediante esta concesión los burgueses obtenían una serie de beneficios y los municipios se administraban de un modo independiente al señor feudal) (Étampes, Bourges), (Reims, Sens, Compiègne, Auxerre), agrupándolos alrededor de sus dominios. Y mantuvo la elección de los obispos consagrados al poder real.

En mayo de 1141, Luis VII se enfrenta al conde [[Teobaldo II de Champaña]] y al Papa Inocencio II, con motivo de la toma de posesión del obispado de Langres, ya que él quería que fuera elegido un monje de Cluny, candidato Bernardo de Claraval. De nuevo vuelve a oponerse al Papa en 1141 intentando imponer su candidato para la sede de Bourgues contra Pierre de la Châtre (apoyado por el sumo pontífice). El Papa excomulga a Luis y Pierre de la Châtre se refugia en Champaña. El rey invade el condado y a su paso incendia, durante el verano de 1142, Vitry-en-Perthois y su iglesia, en la cual se hallaban refugiados los habitantes de la villa.

Para zanjar definitivamente el problema, el rey firma el tratado de Vitry con el conde Teobaldo II en el otoño de 1143, aceptando la elección de Pierre de La Châtre y consiguiendo que se anule el veto que pesa sobre el reino; el 22 de abril participa en la conferencia de Saint-Denis para solucionar el conflicto surgido entre la Santa Sede y él.
== La segunda cruzada ==
Para sellar el acuerdo, el rey acepta tomar parte en la Cruzada alentada por Bernardo de Claraval y, cerca de la Navidad de 1145, Luis VII anuncia su decisión de unirse a ella para socorrer a los Estados cristianos de Palestina, amenazados por los turcos que acababan de invadir el condado de Édesse en 1144 y perpetraron la masacre de centenares de cristianos. En 1146 el rey toma la cruz, a la vez que numerosos barones, durante la asamblea de Vézelay.

El 11 de junio, el rey Luis VII y Leonor parten para la Segunda Cruzada al mando de 300 caballeros y una cuantiosa armada, seguidos por decenas de millares de peregrinos. Salen de Metz y pasan por el valle del Danubio, donde son recibidos por la armada del emperador Conrado III, proyectan pasar por Asia menor para ir a Constantinopla donde llegan el 4 de octubre de 1147.

La expedición está lastrada por la discordia existente entre los clanes franceses y alemanes, por la inexperiencia de Luis VII que se muestra dubitativo, y por la falsedad de los bizantinos que perjudican a los cristianos, más que ayudarles. Engañado por éstos, Luis VII es derrotado por los turcos en Asia Menor y sufre varios reveses en Siria. Con grandes dificultades llega a Antioquía en marzo de 1148, que estaba en manos de Raimundo de Poitiers, tío de Leonor, y recibe a los cruzados con muchas atenciones.

Raimundo espera que Luis VII le ayude a combatir al enemigo que le había despojado de algunos de sus territorios, pero el rey sólo pensaba en ir a Jerusalén. Leonor intenta, en vano, convencer a su marido para que ayude a su tío Raimundo de Poitiers. El rey prefiere los consejos del Templario eunuco Thierry de Galeran. Después los cronistas de la época se enfurecen y le culpan de adulterio: Guillermo de Tiro le acusa también de un incesto con su propio tío.

Luis VII obliga a Leonor a seguirle y deja Antioquía. Llega a Jerusalén en cumplimiento del peregrinaje que se había impuesto. En junio de 1148, intenta tomar Damasco, ante la que su armada está esperando. La pareja real permanece un año en Tierra Santa antes de volver por mar, y por separado, a Francia. El rey es, allí mismo, apresado por los bizantinos, siendo liberado por el normando Rogelio II de Sicilia.

Al final, la participación de Luis VII en esta segunda cruzada resultó muy perjudicial para el futuro del reino, porque la expedición repercutió de manera negativa sobre todos sus planes:
*Financiera, porque esta expedición empobreció considerablemente el tesoro real.
*Política, porque el rey no se ocupó directamente del reino durante los dos años de ausencia y, en consecuencia, disminuyó su poder sobre los grandes feudales.
*Militar, porque la cruzada fue una sucesión de derrotas militares y una parte de su caballería y de la gran armada fueron sacrificadas.
*Dinástica y patrimonial, porque esta cruzada provocó la ruptura del rey con Leonor.
*Territorial porque, tras la separación, Leonor recuperó todos los feudos que había aportado con su dote.
*Estratégica, porque Leonor al casarse con el futuro rey de Inglaterra proporcionó inmensos territorios a la corona de Inglaterra, permitiendo así la presencia, en el continente, de un temible competidor para el rey de Francia. Por su matrimonio el rey [[Enrique II de Inglaterra]], reinó sobre un territorio que se extendía desde Escocia a los Pirineos, comprendiendo Inglaterra, Anjou, Maine, Normandía, Aquitania y Bretaña.
== La separación de Leonor ==
Durante el viaje de vuelta a Francia, en noviembre de 1149, Luis VII pensó en separarse de Leonor. Pero el Papa Eugenio III, tras una parada en la Abadía de Monte-Casino, y después el abad Suger consiguieron reconciliarlos y, en 1150, nació su segunda hija, Alix de Francia (1150-1195).

Sin embargo, tras el fallecimiento de Suger en 1151 por cuanto este desaconsejaba la separación al considerar las valiosas posesiones de Leonor (mayores que las de Luis) y lo peligroso que sería sacarlas del gobierno del rey, este, deseando llevarla a cabo, encuentra, en el concilio de Beaugency, el motivo para la misma: la última abuela de Leonor, Eduarda de Borgoña, era la nieta de Roberto el Piadoso, abuelo del rey (en 9º grado civil, pero en 5º grado canónico), y este hecho propicia la anulación del matrimonio el 18 de marzo 1152. Leonor recobra la dote y el 18 de mayo de 1152 se casa, en segundas nupcias, con el conde de Anjou, [[Enrique II de Inglaterra|Enrique II Plantagenêt]], que será el rey de Inglaterra en 1154. Él tenía 19 años y ella 30.
Este fallo político es el principio de una rivalidad continua entre los reinos de Francia e Inglaterra, que duró hasta mediados del siglo XIII. Luis VII apoya las revueltas de Bretaña y de Poitou contra Inglaterra, así como las de los hijos de Enrique II contra su padre. Contribuye a esta situación:
*El despotismo de Enrique II Plantagenêt, que involucra en las revueltas a sus grandes vasallos.
*El apoyo de clero al rey de Francia en razón a la piedad de Luis VII y a los estrechos lazos históricos entre el episcopado y el reino capetiano.
*La rebelión de los hijos de Enrique II que exigen el patrimonio y encuentran refugio y protección al lado de Luis VII y que son apoyados por su madre Leonor de Aquitania.
== Sucesivos matrimonios ==
En la primavera de 1154, Luis VII se casa, en segundas nupcias, con [[Constanza de Castilla]] (1136-1160) hija de [[Alfonso VII de León|Alfonso VII]] con la que tiene dos hijas, [[Margarita de Francia, condesa de Vexin|Margarita de Francia]] (1158-1197) y [[Adela de Francia]] (1160 -1221).

En 1158, Luis VII y Enrique II Plantagenêt se reconcilian y conciertan el matrimonio entre Margarita de Francia y [[Enrique el Joven]]. Sosiego de corta duración, en marzo de 1159, Enrique II ataca al conde de Tolosa y, durante el verano, Luis VII obliga al rey de Inglaterra a levantar el asedio de Tolosa.
== En 1160 ==
La reina Constanza de Castilla muere el 4 de octubre durante el parto de Adela.

Enrique II rinde homenaje al rey Luis VII en Normandía en nombre de su hijo Enrique el Joven.

Luis VII se alía con los condes de Flandes y de Champaña y se casa, el 13 de noviembre, en terceras nupcias, con [[Adela de Champaña]] (o Adela de Blois).
== En 1163 ==
Pone la primera piedra de la Catedral Notre Dame de París para el Papa Alejandro III, Luis VII ofrece la suma de doscientas libras para la construcción dirigida por Maurice de Sully, obispo de París.
Enfrentamiento entre [[Enrique II de Inglaterra|Enrique II Plantegenêt]] y Tomás Becket, arzobispo de Canterbury, apoyado por Luis VII. Finalmente cuatro caballeros fieles a Enrique II asesinan al arzobispo.

El 21 de agosto de 1165, nace Felipe Augusto, único heredero varón de Luis VII.

En 1171 nace Inés, segunda hija del matrimonio entre Luis VII y Adela. Ella será emperatriz de Bizancio al casarse sucesivamente con los emperadores Alejo II y Andrónico I Comneno.

En 1172 y 1173, Luis VII incita a Enrique y Ricardo, los hijos de Enrique II Plantagenêt a rebelarse contra su padre. A finales del 1173, Luis VII y Enrique II firman una tregua provisional y deciden, hacia la primavera de 1174, casar a sus hijos Alix de Francia y [[Ricardo I de Inglaterra|Ricardo Corazón de León]].

En 1177, el Papa impone a Enrique II la conclusión del tratado de Ivry, firmado el 21 de septiembre, y por medio del cual los dos reyes se juran amistad; a este tratado le siguió, el 22 de junio de 1180, la firma de un pacto de no agresión.

El 1 de noviembre de 1179, Luis VII hizo consagrar a su hijo Felipe Augusto y, consumido por una enfermedad, abandona el poder al año siguiente.
== En 1180 ==
*El tratado de Gisors del 28 de junio de 1180 pone fin a esta serie de guerras continuas entre Francia e Inglaterra.
*El 18 de septiembre de 1180, Luis VII muere en Melun a causa de una caquexia paralítica. Al día siguiente, es inhumado en la abadía real de Saint-Port en Barbeau que él fundó cerca de Fontaine el Port, a orillas del Sena, entre Melun y Fontenebleau. Su hijo Felipe Augusto le sucedió, aunque ya ejercía el poder desde el 28 de junio de 1180, día en que su padre lo dejó en sus manos.
== Balance del reinado ==
Aunque educado para ser monje o fraile antes que rey, Luis VII jugó un papel importante en la historia de Francia:
*Consolidó el poder real en las provincias que estaban bajo su influencia y combatió el poder feudal.
*Se rodeó de consejeros de gran cualidad y publicó unas ordenanzas importantes para la gestión del reino.
*El reino de Francia se enriqueció bajo su reinado, la agricultura se transformó y ganó en productividad, la población aumentó, el comercio y la industria se desarrollaron, se produjo un verdadero renacimiento intelectual y el territorio se llenó de castillos-fuertes construidos en piedra.

Sin embargo, la segunda cruzada fue calamitosa y la separación de Leonor de Aquitania fue un tremendo error, ya que procuró a un vasallo menor el medio de imponerse, situando al rey de Francia en inferioridad territorial por más de medio siglo. Necesitó la colaboración de tres grandes reyes: [[Felipe II de Francia|Felipe Augusto]], Luis VIII el León y [[Luis IX de Francia|San Luis]], para enderezar la situación y llegar a minimizar las consecuencias de aquella equivocada decisión.

== Hijos ==
Con [[Leonor de Aquitania]]:
*[[María de Francia|María]] (1145 - 1198), casada en 1164 con Enrique I de Champaña, conde de Troyes, llamado el Liberal. Regente del Condado de Champaña de 1190 a 1197;
*[[Alix de Francia|Alix ó Alicia]] (1150 -1195) casada con Teobaldo V de Blois, llamado el Bueno (1129-1191), conde de Blois (1152 -1191).
Con [[Constanza de Castilla]], (1140 – 1160), hija de [[Alfonso VII de León|Alfonso VII]]:
*[[Margarita de Francia, condesa de Vexin|Margarita de Francia]] (1158 - 1197), casada en 1172 con el príncipe de Inglaterra [[Enrique el Joven|Enrique de Plantegenet]], (muerto en 1183), y en 1186, con el rey de Hungría, [[Bela III de Hungría|Bela III]];
*[[Adela de Francia|Adela]] (1160 -1221) (o Alix, condesa de Vexin), casada en 1195 con Guillermo III de Ponthieu (o de Montgommery).
Con Adela de Champaña (o Adela de Blois):
*[[Felipe II de Francia|Felipe Augusto]] (1165 – 1223), rey de Francia con el nombre de Felipe II;
*Agnés (1171-1240), emperatriz bizantina por su matrimonio con Alejo II Comneno 1180, emperador de Constantinopla (1167- 1183). Después, por otro matrimonio en 1183 con Andronico Comeno, emperador de Constantinopla (1110- 1185). Hacia 1204 se casa con Teodoro Branas, señor de Adrianópolis.
Tuvo el rey además un hijo ilegítimo:
*Felipe (fallecido joven en 1161).

== Enlaces externos ==
Commons
*[http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Louis_VII_of_France Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Luis VII de Francia].

[[Categoría: Nacidos en 1120|Luis VII de Francia]]
[[Categoría: Nacidos en Francia|Luis VII de Francia]]
[[Categoría: Fallecidos en 1180|Luis VII de Francia]]
[[Categoría: Fallecidos en Francia|Luis VII de Francia]]
[[Categoría: Reyes del siglo XII|Luis VII de Francia]]
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Ramón Rodríguez Pérez

2023-09-13T05:48:46Z

Csuarezllosa:

[[Archivo:Ramon Rodriguez Perez actual.jpg|500px|right]]

Artista plástico, poeta y narrador. Nace en [[Villa del Río]] en [[1962]], donde transcurre su primera infancia. Reside en Córdoba capital desde los seis años. Es licenciado en Geografía e Historia y su carrera laboral se ha desarrollado como funcionario de la Administración Central.

Como artista plástico ha realizado varias exposiciones individuales y colectivas tanto en salas públicas como privadas. Destacan entre las individuales las celebradas en el Colegio de Arquitectos de Córdoba en 1999 y la de la ya desaparecida Galería Cobalto en 2002, ambas con muy buena acogida por la crítica. Obtuvo en 1993 el primer premio del VI Certamen de Pintura organizado por el antiguo Ministerio de Obras Públicas y Transportes (hoy de Fomento) y ha quedado seleccionado como finalista al menos en otras cinco ocasiones en diversos certámenes artísticos de carácter nacional. Su obra pictórica se encuentra en varias colecciones privadas y en diversas Instituciones, entre ellas, el Ministerio de Fomento, el Ayuntamiento de Córdoba, el de Castro del Río o el de Villa del Río, entre otros.

Su pintura —tanto en óleos, acrílicos o gouaches— se mueve dentro del expresionismo abstracto, en torno a lo que se ha venido a denominar corriente lírica, dos de sus obras han sido seleccionadas como portada de libros por el Ateneo de Córdoba para su colección Arca del Ateneo (volúmenes 58 y 65).

Como poeta es autor del poemario “Los días distintos”, con el que obtuvo el accésit del XVII Certamen de Poesía Rosalía de Castro, de Córdoba. En 2013 publica “Columbario”, cuya temática principal gira en torno a la temporalidad y la muerte. y en 2019 ve la luz su obra poética más completa hasta el momento, el libro "La casa del padre" (Huerga & Fierro), donde alcanza altas cotas de una lírica intimista con su sello personal, elementos que hacen de este poemario algo único. Poemas sueltos suyos han quedado recogidos asimismo en algunas antologías y diversas revistas, y en 2009 participó en el Festival Internacional de Poesía Cosmopoética, invitado como poeta local.

Como narrador ha obtenido casi cuarenta premios y accésits en certámenes de relato a nivel regional, nacional e internacional, entre otros el X Premio de relato corto Rafael Mir, convocado por el Ateneo de Córdoba en 2022, o el primer premio obtenido en el IV concurso de Relato Breve Museo Arqueológico y Etnológico de Córdoba, en 2007. Su obra narrativa está recogida en diversas publicaciones a consecuencia de estos galardones, así como otras colaboraciones en antologías, tanto de microrrelato (Ídolos, Asociación Cultural Mucho Cuento, 2009), como de relato breve (II Antología Ateneo de Córdoba, 2010).

Fruto de su actividad como cuentista es el libro de relatos "El viajero inmóvil" (Paso de Cebra, 2011), una cuidada selección de relatos premiados en diversos certámenes.

==Publicaciones==
*''Los días distintos'', Editorial Casa de Galicia en Córdoba. Octubre, 2007. (58 páginas. ISBN 978-84-935333-3-5)
*''El viajero inmóvil'', Paso de Cebra Ediciones, Córdoba, diciembre 2011. (136 páginas. ISBN 978-84-939103-1-0)
*''Columbario'', DeTorres Editores, Córdoba, septiembre 2013. (24 páginas. ISBN 978-84-941612-0-9)
*''La casa del padre'', Huerga & Fierro editores, Madrid, 2019. (94 páginas. ISBN 978-84-120605-9-1)
==Galería de Imágenes de publicaciones==

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Imagen:Los dias distintos.jpg
Imagen:El viajero inmovil.jpg
Imagen:ColumbarioRamon Rodriguez.jpg
Archivo:La-casa-del-padre-portada.jpg
Imagen:Ramon Rodriguez Perez.jpg
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[[Categoría:Escritores del siglo XX|Rodriguez Perez, Ramon]]
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{{N|1962|Villa del Río|Rodriguez Perez, Ramon}}

Luis Cobos

2023-09-13T05:47:22Z

Csuarezllosa:

[[Imagen:Luis Cobos.jpg|250px|right]]
'''Luis Cobos''' (nacido en Campo de Criptana, Ciudad Real, en [[1948]]) es un músico, compositor y director de orquesta español, con un gran reconocimiento nacional e internacional. Actualmente es presidente de la entidad de gestión de Artistas Intérpretes y Ejecutantes (AIE) y presidente de la Academia Latina de la Grabación "The Latin Recording Academy".

==Biografía==
Estudió solfeo, teoría musical y armonía. Con tan sólo ochos años ingresó en la Filarmónica Beethoven, orquesta local en su pueblo, Campo de Criptana. Con quince años fundó en Ciudad Real la Escolanía Loyola.

==Recorrido profesional==
A finales de los 60, Luis Cobos formó parte del grupo de rock Conexión, con el que editó un LP y varios sencillos para el sello Movieplay.
Su gran oportunidad llegó en [[1982]], cuando grabó en los míticos estudios Abbey Road, de Londres, con The Royal Philharmonic Orchestra el álbum Zarzuela, que unía y actualizaba fragmentos del género chico.

El disco fue un auténtico fenómeno de masas, alcanzando la cifra de un millón de ventas y seguirían otros proyectos trabajando con pasodobles en Sol y sombra ([[1982]]) o con rancheras en Mexicano ([[1983]]).

Sus siguientes LP se encumbraron igualmente y de forma inmediata al primer puesto en las listas de ventas en España: Capriccio russo ([[1986]]), Tempo d'Italia ([[1987]]) y Vienna Concerto ([[1989]]). No sólo consiguió 50 discos de platino en este país, sino que ocupó puestos privilegiados en las listas de ventas en Reino Unido, Bélgica, Finlandia, Alemania, Argentina, Francia o Portugal.

Durante esa época, además, compagina su actividad de director de orquesta (lo que incluye a la Sinfónica de Viena, The Royal Philharmonic Orchestra de Londres, La orquesta sinfónica de Los Ángeles (USA) la Kansai Philarmonic de Japón, la Sinfónica de Moscú, la Sinfónica de RTVE o la Sinfónica de la RAI) con la de compositor. Crea temas para voces tan dispares como [[Plácido Domingo]], [[José Carreras]], [[Julio Iglesias]], [[Ana Belén]], [[Isabel Pantoja]] o Joaquín Sabina.

Tras su experimento musical de los ochenta, en la década siguiente sus grabaciones incluían prácticamente las composiciones completas: Es el caso de Suite 1700, "Amor" , Viento del Sur (con la Gran Orquesta Tropical de Puerto Rico), Oscars, "Viva México" y otros...

En [[1998]] publicó La danza de los corceles, dedicado a los caballos de la Escuela de Doma de Jerez.

==Discografía==
*Zarzuela (1982).
*Sol y sombra (1983).
*Mexicano (1984).
*Sinfonía a Caballo(1985)
*Más Zarzuela (1985).
*Capriccio ruso (1986).
*Olympus (1986).
*Tempo d'Italia (1987).
*Vienna Concerto (1988).
*Opera Magna (1989).
*Suite 1700 (1991).
*Viento del Sur (1992).
*Oscars (1994).
*Amor (1997).
*La danza de los corceles (1998).
*¡Viva México! (2000).
*Encantados (2008)

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Luis Coloma

2023-09-13T05:46:21Z

Csuarezllosa:

[[Imagen:Luis Coloma.jpg|250px|right|thumbnail|Padre Coloma]]
'''Luis Coloma Roldán''' (Jerez de la Frontera, [[9 de enero]] de [[1851]] - Madrid, [[14 de abril]] de [[1915]]), escritor y periodista español.
== Biografía ==
Fue hijo de un célebre médico. A los doce años entró en la Escuela Naval preparatoria de San Fernando ([[1863]]), pero lo dejó y se licenció en Derecho en la Universidad de Sevilla coincidiendo con la trascendental [[Revolución de 1868|revolución de 1868]], hacia la cual el joven jerezano mantuvo una actitud hostil que reflejaría en sus escritos. De esta época data su amistad con [[Fernán Caballero]], ya anciana entonces. Luego se trasladó a Madrid, donde empezó a frecuentar tertulias elegantes. No llegó a ejercer la profesión de abogado, sino que se dedicó a colaborar en distintos periódicos defendiendo la Restauración de los Borbones. Una grave herida en el pecho en 1872, cuando limpiaba un revólver, afianzó su decisión de dedicarse al sacerdocio en la Compañía de Jesús y marchó a Francia con la orden de hacer allí el noviciado; ingresó en 1873 en el seminario de Poyanne; al año siguiente era ordenado dentro de la Compañía de Jesús; en total pasó tres años en Francia. De vuelta a España se le destinó a tareas educativas en centros de Sevilla, Galicia, Murcia y Madrid. No por ello abandonó el periodismo y se consagró por entero a la literatura. Pasó del [[Costumbrismo|costumbrismo]] y los relatos cortos de sus Lecturas recreativas (1887) a la sátira social de la novela Pequeñeces (1891), que se considera su obra maestra. La aparición de este trabajo, primero por entregas en la revista bilbaína de los jesuitas El Mensajero del Sagrado Corazón de Jesús durante los meses de enero de [[1890]] a marzo de [[1891]], y este último año en dos volúmenes, suscitó un gran revuelo, al asociarse algunos de sus personajes con seres de existencia real, pero también por la pintura de una alta sociedad viciosa y mundana, la nobleza colaboracionista con el advenimiento del régimen liberal de la Restauración. El Heraldo de Madrid abrió un concurso de opiniones sobre Pequeñeces y durante quince días estuvo publicando críticas y erróneas interpretaciones que molestaron sobremanera al autor y a la Compañía y le impulsaron a cultivar desde entonces temas menos polémicos. A favor del autor se declaró doña [[Emilia Pardo Bazán]] en su revista Nuevo Teatro Crítico, alabando el realismo naturalista de su texto pero censurando el integrismo de su autor. Entre las críticas adversas destacó la de [[Juan Valera]], quien destacó con su habitual fina ironía las contradicciones del novelista a la hora de moralizar en Currita Albornoz al padre Luís Coloma; se hizo célebre una frase suya en ese sentido:

:La novela hubiera sido mejor sin ser sátira, y la sátira mejor sin ser novela, y el sermón retemejor si no hubiera sido ni novela ni sátira

Siguieron luego Retratos de antaño (1895), una serie de evocaciones históricas, entre 1895 y 1896 la primera parte de Boy, que no logró continuación; La reina mártir (1898), biografía novelada de María Estuardo; Jeromín, (1902), novela histórica sobre Don Juan de Austria, que contó durante el franquismo con una adaptación cinematográfica [1] a cargo de Luís Lucia; El marqués de Mora (1903) etc. Interesantes son asimismo sus Recuerdos de Fernán Caballero, una autora a la que Coloma imitó en un principio. El clérigo liberal José Ferrándiz lo acusó de mala gramática y de haberse convertido en uno más en los salones de la nobleza que tanto detestaba:

:Lo dedicaron a servir a la Compañía precisamente entre la aristocracia. Él personifica el tipo del jesuita enfermo de profesión, que por estar siempre delicado, le sientan mejor las comidas de los magnates que la del refectorio conventual; necesita cuidados, reposo, atmósfera tibia y aguas termales, esto sin falta. A Coloma podríamos llamarle el jesuita de los balnearios distinguidos: allí hace jesuitismo como los viajantes el artículo de su comercio. (...) Llegada la época, sale para Alzola, por ejemplo, donde veranean la condesa de Nalgares, la marquesa de Casa Melamenando y la señora y señoritas del banquero Agarramendi. (...) En Madrid no hace vida conventual; un duque le cede habitación y le pone mesa en su palacio; allí está regalado a lo príncipe: entra, sale, recibe a sus relaciones, come fuera, si lo invitan, y vuelve a la hora que se le antoja. José Ferrándiz, Sotanas conocidas, 1913, p. 93-94.

Entró en la Real Academia de la Lengua Española en [[1908]] y falleció en [[1915]].
== Obra ==
Dejó una Obra completa distribuida en 19 volúmenes (Madrid: Editorial Razón y Fe, 1942) y constituida por 2 novelas, 41 relatos cortos, 6 biografías históricas, un discurso académico y dos libros religiosos.
== Ratoncito Pérez ==
A finales del siglo XIX, desde Palacio le pidieron al padre Coloma que escribiera un cuento cuando a Alfonso XIII, que entonces tenía 8 años, se le cayó un diente. Al jesuita se le ocurrió la historia del Ratoncito Pérez protagonizada por el rey Bubi, que era como la Reina Doña María Cristina llamaba a su hijo, el futuro Alfonso XIII.

Actualmente, el ratoncito Pérez es un personaje de leyenda muy popular entre los niños españoles e hispanoamericanos. En [[2006]] fue llevada al cine.
== Adaptaciones al cine ==
El cine español de la era franquista fue prolífico en adaptar las obras de Coloma, aunque existe algún antecedente: Boy de Benito Perojo -rodada en 1925-, permanece como uno de los clásicos menores del cine mudo español. Aparte del remake de esta historia en los años 40 dirigida por Antonio Calvache (1940), y de la antes citada adaptación de Jeromín por Luis Lucía, destaca la exitosa producción Cifesa Pequeñeces (1950) de Juan de Orduña con Aurora Bautista, Jorge Mistral y Sara Montiel, entre otros.
== Bibliografía ==
*José Ferrándiz, Sotanas conocidas. Semblanzas de eclesiásticos españoles contemporáneos bajo cualquier concepto notables. Madrid: Tipografía de la Sociedad de P. H., 1913.
== Véase también ==
*[[Literatura española del Realismo]]: El Realismo en el marco literario español.
*[[Literatura de España]]: Evolución de la literatura española.
== Enlaces externos ==
*[http://www.cervantesvirtual.com/bib_autor/padrecoloma/ Portal del autor en la Biblioteca virtual Miguel de Cervantes]
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Luis Nicolau d'Olwer

2023-09-13T05:44:52Z

Csuarezllosa:

'''Luis Nicolau d'Olwer''', también '''Lluís Nicolau d'Olwer''' (Barcelona, [[20 de enero]] de [[1888]] - Ciudad de México, [[24 de diciembre]] de [[1961]]), fue un político español de ideología catalanista y republicana.

==Biografía==
El año 1904 comenzó la carrera de Filosofía y Letras. A finales de 1917 Nicolau publicaba "Literatura Catalana. Perspectiva General". Era la primera historia de la literatura catalana escrita íntegramente en catalán.

El mismo año era nombrado miembro del Instituto de Estudios Catalanes y escogido concejal del Ayuntamiento de Barcelona por la Lliga Regionalista.

Nicolau se incorporó a la Comisión de Cultura, donde impulsó una serie de proyectos vinculados al movimiento de renovación pedagógica. Así nacieron las escuelas del Bosque y del Mar, entre otros. El 1922 fundó [[Acción Catalana]], y la República Francesa le concedió la Legión de Honor. Aquel año se estrenó como profesor de la Escuela de Bibliotecarias y de la Universidad de Barcelona.

En 1923 Nicolau ingresó en la Unión Académica Internacional. Entre los años 1926 y 1931 fue apartado de la política por la [[dictadura de Primo de Rivera]]. En el intervalo vieron la luz obras como "La expansión de Cataluña en el Mediterráneo oriental", "El pont de la mar blava", "Resumen de literatura catalana", "Paisajes de nuestra historia" y "La lección de la dictadura".

Colaborador de Palestra, movimiento catalanista, se implicó en la caída de la monarquía alfonsina. El 14 de abril de 1931, en cumplimiento del [[Pacto de San Sebastián]], se incorporó al Gobierno Provisional de la República. El 18 de abril de aquel año, tomó posesión del Ministerio de Economía. Fue elegido diputado a Cortes Constituyentes por Acció Catalana Republicana, destacando por su defensa del Estatuto de Autonomía catalán. En mayo de 1933 el presidente [[Manuel Azaña]] lo nombró jefe de la delegación española en la Conferencia Económica y Monetaria Mundial de Londres.

Durante el curso 1933-34, Nicolau se incorporó a la Universidad Autónoma de Barcelona, impartiendo clases de lengua y literatura latina medieval. En 1935 participó, como jefe de la representación catalana, en la Comisión Mixta de Traspasos Gobierno central-Generalidad de Cataluña.

En las elecciones de febrero de 1936, Nicolau consiguió el mayor número de votos de un diputado por Barcelona, revalidando, así, su escaño en las Cortes por Acció Catalana Republicana, que formaba parte del Front d'Esquerres de Catalunya. Pocas semanas después era nombrado Gobernador del Banco de España.

A principios de 1939 abandonó España y se estableció en París, ocupándose allí de la ayuda a los refugiados republicanos españoles, desde la presidencia de la Junta de Auxilio a los Republicanos Españoles. Las presiones del general [[Francisco Franco|Franco]] hicieron que el gobierno del mariscal Petain lo encerrara en el penal de Cusset. A pesar de ello fue liberado en el 1943 y regresó a París. Pocos meses después era nuevamente detenido por la Gestapo, y enviado a la prisión de Fresnes. Liberado contra todo pronóstico merced a un amigo alsaciano, el mes de octubre de 1945 partió hacia México. Al poco tiempo fue nombrado embajador de la República Española en aquel país. Allí casó con la mexicana Palma Guillén, en el año 1946. También desempeñó el cargo de ministro sin cartera en el gobierno en el exilio que constituyó [[José Giral]] entre agosto de 1945 y enero de 1947.

El año 1951 presidió los Juegos Florales Catalanes de Nueva York.

En 1961, el Colegio de México reconoció su aportación a la cultura mexicana, y su trabajo, nombrándole miembro de aquella institución. La víspera de Navidad del año 1961, moría en Ciudad de México, donde aún reposan sus restos.

[[Categoría:Políticos del siglo XX|Luis Nicolau d'Olwer]]
[[categoría:Nacidos en 1888|Luis Nicolau d'Olwer]]
[[Categoría:Nacidos en Barcelona|Luis Nicolau d'Olwer]]
[[Categoría:Fallecidos en 1961|Luis Nicolau d'Olwer]]
[[Categoría:Fallecidos en México|Luis Nicolau d'Olwer]]
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Leopoldo Alas "Clarín"

2023-09-13T05:40:09Z

Csuarezllosa:

[[Imagen:Leopoldo Alas.jpg|right|200 px]]
El escritor español '''Leopoldo Enrique García-Alas Ureña, ''Clarín''''' nació el [[25 de abril]] de [[1852]] en Zamora, adonde su familia se había trasladado desde Oviedo, al ser nombrado su padre, Jenaro García Alas, gobernador de la ciudad leonesa. Leopoldo fue el tercer hijo del matrimonio. Falleció en Oviedo el [[13 de junio]] de [[1901]].

En la casa se hablaba continuamente de Asturias y su madre, con cierta nostalgia, contaba relatos de aquella tierra de sus antepasados. Este ambiente influyó en gran medida en el espíritu del niño Leopoldo que desde siempre se sintió más asturiano que castellano-leonés, aunque a lo largo de su vida conservó un cariño especial por las tierras que le vieron nacer.

A los siete años entró a estudiar en el colegio de los jesuitas ubicado en la ciudad de León en el edificio de San Marcos (actual parador de turismo). Desde el principio supo adaptarse a las normas y a la disciplina del centro de tal manera que a los pocos meses era considerado como un alumno modelo. Sus compañeros le conocían con el mote de el Gobernador, por alusión a la profesión de su padre. Sus biógrafos aseguran que esta etapa estudiantil engendró en Leopoldo el sentimentalismo religioso y el principio de gran disciplina moral que fueron la base de su carácter. En este primer año escolar ganó una banda azul como premio y trofeo literario. La conservó toda su vida y se encontraba entre los objetos más queridos del museo familiar.

En el verano de [[1859]] toda la familia regresó a Asturias. Leopoldo descubrió con sus propios ojos la geografía asturiana de la que tanto había oído hablar a su madre. Durante los años siguientes Leopoldo se ve en libertad por las tierras de Guimarán, propiedad de su padre, donde aprenderá directamente de la Naturaleza y de los libros que encuentra en la vieja biblioteca familiar donde entra en contacto por primera vez con dos autores que serán sus maestros: [[Miguel de Cervantes|Cervantes]] y [[Fray Luis de León]].

El [[4 de octubre]] de [[1863]], a la edad de once años, Leopoldo ingresa en la Universidad de Oviedo en lo que se llamaban estudios preparatorios, matriculándose en las asignaturas de Latín, Aritmética y Doctrina Cristiana. El curso lo terminó con la nota de sobresaliente y con la adquisición de tres buenos amigos: [[Armando Palacio Valdés]], Tomás Tuero (que fue también escritor, traductor y crítico literario) y Pío Rubín (escritor).
=== Bachillerato y Universidad ===
Desde [[1864]] a [[1869]] efectuó sus estudios de Bachillerato en la ciudad de Oviedo. El [[8 de mayo]] recibió grado de bachiller en Artes con la calificación de sobresaliente, a la edad de diecisiete años. En el mes de octubre de [[1869]] ingresó en la Universidad de Oviedo. Ese mismo mes, el día 21, salió un decreto declarando la enseñanza libre, que le sirvió a Clarín para hacer su licenciatura en Derecho en tan sólo dos años. En junio de [[1871]] obtuvo el grado de licenciado en Derecho Civil y Derecho Canónico, con la calificación de aprobado, que era la única nota que existía (se habían suprimido las otras calificaciones superiores). Por esta época se despertaron en él sus aficiones periodísticas. Los comienzos fueron con un periódico artesanal, titulado Juan Ruiz, cuyo director, redactor y amanuense fue el propio Leopoldo. El periódico llegó a manos de casi toda la sociedad de Oviedo y tuvo gran éxito entre los estudiantes.
=== Llegada a Madrid ===
Después de finalizar sus estudios en la Universidad, se trasladó a Madrid para hacer el doctorado, alojándose en una posada de la calle de Capellanes. Allí encontró a sus amigos de Oviedo, Tuero, Palacio Valdés y Rubín. El grupo fue pronto conocido como los de Oviedo. Los primeros tiempos en la capital no fueron satisfactorios para Leopoldo que añoraba su tierra asturiana, las montañas y la bruma.

Años atrás había entrado en España la teoría del krausismo, de la mano del jurista y filósofo español Julián Sanz del Río que había sido discípulo en Alemania de Karl Krause. Sanz del Río fue profesor de Filosofía del Derecho ejerciendo tal influencia entre sus alumnos que éstos aplicarían el krausismo poniendo en marcha un movimiento ideológico intelectual que culminó con una gran reforma en la educación libre, no sólo en España sino también en Hispanoamérica, y en cambios relativos a la sociedad y a la política. Pero fue expulsado de la cátedra a instancias de [[Isabel II de España|Isabel II]] y alguno de sus ministros por considerar tal doctrina como peligrosa para la seguridad del régimen. Este hecho ocasionó un gran revuelo entre los jóvenes seguidores de Sanz del Río que siguieron transmitiendo sus enseñanzas a los siguientes discípulos. Krausistas destacados fueron [[Joaquín Costa]], [[Francisco Pi y Margall]], [[Nicolás Salmerón]], Rafael María de Labra [[Emilio Castelar]] y Adolfo Camus. Fue en la cátedra de este último y de Nicolás Salmerón donde Leopoldo se empapó de las ideas krausistas que hicieron nacer en él poco a poco, la duda religiosa y el escepticismo filosófico.

En la Cervecería Inglesa de Madrid se reunían en tertulia los de Oviedo. Poco a poco el grupo se fue incrementando con jóvenes intelectuales apasionados como ellos por la libertad y las nuevas ideas. Uno de estos nuevos contertulios fue Leopoldo Cano (futuro escritor y autor de "La Pasionaria"). Durante aquel curso, Clarín se vio en constante lucha interior no sólo con el krausismo sino con el naturalismo literario y el liberalismo laico. Todavía tenía ciertas reservas, pero al finalizar el año, el mismo Clarín comenta que su espíritu se había fortalecido y había capitulado del todo, no sin antes emplear y poner su capacidad de crítico a la defensiva, actitud que ha de acompañarle el resto de su vida.
=== El Solfeo ===
En diciembre de 1874 termina la [[Primera República Española|Primera República]] con la retirada de su Presidente Pi y Margall y la Restauración monárquica en la figura de [[Alfonso XII de España|Alfonso XII]], hijo de la destronada [[Isabel II de España|Isabel II]].

En marzo de [[1875]], Antonio Sánchez Pérez (no se conoce su biografía) fundó un periódico con el nombre de El Solfeo. El 5 de julio entraron en su redacción unos cuantos jóvenes, entre ellos Leopoldo Alas. El periódico pasó totalmente desapercibido y ni siquiera fue nombrado por los cronistas de la época. Su director quiso que sus colaboradores tomaran como pseudónimo el nombre de un instrumento musical y así fue como Leopoldo eligió el clarín que a partir de ahí sería el alias con que firmaría todos sus artículos. La columna donde escribía tenía el título de «Azotacalles de Madrid» (Apuntes en la pared). El día [[2 de octubre]] de [[1875]], el escritor firmó por primera vez como Clarín, inaugurando el espacio con el verso que el lector puede ver arriba de esta página, en la plantilla de presentación. De esta forma Leopoldo Alas entró en la vida literaria de la época y desde su columna empezó a lanzar duras críticas llenas de ironía contra la clase política de la Restauración.

Clarín empieza a gozar de popularidad al mismo tiempo que le llegan abundantes disgustos y bastantes enemigos. Cada nuevo artículo se convierte en un nuevo escándalo, criticado o alabado en las tertulias de la Cervecería Inglesa o del Ateneo de la calle de Arenal. Clarín sigue adelante en su estilo asegurando que el crítico que dice la verdad no medra y que el poeta aunque sea malo llega de redondilla en redondilla a jefe de negociado. Junto con esta actividad literaria, continúa con sus estudios, preparando el doctorado.
=== Revista de Asturias ===
Aparte del género periodístico, Clarín siente la necesidad de cultivar otros géneros literarios. Félix Aramburu (poeta y notable escritor de Derecho penal), amigo entrañable de Leopoldo era el director y editor en Oviedo de una revista llamada Revista de Asturias. Este amigo no sólo le animó a escribir otro tipo de narraciones sino que le ofreció un lugar en su propia revista. En el verano de [[1876]], Clarín escribe sus primeros cuentos y algunas poesías que meses después se irán editando en la Revista ovetense. Con estas colaboraciones el gran escritor fue dándose a conocer.
=== Doctorado y cátedra ===
El [[1 de julio]] de [[1878]] obtuvo Leopoldo Alas el título de doctor en Derecho civil y canónico, con la calificación de sobresaliente. Presentó su tesis doctoral sobre el tema "El derecho y la moralidad" en cuya edición puede verse la dedicatoria A don [[Francisco Giner de los Ríos]], su sincero amigo y reconocido discípulo. Es el primer libro de Leopoldo que sale de una imprenta y el único en que no aparece su seudónimo Clarín.

Después de unas largas vacaciones en las tierras de Guimerán, Alas regresa a Madrid para preparar brevemente su presentación a las oposiciones que en el mes de noviembre se celebrarían en Salamanca para cubrir la plaza vacante de la cátedra de Economía Política y Estadística en la Universidad. Los sucesivos ejercicios fueron un continuo éxito para Leopoldo y hasta obtuvo el primer lugar en la terna de opositores. De estos éxitos se ocuparon los periódicos de Madrid y la noticia se dio también en la Revista de Asturias, (Oviedo, Nº 40, 5.XII.1878, sección «Ecos y rumores»). Pero hubo un obstáculo grave para el éxito definitivo: el conde de Toreno (|Queipo de Llano) era por entonces ministro de Instrucción Pública y gozaba de un derecho de elección final del candidato. El conde de Toreno había sido blanco de las terribles sátiras de Clarín en El Solfeo, cosa que nunca olvidó y desposeyó a Clarín de la cátedra ganada, en beneficio del número dos de la terna de opositores, el señor Mantecón. Leopoldo Alas escribió una carta abierta de protesta al ministro y años después recordaría con amargura estos sucesos escribiendo: Yo aprendí de ellos (Salmerón y Giner) a respetar convicciones, y el mayor ultraje que me hizo, tal vez sin saberlo, el conde de Toreno, al negarme una cátedra que era mía, fue la implícita sospecha de que fuese yo un libre pensador como el boticario Homais de Flaubert, capaz de apedrear y despedazar con las herejías que a mí se me ocurriesen, el fanal en que guardaran su fe mis discípulos.

Cuatro años más tarde, la "Revista de Legislación y Jurisprudencia" publicó en desagravio y con todos los honores el trabajo que Clarín había presentado en las oposiciones de Salamanca bajo el título de "Programa analítico de Economía política y Estadística".

El año [[1882]] fue para Clarín un año de suerte. El [[12 de julio]] pudo leer en la Gaceta Oficial su nombramiento para la cátedra de Economía Política y Estadística, concedida para la Universidad de Zaragoza, y el [[29 de agosto]] tuvo lugar su boda con Onofre García Argüelles, en la localidad asturiana de La Laguna (valle de Langreo), en el palacio de la familia García Argüelles. Al año siguiente regresó a Oviedo como catedrático de Derecho Romano y más tarde se ocupó también de la cátedra de Derecho Natural en la Universidad de Oviedo.
=== Clarín como profesor ===
Se decía entre sus contemporáneos que para conocer a Clarín era necesario asistir a su cátedra de Derecho Natural. Según sus propias palabras, era partidario de sugerir a sus alumnos un hábito de reflexión mejor que enseñar una ciencia a secas y no se conformaba con enseñar una serie de preceptos a aplicar en el futuro. Sus lecciones solían empezar con un precepto de [[Justiniano I]] y continuaba con citas del Quijote o de Santa Teresa, para terminar con [[León Tolstói|Tolstói]], Renan o San Francisco de Asís. Muchos de sus alumnos no llegaban a entender este sistema y acusaban a Clarín de ser un hueso (serio, estricto, exigente y por lo general con fama de suspender). Clarín estimaba a sus alumnos cuando eran capaces de entender el espíritu de sus enseñanzas antes que la letra. Tenía un sentido de la justicia muy severo a la hora de calificar y nunca aceptó ni sobornos ni recomendaciones; se le acusaba de carecer de ningún tipo de benevolencia. La cátedra fue para Clarín una gran responsabilidad y una preocupación constante (según sus propias palabras) y se entregaba a ella con toda honestidad.
=== Caciquismo literario ===
Casi todos los biógrafos de Clarín vienen a estar de acuerdo en este punto: su caciquismo literario, algo tiránico. Desde su retiro de Oviedo llega a hacerse temer y respetar en Madrid y se da a conocer en Europa y en América. Fue un provinciano universal, aunque su ciudad, Oviedo, nunca comprendió su universalidad. Se le consideraba como un hombrecillo nervioso y miope, que daba clases en la Universidad y que por las tardes jugaba al tresillo en el Casino. Los estudiantes le temían por su severidad y la sociedad le consideraba un ateo liberal.
=== Obra literaria ===
Durante los ratos libres que le dejara la cátedra de la Universidad, Clarín escribía artículos para los periódicos El Globo, La Ilustración y Madrid Cómico. Envía a los periódicos de El Imparcial y Madrid cómico sus «Paliques» satíricos y mordaces que le proporcionarán algunos enemigos adicionales.

En [[1881]] se publicó el libro Solos de Clarín que recogió los artículos de crítica literaria. El prólogo es de Echegaray. Ese mismo año, en el mes de octubre publicó en La Ilustración Gallega y Asturiana el artículo «La Universidad de Oviedo», en el que hace un elogio al claustro restaurado y formado por los profesores Buylla, Aramburu, Díaz Ordóñez, entre otros.

A los 31 años de edad escribe Clarín su obra maestra La Regenta. En junio de [[1885]] salió a la calle el segundo volumen de esta composición del arte literario. En [[1886]] se edita su primer libro de cuentos con el título de Pipá. En [[1889]] termina un ensayo biográfico sobre Galdós, dentro de una serie titulada "Celebridades españolas contemporáneas". A finales de junio de [[1891]], el editor Fernando Fe saca a la luz la segunda novela larga de Clarín: Su único hijo.

En [[1892]] Clarín pasa por una crisis de personalidad y religiosa en que, según sus palabras, trata de encontrar a su yo y a Dios. Poco después dejó reflejar dicha crisis en su cuento Cambio de Luz, cuyo protagonista Jorge Arial representa al autor y sus preocupaciones, sus dudas religiosas y su escepticismo filosófico. Clarín define a este personaje como "místico vergonzante".

En [[1894]] se despertó su afición por el teatro por influencia de sus amigos la actriz María Guerrero y el dramaturgo Echegaray. Los biógrafos dicen que es un contrasentido en un hombre amante de la realidad y enemigo de la farsa. Por eso su primera obra teatral Teresa (ensayo dramático en un acto y en prosa) es una página real de su propia vida. Se publicó y se estrenó el [[20 de marzo]], en el teatro Español de Madrid, en homenaje que se daba a la actriz María Guerrero. La obra resultó un rotundo fracaso, argumentando los críticos que carecía de arquitectura escénica y que tenía todos los defectos de un escritor novato.

Durante los últimos años de su vida, Clarín recibe gran cantidad de ofertas para colaboraciones así como peticiones de autorización para traducir su obra en nuevas ediciones. En [[1900]], la Casa Maucci de Barcelona, le encarga la traducción de la novela de [[Émile Zola]] Trabajo. La retribución es buena y Clarín piensa que una traducción no le dará tanto trabajo como escribir. Pero los tecnicismos y palabras difíciles del escritor francés, unido al perfeccionismo de Clarín hacen que el trabajo se alargue durante meses, agotando la poca salud que tenía en aquellos años. Traduce día y noche para cumplir con la fecha indicada por la editorial, agotado pero contento de poder contribuir en dar a conocer al pensador más ultrajado de todo el [[Siglo XIX|siglo XIX]].
=== Enfermedad y muerte ===
Clarín venía arrastrando su enfermedad desde años atrás y en los primeros meses de [[1901]] se sentía ya exhausto. En el mes de mayo viajó a León, invitado por su primo Ureña, con motivo de los festejos que se celebraron por haberse terminado la reconstrucción de la catedral. En esta ciudad revivió su infancia y fue agasajado y querido por muchas personalidades. A su vuelta comentó: En León pasé horas verdaderamente felices.

Una vez de vuelta a Oviedo sintió de nuevo y muy cercana su enfermedad. Allí fue acompañado constantemente por su sobrino el joven médico Alfredo Martínez, que le diagnosticó una tuberculosis intestinal en último grado, enfermedad incurable en aquella época.

El [[13 de junio]] de [[1901]], a las siete de la mañana, murió Leopoldo Alas, a la edad de cuarenta y nueve años. El féretro fue velado en el claustro de la Universidad donde acudieron profesores, amigos y familiares del escritor. Al día siguiente fue enterrado en el cementerio de El Salvador.

En Madrid, el escritor Bonafoux (mediocre escritor según Clarín y otros escritores de la época), fiel enemigo hasta la muerte, preparó el artículo necrológico en que añadió estas palabras: Yo he sido el primero en alegrarme de la muerte de Clarín. En su entierro se escuchó el silencio que se escucha en los entierros de los tiranos.
== Anécdotas ==
Parece ser que la pesadilla de todos los amigos y conocidos de Clarín era su letra ininteligible. Por ello recibía bastante a menudo críticas constructivas, alguna mofa o alguna queja:
*Pérez Galdós: En una carta dirigida a Clarín le dice, ¡Cuán más hermoso recibir un papel lleno de garabatos y prepararse a los goces puros de la adivinación! Ir conquistando sílaba a sílaba el reino misterioso de su escritura caldea.
*Emilia Pardo Bazán: Ya tenía ganas de ver sus deliciosos garabatitos.

Clarín recibía continuamente cartas tanto para elogiarle, para insultarle o para pedir consejo y beneplácito sobre otras novelas. En una ocasión Clarín había escrito en sus Paliques que en España en aquellos años no había más que dos poetas y medio: [[Ramón de Campoamor]], [[Gaspar Núñez de Arce]] y Manuel del Palacio (que se suponía era el medio). Este último, sintiéndose ofendido y humillado, envió a la finca de Guimerán donde se encontraba Clarín de vacaciones una larga epístola escrita en tercetos y llena de insultos. La respuesta fue dura y arrolladora. Compuso otra epístola con un número de versos aproximado a los de Palacio que tituló "A 050 poeta (epístola en versos con notas en prosa clara). Toda España la leyó y toda España habló de Manuel del Palacio como el medio poeta. Fue el regocijo de las tertulias madrileñas. El aludido no replicó y ahí terminó el asunto.

En [[1891]], Clarín fue elegido para concejal republicano del Ayuntamiento de Oviedo en sufragio universal. Durante la reunión del acto de nombramiento, Clarín permaneció callado, pero sus nervios se dispararon al escuchar de boca de otro concejal que leía el acta, un haiga. El profesor se echó sobre él con tanta furia dialéctica que el concejal, avergonzado por las risas de sus compañeros y del público asistente, presentó inmediatamente su dimisión. Clarín intervino de nuevo y consiguió que retirase la dimisión.
== Citas ==
*Feliz yo si evito que todas estas doctrinas anarquistas, materialistas, mezcladas con ideas de amor y de justicia, grandes y hermosas, lleguen al pío lector con tantos galicismos como sería de temer.
*El eclecticismo de Balmes es originariamente infecundo, ya que sueña con alianzas imposibles entre sus creencias y las corrientes del siglo.
*Yo era entonces un idealista de cátedra...
*Me nacieron en Zamora...
*¡Qué de famas irritantes, de escritores hueros, necios, vulgarísimos no ha habido que combatir como quien apaga un incendio, durante estos 20 años!
*No seamos pesimistas -porque no hay para qué-, si no hemos llegado a la evidencia científica de que el Universo es lo más malo que cabría imaginar que fuera.
*La buena crianza nos exige que no hablemos a las personas de lo que no entienden, de lo que no les interesa; que no aburramos al prójimo con las preocupaciones de nuestro egoísmo haciéndole prestar atención a nuestras gracias, aventuras y milagros.
*La buena crianza pide también que no escandalicemos a quien nos oye con desvergüenzas, blasfemias, chistes demasiado verdes, etc., etc. La buena crianza pide que no demos latas a nadie (usando una palabra que me disgusta, pero hoy muy corriente).
== Referencias ==
=== Bibliografía ===
*"Obras selectas de Leopoldo Alas Clarín". Biblioteca Nueva, Madrid [[1966]]. Depósito legal: M. 17673. Autor de los datos biográficos: Juan Antonio Cabezas, Madrid [[1947]].
*VALBUENA Y PRAT, Ángel (catedrático de Literatura). Historia de la literatura española. Gustavo Gili, editor. Barcelona [[1946]].

[[Categoría: Nacidos en 1852|Leopoldo Alas]]
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Lennon-McCartney

2023-09-13T05:31:33Z

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[[Imagen:Lennon-McCartney.JPG|250px|right|thumbnail]]
'''Lennon-McCartney''' (también escrito '''Lennon/McCartney''') fue un dúo de compositores integrado por [[John Lennon]] y [[Paul McCartney]] que incluía las canciones compuestas por ambos, pero también las que cada uno escribía por separado. Su asociación para componer canciones es una de las más conocidas y de mayor éxito musical y cultural en la historia. Entre 1962 y 1969, escribieron y publicaron alrededor de 180 canciones acreditadas de forma conjunta, de los cuales la gran mayoría fueron grabadas por [[The Beatles]] y forman parte del grueso de su catálogo. A diferencia de muchas parejas de compositores que abarcan distintos letristas y compositores, tanto Lennon como McCartney escribieron la letra y la música. La cantidad que cada escritor contribuyó varía de una canción a otra, a veces sus contribuciones eran en general de igualdad, pero con más frecuencia, cada canción era principalmente el trabajo de uno de los dos autores acreditados.

Las composiciones de Lennon y McCartney han sido objeto de numerosas versiones. Según el Libro Guinness de récords mundiales, "Yesterday" (ayer) ha sido grabada por otros artistas más veces que cualquier otra canción.

==Trabajo en equipo==
Los ídolos musicales de Lennon y McCartney fueron los [[The Everly Brothers|Everly Brothers]], [[Elvis Presley]], [[Buddy Holly]] y [[Little Richard]].

Aprendieron a tocar muchas de sus canciones e imitaron su sonido. Sus primeras composiciones fueron realizadas en la casa de McCartney (20 Forthlin Road), en la casa de Mimi –la tía de Lennon– en 251 de Menlove Avenue, o en el Liverpool Institute. Solían invitar amigos como [[George Harrison]], Nigel Whalley, Barbara Baker y los compañeros de la escuela de arte de Lennon a escuchar las actuaciones de sus temas.

Aunque se cree que cada uno componía las canciones por su lado y simplemente lo acreditaba a la dupla, es extraño que una canción se completara sin la participación de ambos. Muchas veces, uno de ellos hacía los primeros bosquejos de una idea (o fragmentos de una canción) para que el otro lo terminara o mejorara.

En algunas ocasiones, dos partes o ideas que fueron creadas de forma individual se combinaban en una única canción. Por ejemplo, era común que uno de ellos creara un middle-eight o puente y lo agregara a las estrofas y estribillo del otro. Lennon llamaba a esto "escribir cara a cara" y "jugar en las narices del otro".

Ambos compusieron juntos entre 1958 y 1969. No obstante, con el paso del tiempo, las canciones mostraron cada vez más la impronta de uno, mientras que el otro colaboraba con algunos versos o con un acorde alternativo. "A Day in the Life" es un ejemplo de una de las canciones de [[The Beatles]] en la que, siendo de [[John Lennon]], contiene un fragmento hecho por [[Paul McCartney|McCartney]] ("Woke up, fell out of bed...") añadido en medio de la composición de aquel ("I read the news today, oh boy...").

En una entrevista para la revista Playboy en 1980, Lennon dijo: "Uno podría decir que él (McCartney) proveía luminosidad u optimismo, mientras que yo siempre iba a la tristeza, la discordia o un a costado más bien depresivo. Durante un tiempo, pensaba que no escribía melodías, que Paul lo hacía y que yo sólo escribía Rock'n Roll directo y a los gritos. Pero, por supuesto, cuando pienso sobre mis canciones –"In My Life"– o en alguno de los primeros temas –"This Boy"–, yo escribía melodías con lo mejor de ellas... Entonces, otra vez, yo solía ser el que se daba cuenta dónde ir con una canción, una historia que comenzaba Paul. En muchas canciones, lo mío era el middle eight, el puente".

==La acreditación==
Lennon y McCartney comenzaron a escribir canciones incluso antes de ser The Beatles. Lennon sugirió que todas las canciones compuestas por al menos uno de ellos (ya fueran las escritas individualmente por uno o aquellas en las que los dos trabajaron) debían ser acreditadas a ambos. Esto fue para simular la familiaridad de la dupla Leiber/Stoller. Entre enero de 1962 y diciembre de 1969, todos los temas de ellos fueron acreditadas a Lennon/McCartney.

Sin embargo, las siguientes canciones creadas en ese período no fueron registradas en la dupla: “Woman” (1966 por McCartney, no confundir con “Woman” de Lennon), la banda sonora The Family Way (McCartney, 1966), “Catcall” (McCartney, 1967), “Penina” (McCartney, 1969), “Cold Turkey” (Lennon, 1969) y “Come and Get It” (McCartney, 1969).

Existió un desacuerdo entre los dos ex-Beatles por la autoría de tres temas: “In My Life”, “Eleanor Rigby” y “Ticket To Ride”. Pese a que Lennon afirmó que McCartney ayudó sólo en el middle eight de “In My Life”, McCartney reclama que escribió toda la melodía inspirándose en dos canciones de Smokey Robinson: “You Really Got A Hold On Me” y “The Tears Of A Clown”.

Por otra parte, McCartney manifestó que escribió “Eleanor Rigby” en un piano recto en la sala de música de los Asher en Wimpole Street y después lo tocó para Donovan antes de terminar el tema, algo que el cantautor escocés confirmó. En 1972, Lennon declaró que compuso el 70% de la letra de “Eleanor Rigby”, pero el amigo de la infancia de Lennon, Peter Shotton, afirmó que su contribución fue “absolutamente nula”. Al respecto, los conocedores del tema coinciden en asignarle el crédito de “In My Life” principalmente a Lennon y “Eleanor Rigby” para McCartney, pero que ninguna canción fue escrita sólo por uno de ellos.

==Véase también==
*[[John Lennon]]
*[[Paul McCartney]]

[[Categoría:Grupos y conjuntos musicales|Lennon-McCartney]]
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Leopoldo Lugones

2023-09-13T05:29:52Z

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[[Imagen:LeopoldoLugones01.jpg|200px|right]]
'''Leopoldo Lugones''' (n. Villa de María, Córdoba, Argentina, [[13 de junio]] de [[1874]] - † San Fernando, Buenos Aires, Argentina, [[18 de febrero]] de [[1938]]) fue un poeta, ensayista, periodista y político argentino.

==Datos biográficos==
Leopoldo Lugones nació el 13 de junio de 1874 en la provincia de Córdoba, primer hijo de Santiago Lugones y Custodia Argüello. Su madre le enseñó las primeras letras y fue responsable de una formación católica muy estricta.

En su niñez su familia se trasladó a Santiago del Estero y más tarde a Ojo de Agua, una pequeña villa situada en el sur de la provincia de Santiago del Estero.

Más tarde sus padres lo envían a cursar el bachillerato en el Colegio Nacional de Monserrat, en Córdoba, donde vive con su abuela materna. En 1892 su familia se trasladaría a esa ciudad y en esa época comienza a realizar sus primeras experiencias en el campo del periodismo y la literatura.

En el año 1896 se traslada a Buenos Aires y contrae matrimonio con Juana Agudelo. En 1906 y 1911 realiza sendos viajes a Europa, travesías entonces consideradas imprescindibles en la elite intelectual porteña.

En 1897 nace su único hijo, Polo Lugones, quien sería jefe de policía durante la dictadura de José Félix Uriburu y de triste fama por ser considerado quien introdujo la picana eléctrica como método de tortura.

Mientras tanto, en Buenos Aires, genera constante polémica no tanto por su obra literaria sino por su protagonismo político que sufre fuertes virajes ideológicos a lo largo de su vida, pasando por el socialismo, el liberalismo, el conservadurismo y el fascismo.

Decepcionado, precisamente, por las circunstancias políticas de la década de 1930 y quizás por su propia militancia, se suicida el [[18 de febrero]] de [[1938]] en un hotel de San Fernando, Buenos Aires, (llamado "El Tropezón") al ingerir una mezcla de cianuro y whisky.

==Actividad literaria y política==
La actividad literaria y política de Lugones comienza en Córdoba con su incursión como periodista en El Pensamiento Libre, publicación considerada atea y anarquista, y participa en la fundación del primer centro socialista en esa ciudad. En esa época publica poesía con el seudónimo Gil Paz.

Poco después, ya en Buenos Aires, se une al grupo socialista que integran, entre otros escritores, José Ingenieros, Alberto Gerchunoff, Manuel Ugarte y Roberto Payró y escribe de manera esporádica para varios medios, entre los que se cuentan el periódico socialista La Vanguardia y el periódico roquista Tribuna. En esa época conoce a [[Rubén Darío]], quien tendría importante influencia en su obra y cuyo prestigio le facilitaría el ingreso al diario La Nación.

En 1897 Lugones publica su primer libro, Las montañas del oro, de estilo inspirado en el [[simbolismo]] francés. Algunos capítulos de este libro habían sido publicados en una revista dirigida por Paul Groussac llamada La Biblioteca.

El 13 de noviembre de 1899 adhirió a la masonería al iniciarse en la logia.

En 1903 es expulsado del socialismo al apoyar la candidatura conservadora de Manuel Quintana para la presidencia de la República.

En 1905 publica Los crepúsculos del jardín, obra cercana al [[Modernismo]] y recoge también las tendencias de la literatura francesa, en particular el simbolismo, estilo que se profundizaría con su celebrado Lunario sentimental publicado en 1909.

Experimenta con cuentos de misterio en 1906 con su obra Las fuerzas extrañas; este libro junto con Cuentos fatales (1926) son considerados precursores de la narrativa breve en Argentina, que tendrá una vasta tradición a lo largo de todo el siglo XX.

De regreso de sus experiencias europeas, Lugones publica su ensayo Historia de Sarmiento (1911). En 1913 pronuncia en el Teatro Odeón una serie de conferencias, titulada "El Payador", ante la presencia, entre otros personajes ilustres, del entonces presidente Roque Sáenz Peña; el tema principal de las conferencias (recopiladas y publicadas en 1916) era el poema gauchesco Martín Fierro y la exaltación de la figura del gaucho como paradigma de nacionalidad. En la obra de Domingo Faustino Sarmiento y de José Hernández, Lugones encuentra lo que él llama "la formación del espíritu nacional".

"Facundo y Recuerdos de provincia son nuestra Ilíada y nuestra Odisea. Martín Fierro nuestro Romancero (…)" (Historia de Sarmiento, Leopoldo Lugones, 1911).

La consideración del Martín Fierro como emblema de la literatura argentina se debe, en gran medida, a la interpretación de Lugones sobre la influencia de esta obra en la formación de una identidad cultural.

En 1920 comienza a advertirse un giro hacia las ideas nacionalistas con la publicación de un libro de doctrina política, Mi beligerancia. Al año siguiente publica una obra que puede considerarse de divulgación científica, El tamaño del espacio y en 1922, en un retorno al simbolismo, publica Las horas doradas.

En 1923 pronuncia una conferencia en el teatro Coliseo de Buenos Aires, titulada "Ante la doble amenaza", que le reporta un inmediato repudio de parte del espectro político democrático. En esa ocasión el dirigente socialista Alfredo Palacios lo califica de chauvinista.
En 1926 recibe el Premio Nacional de Literatura y en 1928 preside la Sociedad Argentina de Escritores. Ya en esa época era un ferviente impulsor de las tendencias fascistas que caracterizaban a parte de los militares argentinos.

Lugones es un importante propagandista del golpe militar protagonizado por José Félix Uriburu el 6 de septiembre de 1930, que derroca de la presidencia al caudillo radical Hipólito Yrigoyen. Su estrecha relación con el régimen instaurado ese año le vale el rechazo de los círculos intelectuales porteños.

A pesar de su adhesión al nacionalismo autoritario desde la década de 1920, Lugones se opuso al antisemitismo mientras muchos intelectuales destacados lo profesaban abiertamente.

En 1935 escribe el prólogo al libro "La mentira más grande de la historia: los protocolos de los sabios de Sion", de Benjamín W. Segel (Ediciones D.A.I.A., Buenos Aires 1936). La obra denuncia como falsificación al célebre escrito antisemita conocido como Protocolos de los Sabios de Sion.

El [[18 de febrero]] de [[1938]] se quita la vida en un recreo de San Fernando, provincia de Buenos Aires, llamado El Tropezón, ubicado en la Segunda Sección del Delta (es erróneo aseverar que falleció en Tigre) al ingerir una mezcla fatal de whisky y cianuro. La frustración política, como causa de su decisión de suicidio, ha sido, por siempre, la más difundida. Empero, publicaciones recientes en bibliografía argentina, han echado otra luz. Lugones estuvo muy enamorado de una muchacha que conoció en una de sus conferencias en la Facultad de Filosofía y Letras. Mantuvo con ella una relación sentimental y apasionada. Descubierto y presionado por su hijo, debió abandonarla. Esto lo habría precipitado en un declive depresivo que acabaría así con su vida.

Sus descendientes no han escapado a este sino trágico. Su único hijo, Leopoldo Lugones (hijo), llamado Polo, se suicidó en 1971; su hija Susana, a quien llamaban Pirí, fue detenida desaparecida en diciembre de 1978 durante la guerra sucia. Su otra hija, Carmen, a quien llamaba Babú sigue con vida. Uno de los hijos de Pirí, Alejandro, se suicidó al igual que su bisabuelo en Tigre. Esto conforma un destino familiar trágico, curiosamente muy parecido al de la estirpe de Horacio Quiroga, su amigo y admirador.

==Poesía==
*Delectación Morosa
*Los crepúsculos del jardín (1905)
*Lunario sentimental (1909)
*Odas seculares (1910)
*El libro fiel (1912)
*El libro de los paisajes (1917)
*Las horas doradas (1922)
*Poemas solariegos, (1927)
*Romances del Río Seco, (1938)
*Cancionero de Aglaura,repóstumo.
*La Blanca Soledad

==Narrativa==
*La guerra gaucha, (1905)
*Las fuerzas extrañas, (1906)
*Cuentos fatales, (1926)
*El Hombre Muerto (1907) publicado por la revista Caras y Caretas

==Novela==
*El Ángel de la Sombra, 1926 (fue la única novela escrita por lugones, en la que narra su relación oculta)

==Bibliografía==
*Historia Social de la Literatura Argentina, Tomo VII, Yrigoyen, entre Borges y Arlt (1916-1930), David Viñas (Director), Graciela Montalbo y colaboradores, Buenos Aires, Editorial Contrapunto, 1989.
*Leopoldo Lugones y los judíos: las contradicciones del nacionalismo argentino, Allan Metz, ISBN 950-9829-35-8.
*Lugones, defensor de los judíos, de Edgardo Cozarinsky (París 1998, para La Nación).

==Véase también==
*[[Modernismo (literatura en español)]]
*[[Literatura española del Modernismo]]
*[[Modernismo]]

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Lauda sepulcral de los Cinco Obispos

2023-09-13T05:22:23Z

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En la [[Mezquita Catedral]] de [[Córdoba]] se encuentra la '''Lauda sepulcral de los Cinco Obispos''', que contiene los restos mortales de cuatro obispos de Córdoba. Uno de los obispos que aparece en las fuentes como enterrado aquí, Don [[Tello de Buendía]], en realidad se encuentra sepultado en la Catedral de Toledo.

La lauda, o laude sepulcral de los Cinco Obispos fue construida en 1554, por voluntad del entonces obispo de Córdoba, Don [[Leopoldo de Austria]], que rigió los destinos de la diócesis entre los años [[1541]] y [[1557]]. En la lauda se encuentran los restos mortales de cinco obispos de la Diócesis de Córdoba:

*Don [[Fernando de Mesa]], obispo de Córdoba entre los años [[1257]] y [[1274]].
*Don [[Gutierre Ruiz de Mesa]], obispo de Córdoba entre los años [[1326]] y [[1336]].
*Don [[Juan Fernández Pantoja]], obispo de Córdoba entre los años [[1379]] y [[1397]].
*Don [[Gonzalo Venegas]], obispo de Córdoba entre los años [[1427]] y [[1438]].
*Don [[Tello de Buendía]], obispo de Córdoba entre los años [[1383]] y [[1384]].

Respecto a la polémica existente sobre si los restos mortales del obispo Don [[Tello de Buendía]] reposan en Córdoba o en la Catedral de Toledo, el historiador Miguel Ángel Ortí Belmonte afirmó que "Don Tello de Buendía, que dan como enterrado en el mausoleo, no está aquí; era arcediano de Toledo y está enterrado en su catedral, en un magnífico sepulcro yacente, cerca de la Capilla Mozárabe."

Está comprobado que los restos del obispo Don Tello de Buendía reposan en el sepulcro que para él labró [[Alonso de Covarrubias]] en el año 1514, y que se encuentra colocado en la Capilla Mozárabe de la Catedral de Toledo.

==Bibliografía==
*VV.AA. Guía artística de la provincia de Córdoba. El Grupo Arca. Servicio de Publicaciones de la Universidad de Córdoba. 1995.
*[[Miguel Salcedo Hierro|Salcedo Hierro, Miguel]]. La Mezquita, Catedral de Córdoba. (Publicaciones de la Obra Social y Cultural de Cajasur. Córdoba. [[2000]]).

[[categoría:Mezquita-Catedral de Córdoba]]
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Paul Bowles

2023-07-10T19:14:07Z

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[[Imagen:Paul Bowles.jpg|250px|right|thumbnail]]
'''Paul Bowles''', (Nueva York, [[30 de diciembre]] de [[1910]] - Tánger, Marruecos, [[18 de noviembre]] de [[1999]]) fue un escritor, compositor y viajero estadounidense.

==Biografía==
===Primeros años: Francia y Nueva York===
De abuelos alemanes por parte paterna, Bowles vivió un violento conflicto generacional con su padre, un odontólogo y músico frustrado, de quien era hijo único, tan maniático que le hacía masticar cuarenta veces cada bocado, y con su madre, de forma que, al arrojarle a esta un cuchillo en una discusión a los diecinueve años, decidió evitar males mayores y escaparse de su casa sin terminar los estudios.

Compró un pasaje de barco y acabó en París, donde conoció a la [[Generación perdida]], en especial [[Ezra Pound]] y [[Djuna Barnes]]. Como cuenta en su libro autobiográfico Memorias de un nómada ([[1972]]), publicó en París dos poemas [[Surrealismo|surrealistas]] en Transition, una revista literaria internacional, que llamaron la atención de [[Gertrude Stein]]; ésta, sin embargo, desanimó su vocación de escritor y el joven bohemio se dedicó a la música.

Regresó a Nueva York para estudiar composición con Aaron Copland durante los años treinta. Con él hizo varios viajes, entre ellos a Marruecos. En los años siguientes compuso partituras para ballets y la música de muchas películas y obras de teatro. En Berlín trató a [[Christopher Isherwood]] y [[Wystan Hugh Auden|W. H. Auden]]. Residió en México cuatro años, donde conoció y quedó impresionado por el compositor [[Silvestre Revueltas]], un año antes de que éste muriera alcoholizado.

Viajó además por Costa Rica, Guatemala y Colombia con Jane Auer, con la que en 1938 se casó, por lo cual desde entonces fue conocida como [[Jane Bowles]], autora de teatro y novelista bisexual autora de Dos damas muy serias. Leyó con mucha pasión a [[Franz Kafka]], cuyas obras le afectaron fuertemente.

Jane lo animó para que volviera a escribir y Bowles produjo relatos y crítica musical para el Herald Tribune entre 1942 y 1945. En el Broadway de los años cuarenta conoció a [[Orson Welles]], [[Joseph Losey]], [[John Huston]] y [[Salvador Dalí]].

===Establecimiento definitivo en Tánger===
En 1947 el matrimonio se instaló en Tánger, una ciudad del entonces Marruecos moderno. En Marruecos están ambientadas la mayor parte de las narraciones de Bowles, como por ejemplo su primera novela, El cielo protector ([[1949]]), llevada al cine con éxito en 1991 por [[Bernardo Bertolucci]]; como afirmó el autor, en ella la acción transcurre en dos planos, el desierto africano exterior y el desierto interior de los protagonistas. La obra es en parte autobiográfica y el filme supuso el redescubrimiento del autor en su propio país, sacándole de las estrecheces económicas que empezaban a asediarlo.

Después publicó las novelas Déjala que caiga ([[1952]]) y La casa de la araña ([[1955]]). En estas obras Bowles gusta de instalar en la extraña cultura musulmana a europeos o norteamericanos que terminan inmersos en auténticas crisis de identidad al encontrarse descontextualizados y alienados por una nube de drogas, alcohol y ambigüedad emotiva, y en el paisaje del desierto, donde lo único que existe es el arriba y el abajo. Se representa así la disolución de la identidad en el mundo moderno.

En Tánger, Jane empezó una larga relación lésbica de veinte años con una sirviente doméstica marroquí, de quien su marido sospechó a veces que la había envenenado o endemoniado. En los años cincuenta Bowles se relacionó con la Gay Society ([[Luchino Visconti]], [[Tennessee Williams]], [[Truman Capote]]) y con la [[Generación beat]] ([[William Burroughs]], [[Allen Ginsberg]]), sin llegar a pertenecer a ninguno de estos grupos. Sirvió de cicerone en Tánger a la práctica totalidad de la Generación Beat y gay: [[Tennessee Williams]], [[Truman Capote]], [[Allen Ginsberg]], [[Jack Kerouac]], [[William Burroughs]], [[Gore Vidal]], [[Gregory Corso]], [[Djuna Barnes]] o [[Cecil Beaton]], e introdujo a algunos de ellos en curiosas drogas marroquíes como el majoun.

En 1972 publicó sus movidas memorias, Whitout stopping, que se tradujeron como Memorias de un nómada en [[1990]]. En 1973 murió su mujer en un hospital de Málaga tras un largo internamiento de 16 años por demencia. Ese mismo año traduce al inglés El pan desnudo, del escritor marroquí [[Mohammed Chukri]]. El Diario de Tánger 1987-1989 ([[1991]]) ofrece una crónica de su vida en Marruecos. Publicó además el libro de viajes por África titulado Cabezas verdes, manos azules (1963). Recopiló sus relatos en Delicada oración ([[1950]]), El tiempo de la amistad ([[1967]]) y Relatos completos de Paul Bowles ([[1979]]). Cultivó asimismo la poesía y tradujo cuentos tradicionales africanos. Otros libros suyos son Una vida llena de aprietos ([[1964]]), La tierra caliente ([[1966]]), Misa de gallo ([[1981]]) y Dos años al lado del estrecho ([[1990]]).

Como compositor su producción incluye, entre otras obras, la ópera Denmark Vesey ([[1937]]) y otra sobre [[Federico García Lorca]] titulada The wind remains, Reliquia del viento, estrenada en [[1943]] por [[Leonard Bernstein]] y basada en Así que pasen cinco años del poeta granadino. Durante los ochenta su obra se revalorizó, tradujo y republicó en todo el mundo.

[[Categoría:Escritores del siglo XX|Paul Bowles]]
[[Categoría:Músicos del siglo XX|Paul Bowles]]
[[Categoría:Compositores del siglo XX|Paul Bowles]]
[[Categoría:Nacidos en 1910|Paul Bowles]]
[[Categoría:Nacidos en Estados Unidos|Paul Bowles]]
[[Categoría:Fallecidos en 1999|Paul Bowles]]
[[Categoría:Fallecidos en Marruecos|Paul Bowles]]
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Pau Roca

2023-07-10T17:31:32Z

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[[Imagen:Pau Roca.png|250px|right|thumbnail]]
'''Pau Roca Jover''' ([[24 de junio]] de [[1982]], Barcelona) es un actor español.

Se dio a la fama interpretando a Mateo en la serie 'MIR', en Telecinco. Hasta diciembre de 2008 interpretaba a David Vega en 'LEX', que se emitía en horario de máxima audiencia en Antena 3.

==Biografía==
Nacido en el barcelonés barrio de Gracia, y de madre cocinera, Pau Roca realizó los estudios de interpretación y dirección en la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC). Comenzó su carrera profesional en el teatro con obras como: 'Croades', 'Ball Trap', 'Romeo y Julieta', 'Zoo de Cristal', 'Actes indecents' y 'Trilogía en Nueva York'. Poco después apareció en series españolas de renombre como 'Ventdelplà', 'El comisario' y 'Hospital Central'.

Hasta diciembre de 2008 trabajó en la serie 'LEX' junto con actores como [[Javier Cámara]], [[Santi Millán]] o [[Kira Miró]], entre otros. Desde mayo de 2013 aparece en la serie 'Gran Reserva. El origen' de Bambú Producciones para TVE, interpretando el papel de Rafael Cortázar.

==Trayectoria profesional==
===Cine===
*Barcelona, nit d'estiu (2013)
*Pactar con el gato (2007)
*Fin de curso (2004)
*Jóvenes (2003)
===Televisión===
*Bajo sospecha (2015)
*Gran Reserva. El origen (2013)
*Ventdelplà (2010)
*LEX (2008)
*MIR (2007-2008)
*Ventdelplà (2005)
*De moda (2004)
*Estocolmo (2004)
*Hospital Central (2003)
*El comisario (2003)
===Teatro===
*Romeo y Julieta (2007-09)
*La cabra (2005)
*Actes indecents (2005)
*Trilogía en Nueva York (2004)
*Romeo y Julieta (2002)
*Ball Trap (2002)
*Croades (2002)
*El zoo de cristal (2001)

[[Categoría:Actores del siglo XXI|Pau Roca]]
[[Categoría:Nacidos en 1982|Pau Roca]]
[[Categoría:Nacidos en Barcelona|Pau Roca]]
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Calle Barroso

2023-07-10T17:30:12Z

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[[Imagen:CalleBarroso02.jpg|300px|right]]
La '''calle Barroso''', de [[Córdoba]], está situada en pleno corazón del [[Barrio del Centro Comercial]]. Comienza en la [[Plaza de San Juan]] y termina en la [[Calle Blanco Belmonte]]. Mantiene entre sus afluentes la [[calle Leiva Aguilar]] y la actual [[calle La Pierna]]

Esta calle es de circulación restringida, esto es, de preferencia peatonal, sólo accesible para residentes y servicios públicos. A finales de la década de 2000 se instaló una pilona para regular el acceso a la misma.

==Historia==
Esta calle se llamó anteriormente Calle de la Pierna, nombre que según la tradición popular procede que una mujer a la cual su pierna se volvió piedra como consecuencia de la maldición lanzada por su padre, al echarla de casa. Esta y otras leyendas sobre esta calle fueron recogidas por [[Teodomiro Ramírez de Arellano|Ramírez de Arellano]], quién describe así la calle en [[Paseos por Córdoba]]:

:«Desde la plazuela de San Juan arranca una calle que termina en la de Pedregosa. Llámase de la Pierna por una de piedra caliza que está colocada en un nicho en la fachada de la casa número 4; es resto de una antigua estatua romana encontrada al abrir unos cimientos, y que el dueño de aquélla, viendo ser una curiosidad, la colocó en aquel sitio. Ésta es la verdad por más que el vulgo le ha inventado varias historias que tradicionalmente ha llegado a nosotros: pero el nombre de calle de la Pierna no lo llevó en lo antiguo más que hasta la esquina para volver a Jesús Crucificado. Este sitio, más ancho, se ha llamado plazuela del Hospital de San Jacinto, y después de la Tercia, por las razones que iremos anotando, y también se ha llamado de los Velascos, por la casa de estos señores. Desde este punto le decían calle de San Juan, por estar allí una de las puertas de la parroquia.»

[[Categoría:Calles de Córdoba|Barroso]]
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Pastora Soler

2023-07-10T12:43:23Z

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[[Imagen:PastoraSoler2009.jpg|300px|right|thumbnail]]
'''Pilar Sánchez Luque''' (Coria del Río, Sevilla, [[28 de septiembre]] de [[1978]]), más conocida por su nombre artístico, '''Pastora Soler''', es una conocida cantante española, famosa por combinar copla, flamenco y canción española con sonidos pop. Pastora es una artista precoz que empezó cantando coplas y canciones flamencas cuando tan sólo tenía ocho años. En 1994 editó su primer trabajo Nuestras coplas, un disco donde versionaba grandes clásicos de la canción española. Su primer gran éxito no llegó hasta su tercer álbum Fuente de luna, cuyo primer single, Dámelo ya, logró alzarse con el número 1 en la lista de ventas en España y Turquía.

En 2001 lanzó al mercado Corazón congelado, con el que logró consolidar el éxito alcanzado en su anterior trabajo. La canción que da nombre a este álbum fue elegida entonces como sintonía de la Vuelta a España 2001. Tras moverse en sonidos más dance en su siguiente disco, Deseo, de la mano de Carlos Jean, Pastora cambió de discográfica y firmó por Warner Música España en 2005. Con ella publica sus últimos trabajos: Pastora Soler, Toda mi verdad y Bendita locura. En 2010, la cantante sevillana celebró sus 15 años en el mundo de la música con el lanzamiento de su primer trabajo en directo, 15 años. Al año siguiente publicó su noveno álbum de estudio, Una mujer como yo.

Con nueve discos de estudio en el mercado, Pastora ha conseguido 3 discos de platino y 4 discos de oro. A lo largo de su carrera, también ha recogido importantes premios dentro de su gremio como el Premio de la Música o el Micrófono de oro. Entre sus colaboraciones se encuentran artistas consolidados como [[Alejandro Sanz]], [[Armando Manzanero]], Malú, David Bustamante o [[Miguel Poveda]], entre otros muchos. También ha actuado, entre otros lugares, en EEUU o Egipto.

En diciembre de 2011 fue designada por TVE para representar a España en el Festival de la Canción de Eurovisión 2012, que se celebró en Bakú, capital de Azerbaiyán, en el mes de mayo, con el tema "Quédate Conmigo", elegido por los telespectadores del canal público. Finalizó en la décima posición, mejorando muy notablemente los resultados de España desde 2004. Su actuación fue seguida en España por casi 9 millones de espectadores.

==Discografía==
===Álbumes de estudio===
*1994: Nuestras coplas
*1996: El mundo que soñé
*1999: Fuente de luna
*2001: Corazón congelado
*2002: Deseo
*2005: Pastora Soler
*2007: Toda mi verdad
*2009: Bendita locura
*2011: Una mujer como yo
*2012: Una mujer como yo. Especial Eurovisión

[[Categoría:Cantantes del siglo XXI|Pastora Soler]]
[[Categoría:Nacidos en 1978|Pastora Soler]]
[[Categoría:Nacidos en Coria del Río|Pastora Soler]]
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Patio de los Naranjos

2023-07-10T12:41:14Z

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[[Imagen:MezquitaCatedral02.jpg|right|thumb|250 px|]]
El '''Patio de los Naranjos''' forma parte de la [[Mezquita Catedral]] de [[Córdoba]], es sin duda el patio más grande y más antiguo de la ciudad, ya que su origen está ligado al del propio templo, en el año [[786]], al constituir el sahn de la mezquita alhama o mezquita del viernes de la ciudad. Su nombre se debe a los 98 naranjos que contiene, plantados en hileras a finales del [[Siglo XVIII|siglo XVIII]].

==Descripción==
Se trata de un recinto cerrado de 130 metros de largo por 50 de ancho que está dividido en tres partes, cada una de ellas con un surtidor en el centro. Además, en el interior del Patio se sitúan la [[Fuente del Patio de los Naranjos|Fuente de Santa María o del Caño del Olivo]] y la [[Fuente del Cinamomo]].

En sus muros de cierre, pero por el exterior, se encuentran las fuentes del [[Fuente del Caño Gordo|Caño Gordo]] y la de [[Fuente de Santa Catalina|Santa Catalina]], además del [[Arca del Agua]].

Bajo la zona correspondiente a la ampliación de [[Almanzor]], se halla un gran aljibe cuya construcción se remonta al [[Siglo X|siglo X]].

==Evolución del Patio==
El patio original (sahn o patio de abluciones) fue construido por [[Abderramán I]]. Era un pequeño recinto de planta rectangular, proporcional al tamaño de la sala de oración. El alminar, siguiendo la tradición constructiva Omeya, estaba situado en el exterior del muro norte.

En el siglo X [[Abderramán III]], ya convertido en Califa, decide modificar el patio, que tras la obras de la sala de oración llevada a cabo por [[Abderramán II]] había quedado desproporcionado. Se amplía el patio hacia el norte, desmontando dicho muro y el alminar, que será sustituido por uno de mayores proporciones que, a diferencia del anterior, queda integrado en el propio muro. La posición del antiguo alminar es visible hoy día gracias a unas placas de granito gris que dibujan su planta.

Aunque ya en época omeya el patio tuvo galerías porticadas en tres de sus laterales (norte, este y oeste), la configuración actual obedece a una de las reformas cristianas.

==Función del patio==
La función del patio de abluciones en la sociedad musulmana era básicamente religiosa, pero llegó a convertirse en un punto de encuentro social para la sociedad cordobesa. También existen datos que apuntan a la utilización de sus galerías como escuelas para niños, antes de que [[Alhakén II]] creara las escuelas públicas.

Ante el incremento de la población musulmana en Qurtuba, el templo había quedado pequeño, por lo que se habilitaron galerías, de las cuales hoy día son visibles marcas en el pórtico oeste. Esta solución fue temporal y finalmente, se procedió a ampliar la sala de oración.

Ya en época cristiana los pórticos, en especial el oeste, fueron usados como hospital y casa de niños expósitos.

Desde hace un tiempo, se hayan expuestas en las galerías las vigas y tablones que conformaban la techumbre original del templo, procedentes de la restauración del [[Siglo XIX|siglo XIX]]. Su estado de conservación, relativamente bueno al ser todavía visibles los relieves que las decoraban y parte de la policromía original, motivaron su retirada para una mejor conservación y sirvieron de modelo para la realización de las que actualmente se ven.

==Galería==
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Imagen:PatiodelosNaranjos01.jpg
Imagen:DSC01728.JPG
Imagen:Patio naranjos 1724.JPG
Imagen:5Patio Naranjos.jpg
</gallery>

[[Categoría:Jardines|Patio de los Naranjos]]
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Fiambreras de Plata Año 2023

2023-06-09T12:26:45Z

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Reunido el Jurado, elegido por sorteo entre todos los ateneístas, ha deliberado la concesión de las Fiambreras de Plata del año 2023 máximo galardón que el Ateneo de Córdoba concede cada año como público reconocimiento a la labor de personas y colectivos en las Artes, las Letras y las Ciencias, Derechos Humanos y otras nobles causas. El Jurado está compuesto por los ateneítas María Ángeles Hermosilla Álvarez, Yolanda Espinar Marín, Rafael Cerrejón Jiménez, Rafaela Hames Castillo, Manuel del Pino Heredia, Carlos Gómez Pereira y Asunción Martín Pontes, actuando como secretario Manuel Sanchiz Salmoral.

Una vez leída la relación de candidatos propuestos por las señoras y señores socios ateneístas y tras varias deliberaciones, se acuerda homenajear mediante la entrega de la FIAMBRERA DE PLATA 2023 a las siguientes personas y entidades:

*Amancio Prada, compositor y cantautor.
*Grupo de teatro del Aula Intergeneracional de la UCO.
*Guillermo rojas, guionista y director cinematográfico.
*José Manuel Belmonte, escultor.
*Manuel Gahete Ortiz, investigador.
*Julia Hidalgo quejo, pintora.
*Pedro Poyato Sánchez, historiador.

En la misma reunión se acordó entregar este año dos fiambreras extraordinarias a la Fundación Antonio Gala y a la Fundación Cajasol. A la primera por la labor y ayuda que durante años lleva realizando respecto a los jóvenes que destacan en algunas de las especialidades de las artes o las letras; a la segunda, por la labor de apoyo que durante años ha prestado a la cultura cordobesa. El acto de entrega de estas distinciones se celebrará el 9 de junio a las 20:00 horas en el Real Círculo de la Amistad de Córdoba y finalizará con el nombramiento de Ateneísta de Honor a Antonio Flores Herrera y Presidente de Honor a Antonio Varo Baena por la colaboración y entrega desinteresada que durante años han mostrado ambos con el Ateneo de Córdoba.

==Galería fotográfica==
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</gallery>

[[Categoría:Fiambreras de Plata| 2023]]

Ernesto Cardenal

2023-04-08T03:22:40Z

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[[Imagen:Ernesto Cardenal.jpg|270px|right]]
'''Ernesto Cardenal Martínez''' es un sacerdote, político, poeta y escultor nicaragüense, nacido en Granada, Nicaragua, el [[20 de enero]] de [[1925]].

De familia rica, estudia Filosofía y Literatura en la Universidad de México, 1944-1948, y en la Universidad de Columbia, en Estados Unidos, en [[1949]]. Más tarde continúa sus estudios en Nueva York y viaja por Italia, España y Suiza.
[[Imagen:Ernesto Cardenal-2.jpg|250px|right|thumbnail|Ernesto Cardenal deja su firma en [[Bodegas Campos]] rodeado de ateneístas]]
Tras su experiencia en un monasterio trapense de Kentucky, Estados Unidos, se ordena sacerdote en Managua ([[1965]]) y crea en su país la Abadía de Solentiname, poderoso foco de la revolución de la vida cultural y religiosa americana. Cuando los sandinistas derrocan la dictadura del general Anastasio Somoza, en [[1979]], el régimen sandinista lo nombra, en ese mismo año, ministro de Cultura ([[1979]]-[[1988]]).

Ernesto Cardenal recibe en [[1980]] el Premio de la Paz del Comercio Librero Alemán.

En [[1983]], Juan Pablo II visita oficialmente Nicaragua. El pontífice -frente a cámaras de televisión que transmiten a todo el mundo- amonesta e increpa severamente a Ernesto Cardenal, arrodillado ante él en la misma pista del aeropuerto, por propagar doctrinas apóstatas (según la fe católica) y por formar parte del gobierno sandinista.

Cardenal abandona el FSLN en [[1994]], en protesta contra la dirección autoritaria de Daniel Ortega. Luego, suma su apoyo moral al MRS o Movimiento Renovador Sandinista, y extiende su apoyo a la Alianza Partido MRS, durante las elecciones [[2006]], igual que otros destacados literatos nicaragüenses, entre los que destacan Gioconda Belli y Sergio Ramírez Mercado, fundador del MRS.

En mayo de [[2005]] es nominado al Premio Nobel de literatura.

En [[2007]] el poeta nicaragüense vuelve a México y entre otras actividades asiste con el Subcomandante Marcos del Ejército Zapatista de Liberación Nacional, en el festival XII Encuentro Hispanoamericano de Escritores "Horas de Junio", celebrado el [[1 de junio]], organizado por la Universidad de Sonora, y que ese año lleva por título Tributo a Ernesto Cardenal, donde ofrece lectura de un texto sobre la utopía social y un recital de sus poemas que enmudece al auditorio de la Sociedad Sonorense de Historia.

Junto con su vocación de poeta ha desarrollado su vocación de escultor. Se formó en talleres privados que le hicieron Fernancio Saravia y Rodrigo Peñalba en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Fundador del movimiento de pintura primitivista de Solentiname y del resto de Nicaragua.

Ha sido también co-director de la Casa de Los Tres Mundos, una organización literaria y cultural en Granada, Nicaragua.

== Obra poética ==
*''Ansias lengua de la poesía nueva nicaragüense'' (Nicaragua, [[1948]])
*''Hora 0'' (Revista Mexicana de Literatura, [[1960]])
*''Epigramas'' (Universidad Nacional Autónoma de México, [[1961]]) (Tusquest, Barcelona, [[1978]])
*''Antología de la poesía Norteamericana''. Traducción y selección, con José Coronel Urtecho. (Madrid, Aguilar, [[1963]]). (Madrid, Alianza, [[1979]])
*''Literatura indígena americana''. Antología. Traducción, con Jorge Montoya Toro. (Medellín, (Editorial Universidad de Antioquia, [[1964]])
*''Oración por Marilyn Monroe y otros poemas'' (Ediciones La Tertulia, [[1965]]) (Nueva Nicaragua-Ediciones Monimbo, [[1985]])
*''El estrecho dudoso'' (Madrid, Ediciones Cultura Hispánica, [[1966]]) (Nueva Nicaragua-Ediciones Monimbo, [[1985]])
*''Antología de Ernesto Cardenal'' (Santiago de Chile, Editora Santiago, [[1967]])
*''Poemas de Ernesto Cardenal'' (Casa de las Américas, Cuba, [[1967]])
*''Salmos'' (Ávila, España, Institución Gran Duque de Alba, [[1967]]) (Managua, Ediciones El Pez y la Serpiente, [[1975]])
*''Mayapan'' (Managua, Editorial Alemana, [[1968]])
*''Homenaje a los indios americanos'' (Universidad Nacional Autónoma de Nicaragua, [[1969]]) (Madrid, Laia, [[1983]])
*''Vida en el Amor'' (Buenos Aires, Lohle, [[1970]])
*''La hora cero y otros poemas'' (Ediciones Saturno, [[1971]])
*''Antología'' Selección y edición de Pablo Antonio Cuadra (Lohle, [[1971]]) (Universidad Centroamericana, [[1975]])
*''Poemas'' (Editorial Leibres de Sinera, [[1971]])
*''Poemas reunidos, 1949-1969''. (Dirección de Cultura, Universidad de Carabobo, [[1972]])
*''En Cuba'' (Lohle, [[1972]])
*''Canto nacional'' (México, Siglo XXI, [[1973]])
*''Oráculo sobre Managua'' (Lohle, [[1973]])
*''Poesía nicaragüense'' (Casa de las Américas, [[1973]]) (Editorial Nueva Nicaragua, [[1981]])
*''El Evangelio en Solentiname'' (Ediciones Sigueme, [[1975]]) (Editorial Nueva Nicaragua-Ediciones Monimbo, [[1983]])
*''Poesía escogida'' (Barral Editores, [[1975]])
*''La santidad de la revolución'' (Ediciones Sigueme, [[1976]])
*''Poesía cubana de la revolución'' (Extemporáneos, [[1976]])
*''Antología'' (Barcelona, Laia, [[1978]])
*''Catulo-Marcial'', versión de Ernesto Cardenal (Laia, [[1978]])
*''Canto a un país que nace'' (Universidad Autónoma de Puebla, [[1978]])
*''Antología de poesía primitiva'' (Alianza, [[1979]])
*''Nueva antología poética'' (Siglo Veintiuno, [[1979]])
*''La paz mundial y la Revolución de Nicaragua'' (Ministerio de Cultura, [[1981]])
*''Tocar el cielo'' (Loguez, [[1981]])
*''Los campesinos de Solentiname pintan el evangelio'' (Monimbo, [[1982]])
*''Nostalgia del futuro: Pintura y buena noticia en Solentiname'' (Editorial Nueva Nicaragua, [[1982]])
*''Evangelio, pueblo, y arte'' (selecciones de El Evangelio en Solentiname). (Loguez, [[1983]])
*''Antología: Ernesto Cardenal'' (Editorial Nueva Nicaragua-Ediciones Monimbo, [[1983]])
*''Poesía de la nueva Nicaragua'' (Siglo XXI, [[1983]])
*''Vuelos de Victoria'' (Madrid, Visor, 1984) (León, Nicaragua, Editorial Universitaria, [[1987]])
*''Quetzalcóatl'' (Editorial Nueva Nicaragua-Ediciones Monimbo, [[1985]])
*''Nuevo cielo y tierra nueva'' (Editorial Nueva Nicaragua-Ediciones Monimbo, [[1985]])
*''Telescopio en la noche oscura'' (Editorial Trotta, [[1993]])
*''El rio San Juan; estrecho dudoso en el centro de América'' (Latino Editores, [[1993]])

[[Categoría:Poetas del siglo XX|Cardenal Martinez, Ernesto]]
[[Categoría:Poetas del siglo XXI|Cardenal Martinez, Ernesto]]
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[[Categoría:Escultores del siglo XXI|Cardenal Martinez, Ernesto]]
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[[Categoría:Nacidos en 1925|Cardenal Martinez, Ernesto]]
[[Categoría:Nacidos en Nicaragua|Cardenal Martinez, Ernesto]]

Rosauro Varo Cobos

2023-04-08T03:20:04Z

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[[Imagen:Serrat y Rosauro Varo.jpg|250px|right|thumbnail|Rosauro Varo y [[Joan Manuel Serrat]] en [[Bodegas Campos]] (2001)]]
[[Imagen:Ernesto Cardenal.jpeg|250px|right|thumbnail|[[Ernesto Cardenal]] en Bodegas Campos con los ateneistas [[Antonio Perea]], [[Juan Carlos Villanueva]], [[Manuel Gahete]] y Rosauro Varo (Enero, 2005) ]]
'''Rosauro Varo Cobos''', ([[Córdoba]], [[26 de abril]] de [[1982]]), es médico. Pero al igual que su pasión por su profesión le define, su afición a la literatura es también una parte de su identidad. En cierto modo parte de una saga de médicos humanistas que inicia su abuelo Rosauro Varo de Castro. Y en esta publicación, su primer libro, se expresa esa inquietud que ya refleja en artículos literarios publicados en la revista Café de las Letras, de la que forma parte. Aquí se recogen las cartas enviadas por correo electrónico desde sus dos estancias largas en el extranjero, concretamente en la India (febrero y marzo de 2007) y Costa Rica (septiembre a diciembre de 2005). Hay que aclarar que estas cartas electrónicas no están escritas para ser publicadas por lo que su estilo es directo, sin remilgos lingüísticos e influido por ese otro tipo de lenguaje, nuevo aunque no original, como es el nacido de los mensajes en los teléfonos móviles (SMS). Y no es original porque el antiguo mensaje telegráfico ya imponía unas características especiales como el prescindir de pronombres o artículos, aunque sin llegar a la radicalidad de los SMS de transformar también la ortografía y exagerar la elipsis sintáctica, semántica y silábica.

Por otro lado no es un estilo depurado por la misma razón anterior, pero ello no sólo no merma su interés y calidad, sino que la agranda. Aunque en este sentido hay que decir que existe una mayor madurez en las cartas de la India, posiblemente por una mayor experiencia literaria del autor. También hay una perspectiva diferente. Las crónicas de Costa Rica expresan una mayor carga ideológica y compromiso, siendo las de la India más observadoras y descriptivas. Aunque paradójicamente las intenciones en los viajes son diferentes, en el primero profesional y el segundo turístico-solidario. En todas hay una mezcla de vida cotidiana, reflexiones y descripción de los acontecimientos. Por otra parte en las cartas el destinatario se confunde, al ser colectivas, dirigiéndose a una persona en concreto o a todos, sin solución de continuidad. Las que se dirigen a éste destinatario colectivo son las que propiamente se les puede llamar Crónicas, pero no se ha prescindido de la otra parte al estimar que aportan frescura, sencillez y un estilo personal que a veces incluyen expresiones que probablemente no se incluirían si se expusieran a un público mayor.

Prólogo del libro Crónicas del mundo. (La India y Costa Rica), de Rosauro Varo Cobos, publicado en Córdoba por la Editorial Andrómina en 2007.

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